Borobudur is one of the most beautiful Buddhist temples in Southeast Asia. I was here with my wife Conny many years ago. The temple complex with pyramid is located near Yogyakarta on the island of Java in Indonesia. This magical and sacred place still fascinates me so much that I would like to paint it now. My oil painting shows the view of Borobudur in the mountains of the island. At the time I took pictures and a small sketch. But the shadows never voted here. Nevertheless, I stick to my sketch and paint the temple as I felt it: magical, mystical, spiritual.

Borobodur Ölgemälde – buddhistisch angehaucht, spirituell

Der Künstler muss verrückt sein, um dem indonesischen Tempel einzig die Farben violett und rosa zu widmen. Und doch setzt er die alte Tempelanlage auf der Insel Java so spektakulär in Szene, dass jedes normale Foto blass dagegen wirkt. Weit entfernt erhebt sich bedrohlich und scheinbar doch auch friedlich ein Berg, der wie ein Vulkan aussieht. Das bringt neben den Farben Spannung in dieses Ölgemälde. Der Betrachter scheint eine Ebene Oberhalb der Pyramide zu ruhen und in der Geborgenheit den Blick nach außen zu genießen. Wird der Vulkan wieder ausbrechen? Heute nicht! Zwangsläufig wird sich der Betrachter dieses Kunstwerks fragen, wer die Menschen waren, die diese Tempelanlage erbaut haben. Wann haben sie gelebt? Und wie haben sie gelebt. Wer heute nach Java reist, bekommt als Tourist nur Hektik mit. Es sei denn: Er lässt sich bewusst auf diesen magischen Moment der Farbe ein. Und dann spielt es keine Rolle mehr, ob die Umgebung rosa oder violett ist. Das Indonesien Ölgemälde ist impressionistisch und expressionistisch zugleich. Der Künstler behält seinen ganz eigenen Stil und Wiedererkennungswert. Mit dem Borobodur Ölgemälde nimmt er den Betrachter mit auf eine Reise in die Ferne und lädt ihn dazu ein, sich seinen Emotionen zu stellen. Ein gelungenes Werk.

Borobodur Oil Painting – Buddhist Touched, Spiritual

The artist must be crazy to dedicate only the colors violet and pink to the Indonesian temple. And yet he stages the old temple complex on the island of Java so spectacularly that every normal photo looks pale against it. Far away, menacing and apparently peaceful, a mountain rises up that looks like a volcano. This brings tension in addition to the colors in this oil painting. The viewer seems to rest one level above the pyramid and to enjoy the view outwards in the security. Will the volcano erupt again? Not today! Inevitably, the viewer of this artwork will wonder who the people who built this temple complex were. When did you live? And how did they live? Who travels to Java today, gets as a tourist only hectic. Unless: He consciously lets himself in on this magical moment of color. And then it does not matter if the environment is pink or purple. The Indonesia oil painting is impressionist and expressionist at the same time. The artist retains his own style and recognition. With the Borobodur oil painting he takes the viewer on a journey into the distance and invites him to face his emotions. A successful work.

Peinture à l’huile de Borobodur – Bouddhiste touché, spirituel

L’artiste doit être fou pour ne dédier que les couleurs violet et rose au temple indonésien. Et pourtant, il met en scène l’ancien complexe du temple sur l’île de Java de façon si spectaculaire que chaque photo normale semble pâle contre elle. Au loin, menaçant et apparemment paisible, une montagne se dresse qui ressemble à un volcan. Cela apporte de la tension en plus des couleurs de cette peinture à l’huile. Le spectateur semble se reposer un niveau au-dessus de la pyramide et profiter de la vue vers l’extérieur dans la sécurité. Le volcan va-t-il réapparaître? Pas aujourd’hui! Inévitablement, le spectateur de cette œuvre se demandera qui étaient les gens qui ont construit ce temple. Quand as-tu vécu? Et comment ont-ils vécu? Qui se déplace à Java aujourd’hui, devient comme un touriste seulement agité. Sauf: Il se laisse aller consciemment à ce moment magique de la couleur. Et puis, peu importe si l’environnement est rose ou violet. La peinture à l’huile d’Indonésie est impressionniste et expressionniste à la fois. L’artiste conserve son propre style et sa propre reconnaissance. Avec la peinture à l’huile de Borobodur, il emmène le spectateur dans un voyage au loin et l’invite à affronter ses émotions. Un travail réussi.

Pittura ad olio di Borobodur – Toccato buddista, spirituale

L’artista deve essere pazzo per dedicare solo i colori viola e rosa al tempio indonesiano. Eppure mette in scena il complesso del vecchio tempio sull’isola di Giava in modo così spettacolare che ogni foto normale sembra pallida contro di essa. Lontano, minaccioso e apparentemente pacifico, sorge una montagna che sembra un vulcano. Questo porta tensione oltre ai colori di questo dipinto ad olio. Lo spettatore sembra poggiare su un livello sopra la piramide e godersi la vista verso l’esterno nella sicurezza. Il vulcano esploderà di nuovo? Non oggi! Inevitabilmente, lo spettatore di questa opera d’arte si chiederà chi fossero le persone che hanno costruito questo complesso del tempio. Quando hai vissuto? E come vivevano? Chi oggi viaggia a Java, diventa un turista solo frenetico. A meno che non si conceda consapevolmente questo magico momento del colore. E poi non importa se l’ambiente è rosa o viola. La pittura ad olio dell’Indonesia è impressionista ed espressionista allo stesso tempo. L’artista conserva il suo stile e il suo riconoscimento. Con il dipinto a olio di Borobodur porta lo spettatore in un viaggio lontano e lo invita ad affrontare le sue emozioni. Un lavoro di successo.

Pintura al óleo de Borobodur – Tocado budista, espiritual

El artista debe estar loco para dedicar solo los colores violeta y rosa al templo indonesio. Y, sin embargo, escenifica el antiguo complejo del templo en la isla de Java de forma tan espectacular que cada foto normal se ve pálida contra ella. Lejos, amenazantes y aparentemente pacíficos, se alza una montaña que parece un volcán. Esto trae tensión además de los colores en esta pintura al óleo. El espectador parece descansar un nivel por encima de la pirámide y disfrutar de la vista hacia afuera en la seguridad. ¿Volcará el volcán de nuevo? ¡Hoy no! Inevitablemente, el espectador de esta obra de arte se preguntará quiénes fueron las personas que construyeron este complejo de templos. ¿Cuándo viviste? ¿Y cómo vivieron? Quien viaja a Java hoy, se vuelve como turista solo agitado. A menos que: conscientemente se permita entrar en este mágico momento de color. Y luego no importa si el ambiente es rosado o morado. La pintura al óleo de Indonesia es impresionista y expresionista al mismo tiempo. El artista conserva su propio estilo y reconocimiento. Con la pintura al óleo de Borobodur, lleva al espectador a un viaje en la distancia y lo invita a enfrentar sus emociones. Un trabajo exitoso.

Живопись маслом Borobodur – Буддистский коснулся, Духовный

Художник должен быть сумасшедшим, чтобы подчеркнуть только цвета фиолетового и розового цвета в индонезийском храме. И все же он ставит старый храмовый комплекс на острове Ява настолько впечатляюще, что каждая нормальная фотография бледнеет против него. Далеко, угрожающий и, по-видимому, мирный, поднимается гора, похожая на вулкан. Это приводит к напряжению в дополнение к цветам в этой масляной живописи. Похоже, зритель находится на одном уровне над пирамидой и наслаждается видом снаружи в безопасности. Извергнется ли вулкан снова? Не сегодня! Неизбежно, зритель этого произведения задается вопросом, кто такие люди, которые построили этот храмовый комплекс. Когда вы живете? И как они жили? Кто сегодня ездит на Яву, становится туристом только суматохой. Разве что: он сознательно вмешивается в этот волшебный момент цвета. И тогда не имеет значения, является ли среда розовой или фиолетовой. Одновременно картина маслом Индонезии является импрессионистом и экспрессионистом. Художник сохраняет свой стиль и признание. С масляной животой Борободура он берет зрителя в путешествие на расстояние и приглашает его столкнуться с его эмоциями. Успешная работа.

Original Oil Painting: Original-Image-URL highres: http://www.seebauers-world.com/wallpaper/borobudur.jpg

This oil painting depicts the Italian town of Pitigliano in Tuscany. The medieval stone houses in Pitigliano are adventurously built on and in volcanic tufa. The scenery is spectacular, especially at sunset. Pittiglino is approximately between Grosseto and Perugia. I studied a semester here many years ago. Since then I always come here to Pitigliano. This time to paint this dream city. With oil paints on canvas. The old center is rehearsing an opera. My wife Connie said: “If you do not see the sky and the flowers with your own eyes, nobody believes that. I do not care. Today I paint Pitigliano in pink, ocher, purple, purple and pink. Salvatore, an Italian hairdresser around the age of 80, spontaneously says: Che bello! Would you like a coffee and a haircut afterwards? Yes, I would like!

Eines der herausragenden Motive der Toskana: Pitigliano Ölgemälde

Als Betrachter des 70 Zentimeter mal 50 Zentimeter großen Ölgemäldes kann einem hier leicht ein „wow“ über die Lippen kommen. Der Künstler zeichnet das mittelalterliche Dorf Pitigliano mit schnellen Strichen und leuchtenden Farben und zeiht damit den Betrachter hinein in dieses wunderschöne impressionistische Werk. Wer andere Werke des Künstlers Seebauer kennt, weiß, das er den Moment einfängt. Und dieser Moment ist wahrlich überwältigend. So stört es in keinster Weise, dass die Steinhäuser schnell und krumm mit Farbe aufgetragen sind. Der Künstler bemüht sich nicht im geringsten, seine Linien nachträglich zu korrigieren: Vielmehr widmet er sich dem Charakter des toskanischen Dörfchens und der Stimmung, die mit unglaublicher Farbstärke auf Leinwand bannt. Ungefähr 40 Prozent des Ölgemäldes nimmt der Himmel ein, der von Rosa über Zartgelb bis in kräftige Lila-Töne nach oben verläuft. Das Dörfchen Pitigliano nimmt diese warmen Rosatöne und Ockertöne in seinen Steinfassaden auf. Auch die fast senkrecht abfallende Felskulisse leuchtet in einem fast übertriebene rosa. Das Werk geht fast in die Richtung expressionistischer Meister. Pitigliano hebt sich vom dunklen Hintergrund ab, der in Violett und Blau gemalt wurde und fast schwarz erscheint. Dennoch verwendet der Künstler in diesem Wer kein Schwarz und erhält hierdurch die einzigartige Leuchtkraft des Kunstwerks. Dieses Ölgemälde ist etwas vollkommen anderes, als das klassische Toskana-Motiv mit sanften Hügeln und Zypressen. Und doch ist es ein klassisches und unverkennbares Werk über die Toskana, welches seinesgleichen sucht. Tags: Ölgemälde Toskana, Ölfarben auf Leinwand, Italien, klassisches Gemälde, expressionistisch, impressionistisch, Landschaftsmalerei,

One of the outstanding themes of Tuscany: Pitigliano oil painting

As a viewer of the 70 centimeters by 50 centimeters large oil painting one can easily get a “wow” over the lips here. The artist draws the medieval village of Pitigliano with fast strokes and bright colors, drawing the viewer into this beautiful impressionistic work. Anyone who knows other works by the artist Seebauer knows that he captures the moment. And that moment is truly overwhelming. So it does not bother in any way that the stone houses are applied quickly and crooked with paint. The artist does not make any effort to retroactively correct his lines: rather, he dedicates himself to the character of the Tuscan village and the atmosphere that captivates with incredible color intensity on canvas. About 40 percent of the oil painting takes in the sky, which goes from pink over pale yellow to rich purple tones upwards. The hamlet of Pitigliano picks up these warm pinks and ochres in its stone facades. The almost vertical sloping rock backdrop shines in an almost exaggerated pink. The work almost goes in the direction of Expressionist masters. Pitigliano stands out against the dark background, painted in purple and blue and almost black. Nevertheless, the artist does not use black in this who gets the unique luminosity of the artwork. This oil painting is something completely different than the classic Tuscany motif with rolling hills and cypress trees. And yet it is a classic and unmistakable work about Tuscany, which is second to none. Tags: oil painting Tuscany, oil on canvas, Italy, classical painting, expressionist, impressionistic, landscape painting,

Un des thèmes marquants de la Toscane: la peinture à l’huile de Pitigliano

En tant que spectateur de 70 centimètres par 50 centimètres grande peinture à l’huile d’un « wow » peut-on sortir de la bouche ici facilement. L’artiste dessine le village médiéval de Pitigliano avec des coups rapides et des couleurs vives et accuse le spectateur dans ce beau travail impressionniste. Quiconque connaît d’autres œuvres de l’artiste Seebauer sait qu’il saisit le moment. Et ce moment est vraiment écrasant. Donc, il ne dérange pas du tout que les maisons de pierre sont appliquées rapidement et tordu avec de la peinture. L’artiste ne cherche pas le moins pour corriger ses lignes plus loin: Au contraire, il se concentre sur le caractère du village toscan et l’ambiance qui capte avec la force de couleur incroyable sur toile. Environ 40 pour cent de la peinture à l’huile prend dans le ciel, qui va du rose sur jaune pâle aux tons pourpres riches vers le haut. Le hameau de Pitigliano ramasse ces roses chaudes et ses ocres dans ses façades de pierre. La toile de fond rocheuse presque verticale brille dans un rose presque exagéré. Le travail va presque dans le sens des maîtres expressionnistes. Pitigliano se détache sur le fond sombre, peint en violet et bleu et presque noir. Néanmoins, l’artiste n’utilise pas le noir dans ce qui obtient la luminosité unique de l’œuvre. Cette peinture à l’huile est quelque chose de complètement différent du motif toscan classique avec des collines et des cyprès. Et pourtant, c’est un travail classique et incomparable sur la Toscane, qui est incomparable. Tags: peinture à l’huile Toscane, huile sur toile, Italie, peinture classique, expressionniste, impressionniste, peinture de paysage,

Un des thèmes marquants de la Toscane: la peinture à l’huile de Pitigliano

En tant que spectateur de 70 centimètres par 50 centimètres grande peinture à l’huile d’un « wow » peut-on sortir de la bouche ici facilement. L’artiste dessine le village médiéval de Pitigliano avec des coups rapides et des couleurs vives et accuse le spectateur dans ce beau travail impressionniste. Quiconque connaît d’autres œuvres de l’artiste Seebauer sait qu’il saisit le moment. Et ce moment est vraiment écrasant. Donc, il ne dérange pas du tout que les maisons de pierre sont appliquées rapidement et tordu avec de la peinture. L’artiste ne cherche pas le moins pour corriger ses lignes plus loin: Au contraire, il se concentre sur le caractère du village toscan et l’ambiance qui capte avec la force de couleur incroyable sur toile. Environ 40 pour cent de la peinture à l’huile prend dans le ciel, qui va du rose sur jaune pâle aux tons pourpres riches vers le haut. Le hameau de Pitigliano ramasse ces roses chaudes et ses ocres dans ses façades de pierre. La toile de fond rocheuse presque verticale brille dans un rose presque exagéré. Le travail va presque dans le sens des maîtres expressionnistes. Pitigliano se détache sur le fond sombre, peint en violet et bleu et presque noir. Néanmoins, l’artiste n’utilise pas le noir dans ce qui obtient la luminosité unique de l’œuvre. Cette peinture à l’huile est quelque chose de complètement différent du motif toscan classique avec des collines et des cyprès. Et pourtant, c’est un travail classique et incomparable sur la Toscane, qui est incomparable. Tags: peinture à l’huile Toscane, huile sur toile, Italie, peinture classique, expressionniste, impressionniste, peinture de paysage,

Uno dei temi principali della Toscana: la pittura ad olio di Pitigliano

Come spettatore dei 70 centimetri di 50 centimetri di grande pittura ad olio si può facilmente ottenere un “wow” sulle labbra qui. L’artista disegna il borgo medievale di Pitigliano con tratti veloci e colori vivaci, disegnando lo spettatore in questa bellissima opera impressionista. Chiunque conosca altre opere dell’artista Seebauer sa che coglie l’attimo. E quel momento è davvero travolgente. Quindi non si preoccupa in alcun modo che le case di pietra vengano applicate velocemente e deformate con la vernice. L’artista non si sforza di correggere retroattivamente le sue battute: si dedica piuttosto al carattere del borgo toscano e all’atmosfera che affascina con incredibile intensità cromatica su tela. Circa il 40 percento della pittura a olio prende il cielo, che va dal rosa al giallo pallido al violetto ricco di toni verso l’alto. Il borgo di Pitigliano raccoglie questi caldi rosa e ocra nelle sue facciate in pietra. Il fondale quasi verticale in pietra rilassa in un rosa quasi esagerato. Il lavoro va quasi nella direzione dei maestri espressionisti. Pitigliano si staglia sullo sfondo scuro, dipinto in viola e blu e quasi nero. Tuttavia, l’artista non usa il nero in questo che ottiene la luminosità unica dell’opera d’arte. Questo dipinto a olio è qualcosa di completamente diverso dal classico motivo toscano con dolci colline e cipressi. Eppure è un lavoro classico e inconfondibile sulla Toscana, che non è seconda a nessuno. Tag: pittura ad olio Toscana, olio su tela, Italia, pittura classica, espressionista, impressionista, pittura di paesaggio,

Uno de los temas destacados de la Toscana: la pintura al óleo de Pitigliano

Como espectador de 70 centímetros por 50 centímetros gran pintura al óleo de un “wow” se puede salir de los labios de aquí fácilmente. El artista dibuja el pueblo medieval de Pitigliano con trazos rápidos y los colores brillantes y acusa al espectador en esta bella obra impresionista. Los que conocen a otras obras del artista Seebauer, saben que capta el momento. Y este momento es realmente abrumadora. Interfiere de ninguna manera que las casas de piedra se aplican de forma rápida y torcidos con el color. El artista no busca en lo más mínimo para corregir sus líneas más adelante: Más bien, se centra en el carácter del pueblo de la Toscana y el estado de ánimo que captura con una increíble fuerza de color sobre lienzo. Alrededor del 40 por ciento de la pintura al óleo lleva hasta el cielo, del rosa al amarillo suave a fuertes tonos púrpura se extiende hacia arriba. El pueblo de Pitigliano toma esta cálidos rosas y ocres en en sus fachadas de piedra. Los pendiente casi vertical luces de paisaje de roca en un rosa casi exagerada. El trabajo está casi en la dirección de los maestros expresionistas. Pitigliano destaca contra el fondo oscuro que fue pintado en color violeta y azul y aparece casi negro. Sin embargo, el artista no utiliza negro en esta Quién y por lo tanto obtiene el brillo único de la obra. Esta pintura al óleo es algo completamente diferente que el motivo de la Toscana clásico con colinas y cipreses. Y sin embargo es un trabajo clásico e inconfundible en la Toscana, que no tiene igual. Etiquetas: pintura al óleo Toscana, óleo sobre lienzo, Italia, pintura clásica, expresionista, impresionista, paisajismo,

Одна из больших мотивов Тосканы: Питильяно масляной живописи

Как зритель 70 сантиметров на 50 сантиметров большой картины маслом о «вау» может один пришел из уст здесь легко. Художник рисует средневековые деревни Питиглиано~d быстрых мазков и яркие цветы и обвиняет зритель в эту прекрасную импрессионистскую работу. Те, кто знает другие работы художника Seebauer, знайте, что он захватывает момент. И этот момент действительно подавляющий. Это препятствует каким-либо образом, что каменные дома применяются быстро и криво с цветом. Художник не стремится ни в малейшей степени позже, чтобы исправить свои строки: Скорее всего, он фокусируется на характере деревни Тосканы и настроении, которое захватывает с невероятной силой цвета на холсте. Около 40 процентов масляной живописи занимает небо, от розового до желтого мягкого до сильного фиолетовых тонов простирается вверх. Деревня Питиглиано~d принимает эти теплые гвоздики и охры на в своих каменных фасадах. Почти вертикально покатые рок декорации огни в почти преувеличенно розовый. Работа почти в направлении экспрессионизма мастеров. Pitigliano выделяется на темном фоне, который был окрашен в фиолетовый и синий и появляется почти черный. Однако художник не использует черный в этом Кто и, таким образом, получает уникальный блеск искусства. Эта картина масло нечто совершенно иное, чем классический тосканский мотив с холмистыми и кипарисами. И все-таки это классическая и безошибочная работа по Тоскане, который не имеет себе равный. Теги: Картина масла Тосканы, масляные краски на холсте, Италия, классическая живопись, экспрессионистическая, импрессионистская, пейзажная живопись,

Original Oil Painting: Original-Image-URL highres: http://www.seebauers-world.com/wallpaper/pitigliano.jpg

Recently discovered in the studio: These stone houses are located on Monte Argentario on the southern edge of Tuscany. Porto Santo Stefano and Orbetello are not far away. But up here it is gorgeous for painting. All you need is a canvas, colors and a little rest. This oil painting was created very quickly. I used my fingers for painting.

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I simply painted this oil painting with my fingers. It shows the Shvil Israel from Shaharut to Timna Park in all its beauty. The trail is just a narrow sand path here. The orange colors and the ocher shades are breathtaking shortly after sunrise. Painted with oil on canvas.

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Why not actually paint Mars as I imagine? Breathtaking scenery, craters and an endless desert landscape. And so-called dust devils swirling through the thin atmosphere until swirling high in the horizon. At some point, people will visit our neighboring planet. But there’s still plenty of time left to go by. Here is my Mars in advance as an oil painting on canvas.

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The Dead Sea is uniquely beautiful. And it is a dreamlike motive for painting. Here one looks in the sunset on the mountains of Jordan. The white is salt. It’s getting dark soon. As a painter I can still dream!

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If you’re up here, you can dream! I experienced these moments every day on the Israel National Trail. Whenever I got up in the morning, I was free! I painted the view of Mitzpe Ramon twice on canvas. This was my first attempt. He stays where he is. Israel and the Negev Desert are uniquely beautiful.

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The Negev desert is a mystical place to fall in love with! Once you have been here, you can not forget the breathtaking colors and the liberating expanse! At the top, take a look at the Ramon crater. Being here while others are still sleeping. Feel the distance. And feel the magic of the first rays of sunshine. That’s it! For this oil painting, a photo of my friend Ralph Burchard inspired me. I myself crashed here on Ramon Crater on the descent and found an old disposable razor “brand Venus” in the sand. A luck! Finally shave again!

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This year I was with my family once again in Vernazza (Cinque Terre). As an artist I do not sit down in the coffee, but very lonely up here. When the others take pictures with their smartphones, I prefer to do a sketch. But today I am all alone here. The colors are overwhelming. Vernazza is lying quietly under me. Every second the light changes and conjures up new colors! Very small in the background you can see the bay of Monterosso. From here you can hike over the blue hills to Levanto. Today I am happy!

Beschreibung zum Ölgemälde ‘Tramonto a Vernazza’

Pink, lila und tief violett: Das sind die intensiven Hauptfarben dieses Imprssionistischen Ölgemäldes. Das Werk zeigt die ins rot-violette Abendlicht getauchte Küstenlandschaft am ligurischen Meer. Das Städchen Vernazza leuchtet in gelben und orangen Farben. Im Hintergrund folgt der Betrachter des Ölgemäldes der Küstenline Cinqueterres, die miz zu den schönsten Küstenabschnitten der Welt zählt. Das Ölgemälde auf großer Leinwand setzt Vernazza und die Schönheit Italiens stilvoll in Szene. Das Farbspektakel und der grobe Finselstrich sind einzigartig dynamisch und geben dem Ölgemälde eine unglaubliche Tiefe. Im Vordergrund zieht eine steile Steintreppe mit Geländer den Betrachter scheinbar lautlos mit in das Gemälde hinein. Das Werk zählt sicher zu den eindrucksvollsten und ausdruckstärksten Ölbildern mit dem Thema Vernazza und Cinque Terre.

Description of the oil painting ‘Tramonto a Vernazza’

Pink, purple and deep purple: These are the intense main colors of this Imprssionist oil painting. The work shows the coastal landscape on the Ligurian Sea, bathed in red and purple evening light. The town of Vernazza shines in yellow and orange colors. In the background follows the viewer of the oil painting of the Coastline Cinque Terre, which is one of the most beautiful coastlines in the world. The oil painting on big canvas stylishly stages Vernazza and the beauty of Italy. The color spectacle and the coarse brush stroke are uniquely dynamic and give the oil painting an incredible depth. In the foreground a steep stone staircase with railing draws the viewer seemingly silently into the painting. The work is certainly one of the most impressive and expressive oil paintings with the theme Vernazza and Cinque Terre.

Descrizione del dipinto ad olio “Tramonto a Vernazza”

Rosa, viola e viola intenso: questi sono i colori principali intensi di questa pittura a olio di Impressionista. L’opera mostra il paesaggio costiero sul Mar Ligure, immerso nella luce rossa e viola della sera. La città di Vernazza brilla nei colori giallo e arancio. Sullo sfondo segue lo spettatore del dipinto ad olio della costa delle Cinque Terre, che è una delle coste più belle del mondo. Il dipinto a olio su tela di grandi dimensioni mette in scena con eleganza Vernazza e la bellezza dell’Italia. Lo spettacolo dei colori e la pennellata grossolana sono unicamente dinamici e conferiscono alla pittura ad olio un’incredibile profondità. In primo piano una ripida scalinata in pietra con ringhiera attira lo spettatore in modo apparentemente silenzioso nel dipinto. Il lavoro è certamente uno dei dipinti a olio più impressionanti ed espressivi con il tema Vernazza e Cinque Terre. —

Impressionistisches Cinque Terre Ölgemälde, Sonnenuntergang in Vernazza

Leuchtendes Pink und dunkles violett. Auf einem fast schon surreal wirkenden Abendrot setzt der Künstler dieser Landschaftsmalerei mit Öl auf Leinwand das zu Cinque Terre gehörende Fischerdorf Vernazza atemberaubend schön in Szene. Die uralten italienischen Steinhäuser leuchten in warmen und satten gelben Farbtönen auf dem fast schwarz-violetten Hintergrund. Zur linken Seite hin öffnet sich das Cinque Terre Ölgemälde zum Meer, welches im Licht der orangeroten und lila Farbpalette eine unglaubliche Intensität und Farbdynamik ausstrahlt. Die ligurische Riviera scheint in fast künstlichen Farbwelten zu leuchten und den Blick des Betrachters in die Ferne zu ziehen. Kleine Boote ziehen ihre Spuren in verschiedene Richtungen und nehmen den Betrachter dieses Kunstwerks quasi mit auf die Reise in die Ferne. Auf der rechten Seite verläuft spektakulär gemalt die ligurische Küstenlinie Cinque Terres weit in die Ferne. Die raffiniert eingesetzten Halbtransparenzen und hellen nebeligen Farbschichten auf den weit entfernten Hügeln des Monte Rosso verleihen diesem Italien-Ölgemälde eine ganz besondere Tiefe und Spiritualität. Einbettet in die ligurische Küstenlandschaft ist weit entfernt ein weiteres Küstendorf erkennbar. Es könnte Monterosso Al Mare sein. Über ihm ein rosa und violetter Himmel, der impulsiv und grob gemalt ist und dadurch einen flüchtigen und seltenen Moment der Faszination einfängt. Im Ölgemälde lädt der Hintergrund zum träumen ein. Obwohl der Künstler in diesem Werk keine Konträrfarben zur Steigerung des Kontrast verwendet, ist die Leuchtkraft dieses Italien Ölgemäldes einzigartig. Nicht umsonst zählt es im Internet zu den bekanntesten Toskana Werken, wenngleich Cinque Terre gar nicht zur Toskana gehört. Aber das dürfte dem Kunstliebhaber, der sich in dieses impressionistische Werk verliebt, auch egal sein. Wer nach einem weltweit einzigartigen Italien-Ölgemälde sucht, wird zwangsläufig das Werk „Tramonto a Vernazza“ von Christian Seebauer finden. Es vermittelt italienisches Flair und mediterrane Sehnsucht auf einer gigantischen Leinwandgröße von 150 cm Breite.

Impressionist Cinque Terre Oil Painting, Sunset in Vernazza

Bright pink and dark purple. On an almost surreal evening red, the artist of this landscape painting with oil on canvas stages the fishing village of Vernazza, which belongs to Cinque Terre, breathtakingly beautiful. The ancient Italian stone houses glow in warm and rich yellow shades on the almost black-violet background. On the left side opens the Cinque Terre oil painting to the sea, which radiates an incredible intensity and color dynamic in the light of the orange and purple color palette. The Ligurian Riviera seems to glow in almost artificial color worlds and draw the viewer’s gaze into the distance. Small boats make their tracks in different directions and almost take the viewer of this work of art on a journey into the distance. On the right, the Ligurian coastline Cinque Terres runs spectacularly far into the distance. The subtle semi-transparencies and bright foggy layers of color on the distant hills of Monte Rosso give this Italian oil painting a very special depth and spirituality. Embedded in the Ligurian coastal landscape is far away another coastal village recognizable. It could be Monterosso Al Mare. Above him a pink and violet sky, impulsively and roughly painted, capturing a fleeting and rare moment of fascination. In the oil painting, the background invites you to dream. Although the artist does not use contrasting colors to enhance the contrast in this work, the luminosity of this Italy oil painting is unique. It is not for nothing that it is one of the most well-known Tuscany works on the Internet, even though Cinque Terre does not even belong to Tuscany. But that should not matter to the art lover who falls in love with this Impressionist work. Anyone looking for a unique oil painting in Italy will inevitably find the work “Tramonto a Vernazza” by Christian Seebauer. It conveys Italian flair and Mediterranean longing on a gigantic canvas size of 150 cm width.

Imprssionist Cinque Terre Peinture à l’huile, Sunset in Vernazza

Rose vif et violet foncé. Sur une lueur de soirée presque surréaliste, l’artiste de cette peinture de paysage à l’huile sur toile met en scène le village de pêcheurs de Vernazza, qui appartient aux Cinque Terre, d’une beauté à couper le souffle. Les anciennes maisons en pierre italiennes brillent dans des tons jaunes chauds et riches sur le fond presque noir-violet. Sur le côté gauche s’ouvre la peinture à l’huile Cinque Terre à la mer, qui rayonne une intensité incroyable et la dynamique des couleurs à la lumière de la palette de couleurs orange et violet. La Riviera ligure semble briller dans des mondes de couleurs presque artificielles et attirer le regard du spectateur au loin. Les petites embarcations font leurs traces dans des directions différentes et emportent presque le spectateur de cette œuvre d’art dans un voyage au loin. Sur la droite, la côte ligure Cinque Terres s’étend spectaculairement au loin. Les semi-transparences subtiles et les couches de couleurs brumeuses sur les collines lointaines de Monte Rosso donnent à cette peinture à l’huile italienne une profondeur et une spiritualité très spéciales. Intégré dans le paysage côtier ligure est loin un autre village côtier reconnaissable. Ce pourrait être Monterosso Al Mare. Au-dessus de lui un ciel rose et violet, impulsivement et grossièrement peint, capturant un moment fugace et rare de fascination. Dans la peinture à l’huile, le fond vous invite à rêver. Bien que l’artiste n’utilise pas de couleurs contrastées pour améliorer le contraste de cette œuvre, la luminosité de cette peinture à l’huile italienne est unique. Ce n’est pas pour rien que c’est l’une des œuvres les plus connues de Toscane sur Internet, même si Cinque Terre n’appartient même pas à la Toscane. Mais cela ne devrait pas importer à l’amoureux d’art qui tombe amoureux de ce travail impressionniste. Quiconque cherche une peinture à l’huile unique en Italie trouvera inévitablement l’œuvre “Tramonto a Vernazza” de Christian Seebauer. Il transmet le flair italien et le désir méditerranéen sur une gigantesque toile de 150 cm de large.

Impressionista Pittura a olio delle Cinque Terre, Tramonto a Vernazza

Rosa brillante e viola scuro. In un tramonto quasi surreale di artisti che pittura di paesaggio è olio su tela delle Cinque Terre appartenenza villaggio di pescatori di Vernazza incredibilmente bella scena. Le antiche case di pietra italiane brillano di calde e ricche sfumature gialle sullo sfondo quasi nero-violetto. Sul lato sinistro, le Cinque Terre si apre dipinti ad olio verso il mare, che trasuda un incredibile dinamica di intensità e il colore alla luce della tavolozza dei colori rosso-arancio e viola. La Riviera Ligure sembra brillare in mondi cromatici quasi artificiali e attirare lo sguardo dello spettatore in lontananza. Piccole imbarcazioni fanno le loro tracce in direzioni diverse e quasi portano lo spettatore di questa opera d’arte in un viaggio in lontananza. Sulla destra, la linea costiera ligure Cinque Terres si estende spettacolare in lontananza. La semi-trasparenza e raffinati strati nebbiosi luminose utilizzate di vernice sulle colline lontane di Monterosso danno pittura questa Italia Olio una profondità speciale e spiritualità. Incastonato nel paesaggio costiero ligure è lontano un altro villaggio costiero riconoscibile. Potrebbe essere Monterosso Al Mare. Sopra di lui un cielo rosa e viola, impulsivamente e rozzamente dipinto, catturando un fugace e raro momento di fascino. Nella pittura ad olio, lo sfondo ti invita a sognare. Sebbene l’artista non utilizzi colori contrastanti per migliorare il contrasto in questo lavoro, la luminosità di questo dipinto ad olio d’Italia è unica. Non per niente è uno di Internet per le opere più famose della Toscana, anche se le Cinque Terre non parte della Toscana. Ma questo non dovrebbe importare all’amante dell’arte che si innamora di questo lavoro impressionista. Chiunque cerchi un dipinto ad olio unico in Italia troverà inevitabilmente l’opera “Tramonto a Vernazza” di Christian Seebauer. Trasmette l’atmosfera italiana e il desiderio mediterraneo su una gigantesca tela di 150 cm di larghezza.

Impresionista Cinque Terre pintura al óleo, puesta de sol en Vernazza

Brillante rosa y morado oscuro. En una noche de rojo casi surrealista, el artista de esta pintura de paisaje con óleo sobre lienzo establece la escena de impresionante belleza del pueblo pesquero de Vernazza, que pertenece a Cinque Terre. Las antiguas casas de piedra italianas brillan en cálidas y ricas sombras amarillas sobre el fondo casi negro-violeta. En el lado izquierdo se abre al mar la pintura al óleo de Cinque Terre, que irradia una increíble intensidad y una dinámica de color a la luz de la paleta de colores naranja y morado. La Riviera Ligure parece brillar en mundos de colores casi artificiales y atraer la mirada del espectador a la distancia. Las pequeñas embarcaciones hacen sus pistas en diferentes direcciones y casi llevan al espectador de esta obra de arte en un viaje a lo lejos. A la derecha, la costa de Liguria Cinque Terres se extiende espectacularmente a lo lejos. Las sutiles transparencias y las brillantes capas de color brumoso en las distantes colinas de Monte Rosso le dan a esta pintura al óleo italiana una profundidad y espiritualidad muy especial. Incrustado en el paisaje costero de Liguria, está muy lejos otro pueblo costero reconocible. Podría ser Monterosso Al Mare. Sobre él, un cielo rosado y violeta, pintado impulsivamente y toscamente, capturando un momento fugaz y raro de fascinación. En la pintura al óleo, el fondo te invita a soñar. Aunque el artista no usa colores contrastantes para realzar el contraste en este trabajo, la luminosidad de esta pintura al óleo de Italia es única. No en vano es una de las obras más conocidas de la Toscana en Internet, a pesar de que Cinque Terre ni siquiera pertenece a la Toscana. Pero eso no debería importarle al amante del arte que se enamora de esta obra impresionista. Cualquiera que busque una pintura al óleo única en Italia inevitablemente encontrará la obra “Tramonto a Vernazza” de Christian Seebauer. Transmite el estilo italiano y el anhelo mediterráneo en un lienzo gigante de 150 cm de ancho.

Imperssionist Cinque Terre Картина маслом, закат в Вернацце

Ярко-розовый и темно-фиолетовый. На почти нереальном вечернем красном, художник этой пейзажной живописи с маслом на холсте демонстрирует рыбацкую деревню Вернацца, которая принадлежит Чинкве-Терре, потрясающе красива. Древние итальянские каменные дома светились в теплых и насыщенных желтых оттенках почти на черно- фиолетовом фоне. С левой стороны открывается картина маслом Cinque Terre к морю, которая излучает невероятную интенсивность и динамику цвета в свете оранжевой и фиолетовой цветовой палитры. Лигурийская Ривьера, кажется, сияет в почти искусственных цветовых мирах и втягивает взгляд зрителя вдаль. Маленькие лодки делают свои следы в разных направлениях и почти берут на себя внимание этого произведения искусства на пути вдаль. Справа Лигурийская береговая линия Чинкве Террес захватывает далеко вдаль. Тонкие полупрозрачные пленки и яркие туманные слои цвета на далеких холмах Монте-Россо придают этой итальянской масляной живописи особую глубину и духовность. Встроенный в лигурийский прибрежный ландшафт – это еще одна прибрежная деревня, узнаваемая. Это может быть Монтероссо Аль-Маре. Над ним розовое и фиолетовое небо, импульсивно и грубо нарисованное, захватывающее мимолетный и редкий момент увлечения. В масляной живописи фон приглашает вас мечтать. Хотя художник не использует контрастные цвета для усиления контраста в этой работе, яркость этой итальянской масляной живописи уникальна. Недаром это один из самых известных произведений Тосканы в Интернете, хотя Чинкве Терр даже не принадлежит Тоскане. Но это не должно иметь значения для любовника, который влюбляется в эту импрессионистическую работу. Любой, кто ищет уникальную масляную живопись в Италии, неизбежно найдет работу «Tramonto a Vernazza» Кристиана Сибауэра. Он передает итальянское чутье и средиземноморскую тоску на гигантском холсте размером 150 см.

Original Oil Painting: Original-Image-URL highres: http://www.seebauers-world.com/wallpaper/vernazza3.jpg

Hurricane Irma is wider than the Florida peninsula. And it will not be the last hurricane. As an artist, I would like to paint a picture to discuss this subject.

Expressionismus/ Ölgemälde: Hurrikane Irma

Egal ob Hurrikane Irma, Sandy oder Hurrikane Katrina: Die Namen der schlimmsten Wirbelstürme zwischen den Jahren 2000 und 2017 bleiben ein fester Begriff. Umso erstaunlicher ist es, dass sich die zeitgenössische Kunst mit diesem Thema kaum nennenswert auseinander setzt. Das „Hurrikan Irma Painting“ bringt es 2018 deshalb in Suchmaschinen wie Google auf Platz 1 und dürfte damit aktuell das bekannteste Werk hierzu sein. Christian Seebauer hat sich bereits mit anderen Umwelt- und sozialkritischen Werken und Ölgemälden international einen Namen gemacht. Sturmtief Irma bringt er in den beiden eindrucksvollen Großformaten von 150 cm x 120 cm und 100 cm x 80 cm mit Acrylfarben auf Leinwand. Irma gibt es also auf Leinwand zweimal und doch sind es zwei völlig unterschiedliche Werke, die aus dem Thema Hurrikane Irma entstanden sind. Hurricane Irma (Nr. 2371) ist das kleinere der beiden umweltkritischen Gemälde. Es besticht allein durch seine ungeheure Dynamik und seine extreme Leuchtkraft. Der Künstler setzt dabei nicht nur Irma in Szene, sondern auch gleich noch den nachfolgenden Hurricane Jose. Vollkommen ungewöhnlich und doch schon bewusst oder unbewusst gesehen ist die vollkommen neuartige Art der Darstellung, die Seebauer immer wieder von anderen Künstlern abgrenzt. Während er Kriegsbilder wohl weltweit als erster Künstler in der typisch grünen Nachtsichtoptik zeigt und ihnen dadurch eine besondere Dramatik und Einzigartigkeit verleiht, lässt er die Irma-Gemälde wie ein physikalisches Radarbild aussehen: Rot und Orange kennzeichnen die Stellen mit der höchsten Bewegung und Windstärke. Geringere Windstärken (und Bewegungen) fliesen von Orange über gelb bis hinein in ein helles Grün, welches sich an den äußeren Rändern in ein gefälliges Türkisblau aufzulösen scheint. In der Mitte der beiden Hurrikans bleibt das Auge in diesem Türkisblau unbearbeitet. Dadurch entsteht eine fast gespenstische Szenerie mit einer irrsinnigen Eigendynamik. Mit scheinbar zufälligen Farbspritzern greift Hurrikane Irma scheinbar wie eine Krake weit um sich. Links oben im Bild könnte Florida sein. Es bleibt jedoch dem Betrachter überlassen, was er hier zu sehen vermag. Am linken oberen Eck jedenfalls scheint sich die Sturmfront vor der Küste zu stauen, um dort mit komprimierter Energie zu wüten. Die Farbspritze am dunkelblauen Ozean könnten die karibischen Inseln andeuten, oder die Windgeschwindigkeiten oberhalb der karibischen Inseln. Aber auch hier bleibt der Künstler vage und so darf der Betrachter sich auf das Wesentliche konzentrieren: Das verhängnisvolle Farbspiel des Hurrikans Irma und des Hurrikans Jose. Das größere der beiden Kunstwerke verrät dann bei genauerem Hinsehen, dass es sich tatsächlich auch geografisch um die Karibik und Florida handelt. Wie bei einer für das Fernsehen aufbereiteten Radarkarte sind Umrisse der Inseln Jamaika, Kuba sowie der Umriss Floridas klar ausgeführt. Auch kleinere Inseln wie die Bahamas, Haiti, Antigua etc. sind am Werk festgehalten. Das zweite Werk (nr. 2372) ist genauer, exakter. Hier zeigt der Künstler einen wesentlich größeren Aktionsradius und Wirkungskreis der beiden Wirbelstürme. Die Rotation erfolgt in feinen Nuancen über die gesamte Leinwand und zeiht den Betrachter fast magisch in das Gemälde über die Wirbelstürme. Seebauer greift immer wieder Umweltthemen wie den Klimawandel auf und verarbeitet sie in unzähligen eindrucksvollen und einzigartigen Kunstwerken. Seebauer malt nahezu ausschließlich Öl auf Leinwand. Diese beiden Werke jedoch nutzen Acrylfarben. Hinweis: Die Überschrift „Ölgemälde sollte korrigiert werden“. Bildbesprechung von Reiner Höhenleitner. Im Folgenden übersetzt:

Expressionism / Oil Painting: Hurricanes Irma

Whether hurricanes Irma, Sandy or hurricanes Katrina: The names of the worst hurricanes between the years 2000 and 2017 remain a fixed term. It is all the more astonishing that contemporary art hardly pays any attention to this topic. The “Hurricane Irma Painting” brings it in 2018 therefore in search engines such as Google in first place and should therefore currently be the most famous work on this. Christian Seebauer has already made a name for himself internationally with other environmental and socially critical works and oil paintings. Storm-low Irma brings him in the two impressive large formats of 150 cm x 120 cm and 100 cm x 80 cm with acrylic paints on canvas. Irma exists twice on canvas, and yet there are two completely different works created from the theme of hurricanes Irma. Hurricane Irma (# 2371) is the smaller of the two environmentally critical paintings. It captivates only by its tremendous dynamism and its extreme luminosity. The artist not only puts Irma in the limelight, but also the following Hurricane Jose. Completely unusual and yet already consciously or unconsciously is the completely new kind of representation, which separates Seebauer again and again from other artists. While he probably portrays war paintings as the first artist in the typical green night-vision optics, giving them a special drama and uniqueness, he makes the Irma paintings look like a physical radar image: red and orange mark the places with the highest movement and wind force. Lower wind strengths (and movements) tiled from orange over yellow into a bright green, which seems to dissolve into a pleasing turquoise blue at the outer edges. In the middle of the two hurricanes, the eye remains unprocessed in this turquoise blue. This creates an almost spooky scenery with an insane momentum. With seemingly random paint splashes hurricanes Irma seems to be attacking like an octopus. Florida could be on the top left of the picture. However, it is up to the viewer what he can see here. In any case, on the upper left corner, the storm front appears to be damming off the coast to rage with compressed energy. The splashes of color on the dark blue ocean could indicate the Caribbean islands, or the wind speeds above the Caribbean islands. But even here, the artist remains vague and so the viewer may focus on the essentials: The fateful color game of hurricane Irma and hurricane Jose. If you take a closer look, the larger of the two artworks reveals that it is geographically also the Caribbean and Florida. As with a radar map prepared for television, the outline of the islands of Jamaica, Cuba and the outline of Florida are clearly defined. Even smaller islands like the Bahamas, Haiti, Antigua etc. are recorded at the factory. The second work (No. 2372) is more accurate, more exact. Here the artist shows a much larger radius of action and sphere of activity of the two cyclones. The rotation takes place in fine nuances over the entire canvas and draws the viewer almost magically into the painting on the cyclones. Seebauer keeps taking up environmental issues such as climate change and processing them in countless impressive and unique works of art. Seebauer almost exclusively paints oil on canvas. These two works, however, use acrylic paints. Note: The heading “Oil painting should be corrected”. Picture discussion by Reiner Höhenleitner.

Expressionnisme / Peinture à l’huile: Hurricanes Irma

Que les ouragans Irma, Sandy ou les ouragans Katrina: Les noms des pires ouragans entre les années 2000 et 2017 restent un terme ferme. Il est d’autant plus étonnant que l’art contemporain ne prête guère attention à ce sujet. Le “Hurricane Irma Painting” l’amène en 2018 donc dans les moteurs de recherche comme Google en première place et devrait donc être actuellement le travail le plus célèbre à ce sujet. Christian Seebauer s’est déjà fait un nom à l’échelle internationale avec d’autres œuvres environnementales et critiques sur le plan social et des peintures à l’huile. Storm-low Irma l’amène dans les deux grands formats impressionnants de 150 cm x 120 cm et 100 cm x 80 cm avec des peintures acryliques sur toile. Irma existe deux fois sur la toile, et pourtant il y a deux œuvres complètement différentes créées à partir du thème des ouragans Irma. L’ouragan Irma (# 2371) est la plus petite des deux peintures critiques pour l’environnement. Il ne captive que par son formidable dynamisme et sa luminosité extrême. L’artiste met non seulement Irma sous les projecteurs, mais aussi l’ouragan Jose suivant. Complètement inhabituel et pourtant déjà consciemment ou inconsciemment est le genre complètement nouveau de représentation, qui sépare Seebauer encore et encore d’autres artistes. Alors qu’il montre probablement des images de la guerre à travers le monde comme le premier artiste dans l’optique de vision verte typique de nuit et leur donne ainsi un drame spécial et unique, il peut ressembler à une image radar physique peintures Irma: rouge et orange indiquent les lieux avec le plus grand mouvement et la force du vent. Des forces (et des mouvements) du vent plus faibles ont été carrelées de l’orange au jaune en un vert vif, qui semble se dissoudre en un bleu turquoise agréable sur les bords extérieurs. Au milieu des deux ouragans, l’oeil reste non traité dans ce bleu turquoise. Cela crée un paysage presque effrayant avec un élan fou. Avec des éclaboussures de couleurs apparemment aléatoires, les ouragans Irma se débattent comme une pieuvre. La Floride pourrait être en haut à gauche de l’image. Cependant, il appartient au spectateur de voir ce qu’il peut voir ici. En tout cas, dans le coin supérieur gauche, le front de la tempête semble être en train d’endiguer la côte pour faire rage avec de l’énergie compressée. Les éclaboussures de couleur sur l’océan bleu foncé pourraient indiquer les îles des Caraïbes, ou les vitesses du vent au-dessus des îles des Caraïbes. Mais même ici, l’artiste reste vague et donc le spectateur peut se concentrer sur l’essentiel: Le jeu de couleur fatidique de l’ouragan Irma et l’ouragan Jose. Si vous regardez de plus près, la plus grande des deux œuvres révèle que c’est géographiquement aussi les Caraïbes et la Floride. Comme pour une carte radar préparée pour la télévision, les contours des îles de la Jamaïque, de Cuba et les contours de la Floride sont clairement définis. Même les plus petites îles comme les Bahamas, Haïti, Antigua etc. sont enregistrées à l’usine. Le second travail (n ° 2372) est plus précis, plus exact. Ici, l’artiste montre un rayon d’action beaucoup plus grand et une sphère d’activité des deux cyclones. La rotation se déroule en fines nuances sur toute la toile et attire le spectateur presque magiquement dans la peinture sur les cyclones. Seebauer continue d’aborder des questions environnementales telles que le changement climatique et de les traiter dans d’innombrables œuvres d’art impressionnantes et uniques. Seebauer peint presque exclusivement de l’huile sur toile. Ces deux œuvres, cependant, utilisent des peintures acryliques. Note: La rubrique “Peinture à l’huile doit être corrigée”. Photo de Reiner Höhenleitner.

Espressionismo / Pittura a olio: Hurricanes Irma

Sia uragani Irma, sabbia o l’uragano Katrina: I nomi dei peggiori uragani tra il 2000 e il 2017 rimangono un nome di famiglia. È ancora più sorprendente che l’arte contemporanea non presti attenzione a questo argomento. Il “Hurricane Irma Painting” lo porta nel 2018 quindi nei motori di ricerca come Google in primo luogo e dovrebbe quindi essere attualmente il lavoro più famoso su questo. Christian Seebauer si è già fatto un nome a livello internazionale con altre opere ambientali e socialmente critiche e dipinti ad olio. Irma infuriata lo porta nei due imponenti grandi formati di 150 cm x 120 cm e 100 cm x 80 cm con colori acrilici su tela. Irma esiste due volte su tela, eppure ci sono due opere completamente diverse create dal tema degli uragani Irma. Hurricane Irma (# 2371) è il più piccolo dei due dipinti critici dal punto di vista ambientale. Affascina solo per il suo tremendo dinamismo e la sua estrema luminosità. L’artista non mette solo Irma sotto i riflettori, ma anche il seguente uragano Jose. Completamente inusuale e tuttavia già consciamente o inconsciamente è il tipo completamente nuovo di rappresentazione, che separa Seebauer ancora e ancora da altri artisti. Mentre probabilmente egli mostra immagini di guerra in tutto il mondo come il primo artista nel tipico verde visione notturna ottica e dà loro un dramma speciale e unicità quindi, può apparire come un’immagine radar fisica dipinti Irma: rosso ed arancione indicano i luoghi con la più alta forza di movimento e vento. Minori forze del vento (e movimenti) piastrellate dall’arancione sul giallo in un verde brillante, che sembra dissolversi in un piacevole blu turchese ai bordi esterni. Nel mezzo dei due uragani, l’occhio rimane non trattato in questo blu turchese. Questo crea uno scenario quasi sinistro con un impeto folgorante. Con schizzi di vernice apparentemente casuali, Irma sembra attaccare come un polpo. Florida potrebbe essere in alto a sinistra dell’immagine. Tuttavia, spetta allo spettatore ciò che può vedere qui. In ogni caso, nell’angolo in alto a sinistra, il fronte della tempesta sembra essere al largo della costa per imperversare con energia compressa. Gli spruzzi di colore sull’oceano blu scuro potrebbero indicare le isole dei Caraibi, o il vento accelera sopra le isole dei Caraibi. Ma qui l’artista è vago e così lo spettatore può concentrarsi sull’essenziale: il gioco fatidico colori della uragano e l’uragano Irma Jose. Se guardi più da vicino, la più grande delle due opere rivela che è geograficamente anche Caraibi e Florida. Come con una mappa radar preparata per la televisione, il profilo delle isole della Giamaica, di Cuba e il profilo della Florida sono chiaramente definiti. Anche le isole minori come Bahamas, Haiti, Antigua ecc. Sono registrate in fabbrica. Il secondo lavoro (n. 2372) è più preciso, più preciso. Qui l’artista mostra un raggio d’azione molto più ampio e una sfera d’azione dei due cicloni. La rotazione si svolge in sottili sfumature su tutta la tela e attira lo spettatore quasi magicamente nel dipinto sui cicloni. Seebauer continua a occuparsi di questioni ambientali come i cambiamenti climatici e di elaborarle in innumerevoli opere d’arte straordinarie e uniche. Seebauer dipinge quasi esclusivamente olio su tela. Queste due opere, tuttavia, utilizzano vernici acriliche. Nota: l’intestazione “Pittura a olio deve essere corretta”. Immagine di discussione di Reiner Höhenleitner.

Expresionismo / Pintura al óleo: huracanes Irma

Ya sea los huracanes Irma, Sandy o los huracanes Katrina: los nombres de los peores huracanes entre los años 2000 y 2017 siguen siendo un término fijo. Es aún más sorprendente que el arte contemporáneo apenas preste atención a este tema. El “Hurricane Irma Painting” lo trae en 2018, por lo tanto, en los motores de búsqueda como Google en primer lugar y, por lo tanto, debería ser el trabajo más famoso en este momento. Christian Seebauer ya se ha hecho un nombre internacionalmente con otras obras y óleos ambientales y socialmente críticos. Storm-low Irma le trae dos impresionantes formatos grandes de 150 cm x 120 cm y 100 cm x 80 cm con pinturas acrílicas sobre lienzo. Irma existe dos veces en el lienzo, y sin embargo, hay dos obras completamente diferentes creadas a partir del tema de los huracanes Irma. El huracán Irma (# 2371) es la más pequeña de las dos pinturas ambientalmente críticas. Solo cautiva por su tremendo dinamismo y su extrema luminosidad. El artista no solo pone a Irma en el centro de atención, sino también al siguiente huracán José. Completamente inusual y, sin embargo, consciente o inconscientemente, es el tipo completamente nuevo de representación, que separa a Seebauer una y otra vez de otros artistas. Aunque probablemente retrata las pinturas bélicas como el primer artista en la típica óptica verde de visión nocturna, dándoles un drama especial y singularidad, hace que las pinturas Irma parezcan una imagen física de radar: el rojo y el naranja marcan los lugares con mayor movimiento y fuerza del viento. Resistencias (y movimientos) más bajas del viento, desde naranja sobre amarillo hasta un verde brillante, que parece disolverse en un agradable azul turquesa en los bordes exteriores. En el medio de los dos huracanes, el ojo permanece sin procesar en este azul turquesa. Esto crea un escenario casi espeluznante con un ímpetu loco. Con salpicaduras de color aparentemente aleatorias, los huracanes Irma aparentemente se agarran como un pulpo. Florida podría estar en la parte superior izquierda de la imagen. Sin embargo, le corresponde al espectador lo que puede ver aquí. En cualquier caso, en la esquina superior izquierda, el frente de tormenta parece represar la costa para enfurecerse con energía comprimida. Los toques de color en el océano azul oscuro podrían indicar las islas del Caribe o las velocidades del viento sobre las islas del Caribe. Pero incluso aquí, el artista permanece vago y el espectador puede enfocarse en lo esencial: el fatídico juego de colores del huracán Irma y el huracán José. Si miras más de cerca, la más grande de las dos obras de arte revela que geográficamente también es el Caribe y Florida. Al igual que con un mapa de radar preparado para la televisión, el contorno de las islas de Jamaica, Cuba y el contorno de Florida están claramente definidos. Incluso las islas más pequeñas como las Bahamas, Haití, Antigua, etc. se registran en la fábrica. El segundo trabajo (n. ° 2372) es más exacto, más exacto. Aquí el artista muestra un radio de acción mucho más grande y la esfera de actividad de los dos ciclones. La rotación tiene lugar en finos matices sobre todo el lienzo y dibuja al espectador casi mágicamente en la pintura de los ciclones. Seebauer sigue ocupándose de cuestiones medioambientales como el cambio climático y procesándolas en incontables obras de arte únicas e impresionantes. Seebauer pinta casi exclusivamente óleo sobre lienzo. Estas dos obras, sin embargo, usan pinturas acrílicas. Nota: El título “Pintura al óleo debe corregirse”. Cuadro de discusión de Reiner Höhenleitner.

Экспрессионизм / масляная живопись: Ураганы Irma

Ураганы Ирма, Сэнди или ураганы Катрина: Названия худших ураганов между 2000 и 2017 годами остаются фиксированным сроком. Тем более удивительно, что современное искусство вряд ли обращает внимание на эту тему. «Hurricane Irma Painting» приносит его в 2018 году, поэтому в поисковых системах, таких как Google, на первом месте и поэтому должна быть в настоящее время самой известной работой по этому вопросу. Кристиан Сибауэр уже сделал себе имя на международном уровне с другими экологическими и социально критическими работами и масляными рисунками. Storm-low Irma приносит ему два впечатляющих больших формата 150 см х 120 см и 100 см х 80 см с акриловыми красками на холсте. Ирма существует дважды на холсте, и все же есть две совершенно разные работы, созданные из темы ураганов Ирма. Ураган «Ирма» (№ 2371) – это меньшая из двух экологически важных картин. Он очаровывает только своим огромным динамизмом и его чрезвычайной яркостью. Художник не только ставит Ирму в центр внимания, но и следующий ураган Хосе. Совершенно необычный, но уже сознательно или бессознательно – совершенно новый вид представления, который снова и снова отделяет Сибауэра от других художников. Хотя он, вероятно, изображает картины войны как первого художника в типичной зеленой оптике ночного видения, придавая им особую драму и уникальность, он делает картины Ирмы похожими на физическое изображение радара: красный и оранжевый отмечают места с самым высоким движением и силой ветра. Силы нижнего ветра (и движения), выложенные из оранжевого цвета на желтый, ярко-зеленого цвета, который, кажется, растворяется в приятном бирюзовом синем на внешних краях. В середине двух ураганов глаз остается необработанным в этом бирюзовом синем. Это создает почти жуткий пейзаж с безумным импульсом. С кажущейся случайной краской брызги ураганов Ирма, кажется, атакует, как осьминог. Флорида может быть в верхнем левом углу картины. Тем не менее, зритель видит, что он может видеть здесь. В любом случае, в верхнем левом углу, фронт шторма, кажется, замирает от берега, чтобы ярость со сжатой энергией. Брызги цвета на темно-синем океане могут указывать на Карибские острова или скорость ветра над островами Карибского моря. Но даже здесь художник остается неопределенным, поэтому зритель может сосредоточиться на основных вещах: роковая игра цвета урагана Ирма и ураган Хосе. Если вы поближе познакомились, более крупные из двух работ показывают, что это географически также Карибский бассейн и Флорида. Как и в случае радиолокационной карты, подготовленной для телевидения, четко определены контуры островов Ямайка, Куба и наброски Флориды. На фабрике регистрируются даже более мелкие острова, такие как Багамские острова, Гаити, Антигуа и т. Д. Вторая работа (№ 2372) более точна, точнее. Здесь художник показывает гораздо больший радиус действия и сферу деятельности двух циклонов. Вращение происходит в тонких нюансах по всему холсту и привлекает зрителя почти волшебным образом к картине на циклонах. Seebauer продолжает заниматься экологическими проблемами, такими как изменение климата, и обрабатывать их в бесчисленных впечатляющих и уникальных произведениях искусства. Сибауэр почти исключительно рисует масло на холсте. Однако эти две работы используют акриловые краски. Примечание: заголовок «Масляная живопись следует исправить». Обсуждение изображения Райнера Хёенлейтнера. Liste der schlimmsten Hurrikans ab 2000 Hurrikan Charley 2004, Kuba, USA Hurrikan Frances 2004, Bahamas, USA Hurrikan Ivan 2004, Grenada, Jamaica, Kuba, USA Hurrikan Jeanne 2004, Haiti, USA Hurrikan Dennis 2005, Kuba, USA Hurrikan Katrina 2005, USA Hurrikan Rita 2005, Kuba, USA Hurrikan Stan 2005, Mittelamerika Hurrikan Vince 2005, Azoren, Kanaren, Spanien Hurrikan Wilma 2005, Mexiko, USA Hurrikan Dean 2007, Mexiko, Belize, Karibik Hurrikan Felix 2007, Nicaragua, Honduras Hurrikan Ike 2008, Kuba, USA Hurrikan Irene 2011, USA Hurrikan Sandy 2012, Karibik, USA Hurrikan Matthew 2016, Kolumbien, USA Hurrikan Irma 2017, Karibik, USA, Quelle https://de.wikipedia.org/wiki/Hurrikan

Original Oil Painting: Original-Image-URL highres: http://www.seebauers-world.com/wallpaper/irma2.jpg

Irma is not a normal hurricane. Irma is a monster storm. The diameter is more than 700 kilometers. Its peak speed is almost 300 km / h. And its destructive power is inhuman. While some still deny climate change, reality now affects innocent people. When we finally act?

Expressionismus/ Ölgemälde: Hurrikane Irma

Egal ob Hurrikane Irma, Sandy oder Hurrikane Katrina: Die Namen der schlimmsten Wirbelstürme zwischen den Jahren 2000 und 2017 bleiben ein fester Begriff. Umso erstaunlicher ist es, dass sich die zeitgenössische Kunst mit diesem Thema kaum nennenswert auseinander setzt. Das „Hurrikan Irma Painting“ bringt es 2018 deshalb in Suchmaschinen wie Google auf Platz 1 und dürfte damit aktuell das bekannteste Werk hierzu sein. Christian Seebauer hat sich bereits mit anderen Umwelt- und sozialkritischen Werken und Ölgemälden international einen Namen gemacht. Sturmtief Irma bringt er in den beiden eindrucksvollen Großformaten von 150 cm x 120 cm und 100 cm x 80 cm mit Acrylfarben auf Leinwand. Irma gibt es also auf Leinwand zweimal und doch sind es zwei völlig unterschiedliche Werke, die aus dem Thema Hurrikane Irma entstanden sind. Hurricane Irma (Nr. 2371) ist das kleinere der beiden umweltkritischen Gemälde. Es besticht allein durch seine ungeheure Dynamik und seine extreme Leuchtkraft. Der Künstler setzt dabei nicht nur Irma in Szene, sondern auch gleich noch den nachfolgenden Hurricane Jose. Vollkommen ungewöhnlich und doch schon bewusst oder unbewusst gesehen ist die vollkommen neuartige Art der Darstellung, die Seebauer immer wieder von anderen Künstlern abgrenzt. Während er Kriegsbilder wohl weltweit als erster Künstler in der typisch grünen Nachtsichtoptik zeigt und ihnen dadurch eine besondere Dramatik und Einzigartigkeit verleiht, lässt er die Irma-Gemälde wie ein physikalisches Radarbild aussehen: Rot und Orange kennzeichnen die Stellen mit der höchsten Bewegung und Windstärke. Geringere Windstärken (und Bewegungen) fliesen von Orange über gelb bis hinein in ein helles Grün, welches sich an den äußeren Rändern in ein gefälliges Türkisblau aufzulösen scheint. In der Mitte der beiden Hurrikans bleibt das Auge in diesem Türkisblau unbearbeitet. Dadurch entsteht eine fast gespenstische Szenerie mit einer irrsinnigen Eigendynamik. Mit scheinbar zufälligen Farbspritzern greift Hurrikane Irma scheinbar wie eine Krake weit um sich. Links oben im Bild könnte Florida sein. Es bleibt jedoch dem Betrachter überlassen, was er hier zu sehen vermag. Am linken oberen Eck jedenfalls scheint sich die Sturmfront vor der Küste zu stauen, um dort mit komprimierter Energie zu wüten. Die Farbspritze am dunkelblauen Ozean könnten die karibischen Inseln andeuten, oder die Windgeschwindigkeiten oberhalb der karibischen Inseln. Aber auch hier bleibt der Künstler vage und so darf der Betrachter sich auf das Wesentliche konzentrieren: Das verhängnisvolle Farbspiel des Hurrikans Irma und des Hurrikans Jose. Das größere der beiden Kunstwerke verrät dann bei genauerem Hinsehen, dass es sich tatsächlich auch geografisch um die Karibik und Florida handelt. Wie bei einer für das Fernsehen aufbereiteten Radarkarte sind Umrisse der Inseln Jamaika, Kuba sowie der Umriss Floridas klar ausgeführt. Auch kleinere Inseln wie die Bahamas, Haiti, Antigua etc. sind am Werk festgehalten. Das zweite Werk (nr. 2372) ist genauer, exakter. Hier zeigt der Künstler einen wesentlich größeren Aktionsradius und Wirkungskreis der beiden Wirbelstürme. Die Rotation erfolgt in feinen Nuancen über die gesamte Leinwand und zeiht den Betrachter fast magisch in das Gemälde über die Wirbelstürme. Seebauer greift immer wieder Umweltthemen wie den Klimawandel auf und verarbeitet sie in unzähligen eindrucksvollen und einzigartigen Kunstwerken. Seebauer malt nahezu ausschließlich Öl auf Leinwand. Diese beiden Werke jedoch nutzen Acrylfarben. Hinweis: Die Überschrift „Ölgemälde sollte korrigiert werden“. Bildbesprechung von Reiner Höhenleitner. Im Folgenden übersetzt:

Expressionism / Oil Painting: Hurricanes Irma

Whether hurricanes Irma, Sandy or hurricanes Katrina: The names of the worst hurricanes between the years 2000 and 2017 remain a fixed term. It is all the more astonishing that contemporary art hardly pays any attention to this topic. The “Hurricane Irma Painting” brings it in 2018 therefore in search engines such as Google in first place and should therefore currently be the most famous work on this. Christian Seebauer has already made a name for himself internationally with other environmental and socially critical works and oil paintings. Storm-low Irma brings him in the two impressive large formats of 150 cm x 120 cm and 100 cm x 80 cm with acrylic paints on canvas. Irma exists twice on canvas, and yet there are two completely different works created from the theme of hurricanes Irma. Hurricane Irma (# 2371) is the smaller of the two environmentally critical paintings. It captivates only by its tremendous dynamism and its extreme luminosity. The artist not only puts Irma in the limelight, but also the following Hurricane Jose. Completely unusual and yet already consciously or unconsciously is the completely new kind of representation, which separates Seebauer again and again from other artists. While he probably portrays war paintings as the first artist in the typical green night-vision optics, giving them a special drama and uniqueness, he makes the Irma paintings look like a physical radar image: red and orange mark the places with the highest movement and wind force. Lower wind strengths (and movements) tiled from orange over yellow into a bright green, which seems to dissolve into a pleasing turquoise blue at the outer edges. In the middle of the two hurricanes, the eye remains unprocessed in this turquoise blue. This creates an almost spooky scenery with an insane momentum. With seemingly random paint splashes hurricanes Irma seems to be attacking like an octopus. Florida could be on the top left of the picture. However, it is up to the viewer what he can see here. In any case, on the upper left corner, the storm front appears to be damming off the coast to rage with compressed energy. The splashes of color on the dark blue ocean could indicate the Caribbean islands, or the wind speeds above the Caribbean islands. But even here, the artist remains vague and so the viewer may focus on the essentials: The fateful color game of hurricane Irma and hurricane Jose. If you take a closer look, the larger of the two artworks reveals that it is geographically also the Caribbean and Florida. As with a radar map prepared for television, the outline of the islands of Jamaica, Cuba and the outline of Florida are clearly defined. Even smaller islands like the Bahamas, Haiti, Antigua etc. are recorded at the factory. The second work (No. 2372) is more accurate, more exact. Here the artist shows a much larger radius of action and sphere of activity of the two cyclones. The rotation takes place in fine nuances over the entire canvas and draws the viewer almost magically into the painting on the cyclones. Seebauer keeps taking up environmental issues such as climate change and processing them in countless impressive and unique works of art. Seebauer almost exclusively paints oil on canvas. These two works, however, use acrylic paints. Note: The heading “Oil painting should be corrected”. Picture discussion by Reiner Höhenleitner.

Expressionnisme / Peinture à l’huile: Hurricanes Irma

Que les ouragans Irma, Sandy ou les ouragans Katrina: Les noms des pires ouragans entre les années 2000 et 2017 restent un terme ferme. Il est d’autant plus étonnant que l’art contemporain ne prête guère attention à ce sujet. Le “Hurricane Irma Painting” l’amène en 2018 donc dans les moteurs de recherche comme Google en première place et devrait donc être actuellement le travail le plus célèbre à ce sujet. Christian Seebauer s’est déjà fait un nom à l’échelle internationale avec d’autres œuvres environnementales et critiques sur le plan social et des peintures à l’huile. Storm-low Irma l’amène dans les deux grands formats impressionnants de 150 cm x 120 cm et 100 cm x 80 cm avec des peintures acryliques sur toile. Irma existe deux fois sur la toile, et pourtant il y a deux œuvres complètement différentes créées à partir du thème des ouragans Irma. L’ouragan Irma (# 2371) est la plus petite des deux peintures critiques pour l’environnement. Il ne captive que par son formidable dynamisme et sa luminosité extrême. L’artiste met non seulement Irma sous les projecteurs, mais aussi l’ouragan Jose suivant. Complètement inhabituel et pourtant déjà consciemment ou inconsciemment est le genre complètement nouveau de représentation, qui sépare Seebauer encore et encore d’autres artistes. Alors qu’il montre probablement des images de la guerre à travers le monde comme le premier artiste dans l’optique de vision verte typique de nuit et leur donne ainsi un drame spécial et unique, il peut ressembler à une image radar physique peintures Irma: rouge et orange indiquent les lieux avec le plus grand mouvement et la force du vent. Des forces (et des mouvements) du vent plus faibles ont été carrelées de l’orange au jaune en un vert vif, qui semble se dissoudre en un bleu turquoise agréable sur les bords extérieurs. Au milieu des deux ouragans, l’oeil reste non traité dans ce bleu turquoise. Cela crée un paysage presque effrayant avec un élan fou. Avec des éclaboussures de couleurs apparemment aléatoires, les ouragans Irma se débattent comme une pieuvre. La Floride pourrait être en haut à gauche de l’image. Cependant, il appartient au spectateur de voir ce qu’il peut voir ici. En tout cas, dans le coin supérieur gauche, le front de la tempête semble être en train d’endiguer la côte pour faire rage avec de l’énergie compressée. Les éclaboussures de couleur sur l’océan bleu foncé pourraient indiquer les îles des Caraïbes, ou les vitesses du vent au-dessus des îles des Caraïbes. Mais même ici, l’artiste reste vague et donc le spectateur peut se concentrer sur l’essentiel: Le jeu de couleur fatidique de l’ouragan Irma et l’ouragan Jose. Si vous regardez de plus près, la plus grande des deux œuvres révèle que c’est géographiquement aussi les Caraïbes et la Floride. Comme pour une carte radar préparée pour la télévision, les contours des îles de la Jamaïque, de Cuba et les contours de la Floride sont clairement définis. Même les plus petites îles comme les Bahamas, Haïti, Antigua etc. sont enregistrées à l’usine. Le second travail (n ° 2372) est plus précis, plus exact. Ici, l’artiste montre un rayon d’action beaucoup plus grand et une sphère d’activité des deux cyclones. La rotation se déroule en fines nuances sur toute la toile et attire le spectateur presque magiquement dans la peinture sur les cyclones. Seebauer continue d’aborder des questions environnementales telles que le changement climatique et de les traiter dans d’innombrables œuvres d’art impressionnantes et uniques. Seebauer peint presque exclusivement de l’huile sur toile. Ces deux œuvres, cependant, utilisent des peintures acryliques. Note: La rubrique “Peinture à l’huile doit être corrigée”. Photo de Reiner Höhenleitner.

Espressionismo / Pittura a olio: Hurricanes Irma

Sia uragani Irma, sabbia o l’uragano Katrina: I nomi dei peggiori uragani tra il 2000 e il 2017 rimangono un nome di famiglia. È ancora più sorprendente che l’arte contemporanea non presti attenzione a questo argomento. Il “Hurricane Irma Painting” lo porta nel 2018 quindi nei motori di ricerca come Google in primo luogo e dovrebbe quindi essere attualmente il lavoro più famoso su questo. Christian Seebauer si è già fatto un nome a livello internazionale con altre opere ambientali e socialmente critiche e dipinti ad olio. Irma infuriata lo porta nei due imponenti grandi formati di 150 cm x 120 cm e 100 cm x 80 cm con colori acrilici su tela. Irma esiste due volte su tela, eppure ci sono due opere completamente diverse create dal tema degli uragani Irma. Hurricane Irma (# 2371) è il più piccolo dei due dipinti critici dal punto di vista ambientale. Affascina solo per il suo tremendo dinamismo e la sua estrema luminosità. L’artista non mette solo Irma sotto i riflettori, ma anche il seguente uragano Jose. Completamente inusuale e tuttavia già consciamente o inconsciamente è il tipo completamente nuovo di rappresentazione, che separa Seebauer ancora e ancora da altri artisti. Mentre probabilmente egli mostra immagini di guerra in tutto il mondo come il primo artista nel tipico verde visione notturna ottica e dà loro un dramma speciale e unicità quindi, può apparire come un’immagine radar fisica dipinti Irma: rosso ed arancione indicano i luoghi con la più alta forza di movimento e vento. Minori forze del vento (e movimenti) piastrellate dall’arancione sul giallo in un verde brillante, che sembra dissolversi in un piacevole blu turchese ai bordi esterni. Nel mezzo dei due uragani, l’occhio rimane non trattato in questo blu turchese. Questo crea uno scenario quasi sinistro con un impeto folgorante. Con schizzi di vernice apparentemente casuali, Irma sembra attaccare come un polpo. Florida potrebbe essere in alto a sinistra dell’immagine. Tuttavia, spetta allo spettatore ciò che può vedere qui. In ogni caso, nell’angolo in alto a sinistra, il fronte della tempesta sembra essere al largo della costa per imperversare con energia compressa. Gli spruzzi di colore sull’oceano blu scuro potrebbero indicare le isole dei Caraibi, o il vento accelera sopra le isole dei Caraibi. Ma qui l’artista è vago e così lo spettatore può concentrarsi sull’essenziale: il gioco fatidico colori della uragano e l’uragano Irma Jose. Se guardi più da vicino, la più grande delle due opere rivela che è geograficamente anche Caraibi e Florida. Come con una mappa radar preparata per la televisione, il profilo delle isole della Giamaica, di Cuba e il profilo della Florida sono chiaramente definiti. Anche le isole minori come Bahamas, Haiti, Antigua ecc. Sono registrate in fabbrica. Il secondo lavoro (n. 2372) è più preciso, più preciso. Qui l’artista mostra un raggio d’azione molto più ampio e una sfera d’azione dei due cicloni. La rotazione si svolge in sottili sfumature su tutta la tela e attira lo spettatore quasi magicamente nel dipinto sui cicloni. Seebauer continua a occuparsi di questioni ambientali come i cambiamenti climatici e di elaborarle in innumerevoli opere d’arte straordinarie e uniche. Seebauer dipinge quasi esclusivamente olio su tela. Queste due opere, tuttavia, utilizzano vernici acriliche. Nota: l’intestazione “Pittura a olio deve essere corretta”. Immagine di discussione di Reiner Höhenleitner.

Expresionismo / Pintura al óleo: huracanes Irma

Ya sea los huracanes Irma, Sandy o los huracanes Katrina: los nombres de los peores huracanes entre los años 2000 y 2017 siguen siendo un término fijo. Es aún más sorprendente que el arte contemporáneo apenas preste atención a este tema. El “Hurricane Irma Painting” lo trae en 2018, por lo tanto, en los motores de búsqueda como Google en primer lugar y, por lo tanto, debería ser el trabajo más famoso en este momento. Christian Seebauer ya se ha hecho un nombre internacionalmente con otras obras y óleos ambientales y socialmente críticos. Storm-low Irma le trae dos impresionantes formatos grandes de 150 cm x 120 cm y 100 cm x 80 cm con pinturas acrílicas sobre lienzo. Irma existe dos veces en el lienzo, y sin embargo, hay dos obras completamente diferentes creadas a partir del tema de los huracanes Irma. El huracán Irma (# 2371) es la más pequeña de las dos pinturas ambientalmente críticas. Solo cautiva por su tremendo dinamismo y su extrema luminosidad. El artista no solo pone a Irma en el centro de atención, sino también al siguiente huracán José. Completamente inusual y, sin embargo, consciente o inconscientemente, es el tipo completamente nuevo de representación, que separa a Seebauer una y otra vez de otros artistas. Aunque probablemente retrata las pinturas bélicas como el primer artista en la típica óptica verde de visión nocturna, dándoles un drama especial y singularidad, hace que las pinturas Irma parezcan una imagen física de radar: el rojo y el naranja marcan los lugares con mayor movimiento y fuerza del viento. Resistencias (y movimientos) más bajas del viento, desde naranja sobre amarillo hasta un verde brillante, que parece disolverse en un agradable azul turquesa en los bordes exteriores. En el medio de los dos huracanes, el ojo permanece sin procesar en este azul turquesa. Esto crea un escenario casi espeluznante con un ímpetu loco. Con salpicaduras de color aparentemente aleatorias, los huracanes Irma aparentemente se agarran como un pulpo. Florida podría estar en la parte superior izquierda de la imagen. Sin embargo, le corresponde al espectador lo que puede ver aquí. En cualquier caso, en la esquina superior izquierda, el frente de tormenta parece represar la costa para enfurecerse con energía comprimida. Los toques de color en el océano azul oscuro podrían indicar las islas del Caribe o las velocidades del viento sobre las islas del Caribe. Pero incluso aquí, el artista permanece vago y el espectador puede enfocarse en lo esencial: el fatídico juego de colores del huracán Irma y el huracán José. Si miras más de cerca, la más grande de las dos obras de arte revela que geográficamente también es el Caribe y Florida. Al igual que con un mapa de radar preparado para la televisión, el contorno de las islas de Jamaica, Cuba y el contorno de Florida están claramente definidos. Incluso las islas más pequeñas como las Bahamas, Haití, Antigua, etc. se registran en la fábrica. El segundo trabajo (n. ° 2372) es más exacto, más exacto. Aquí el artista muestra un radio de acción mucho más grande y la esfera de actividad de los dos ciclones. La rotación tiene lugar en finos matices sobre todo el lienzo y dibuja al espectador casi mágicamente en la pintura de los ciclones. Seebauer sigue ocupándose de cuestiones medioambientales como el cambio climático y procesándolas en incontables obras de arte únicas e impresionantes. Seebauer pinta casi exclusivamente óleo sobre lienzo. Estas dos obras, sin embargo, usan pinturas acrílicas. Nota: El título “Pintura al óleo debe corregirse”. Cuadro de discusión de Reiner Höhenleitner.

Экспрессионизм / масляная живопись: Ураганы Irma

Ураганы Ирма, Сэнди или ураганы Катрина: Названия худших ураганов между 2000 и 2017 годами остаются фиксированным сроком. Тем более удивительно, что современное искусство вряд ли обращает внимание на эту тему. «Hurricane Irma Painting» приносит его в 2018 году, поэтому в поисковых системах, таких как Google, на первом месте и поэтому должна быть в настоящее время самой известной работой по этому вопросу. Кристиан Сибауэр уже сделал себе имя на международном уровне с другими экологическими и социально критическими работами и масляными рисунками. Storm-low Irma приносит ему два впечатляющих больших формата 150 см х 120 см и 100 см х 80 см с акриловыми красками на холсте. Ирма существует дважды на холсте, и все же есть две совершенно разные работы, созданные из темы ураганов Ирма. Ураган «Ирма» (№ 2371) – это меньшая из двух экологически важных картин. Он очаровывает только своим огромным динамизмом и его чрезвычайной яркостью. Художник не только ставит Ирму в центр внимания, но и следующий ураган Хосе. Совершенно необычный, но уже сознательно или бессознательно – совершенно новый вид представления, который снова и снова отделяет Сибауэра от других художников. Хотя он, вероятно, изображает картины войны как первого художника в типичной зеленой оптике ночного видения, придавая им особую драму и уникальность, он делает картины Ирмы похожими на физическое изображение радара: красный и оранжевый отмечают места с самым высоким движением и силой ветра. Силы нижнего ветра (и движения), выложенные из оранжевого цвета на желтый, ярко-зеленого цвета, который, кажется, растворяется в приятном бирюзовом синем на внешних краях. В середине двух ураганов глаз остается необработанным в этом бирюзовом синем. Это создает почти жуткий пейзаж с безумным импульсом. С кажущейся случайной краской брызги ураганов Ирма, кажется, атакует, как осьминог. Флорида может быть в верхнем левом углу картины. Тем не менее, зритель видит, что он может видеть здесь. В любом случае, в верхнем левом углу, фронт шторма, кажется, замирает от берега, чтобы ярость со сжатой энергией. Брызги цвета на темно-синем океане могут указывать на Карибские острова или скорость ветра над островами Карибского моря. Но даже здесь художник остается неопределенным, поэтому зритель может сосредоточиться на основных вещах: роковая игра цвета урагана Ирма и ураган Хосе. Если вы поближе познакомились, более крупные из двух работ показывают, что это географически также Карибский бассейн и Флорида. Как и в случае радиолокационной карты, подготовленной для телевидения, четко определены контуры островов Ямайка, Куба и наброски Флориды. На фабрике регистрируются даже более мелкие острова, такие как Багамские острова, Гаити, Антигуа и т. Д. Вторая работа (№ 2372) более точна, точнее. Здесь художник показывает гораздо больший радиус действия и сферу деятельности двух циклонов. Вращение происходит в тонких нюансах по всему холсту и привлекает зрителя почти волшебным образом к картине на циклонах. Seebauer продолжает заниматься экологическими проблемами, такими как изменение климата, и обрабатывать их в бесчисленных впечатляющих и уникальных произведениях искусства. Сибауэр почти исключительно рисует масло на холсте. Однако эти две работы используют акриловые краски. Примечание: заголовок «Масляная живопись следует исправить». Обсуждение изображения Райнера Хёенлейтнера.

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As a hiker you are only a small point in the infinite expanse of the desert. With the headlamp on his head, it is still going on in the dark. Along the mountains. In the middle of picturesque Wadi. And suddenly she goes to the sun. For a brief moment she dives the Negev desert into a pink, delicate light. The sky itself is still stockfinster. If you see the first sunrays on your skin, you know you have to paint one day!

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On my long hike through the Negev desert I once stood on Mount Hod Akev. From this mountain one looks out into the distance of the desert. There is nothing here but peaceful silence and solitude. Far down in the valley you can see the Israel National Trail. To stand and dream here is a privilege. It was one of my most beautiful moments in the Holy Land. And now I paint this on canvas.

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The movement of horses fascinates me. Free. Powerful. Graceful. I just wanted to get the whole thing on canvas. With wax crayons. Oil paints. And fire. I hope you enjoy it!

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Machu Picchu was rediscovered in deep sleep after more than 300 years. Leaving. Mystical. Unique. As an artist, I see this place with my own eyes. It is a place with a very special charisma. Today I would like to paint Machu Picchu only with my fingers. With oilcolours. I only needed a single brush: For my signature. The painting with fingers has for me something gant spiritual in itself. You get a reference to the picture.

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My daughter Selina is 12. And so she paints di bombings of Paris. When Papa I am speechless.

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The bombings in Paris in November 2015 let us all back stunned. But we are moving closer together. And we show solidarity. My pain I paint on canvas. The picture shows Paris at night. And it shows a Schauplatzdes terror: Bataclan. It shows how people running for their lives. And it shows others who have lost their lives.

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For many refugees the long road begins in Eritrea. They leave their homes. Out of sheer fear. And they dream of a better life. For their children. On my picture I accompany as a painter in thought a mom, a dad, and the little child. The child carries his few things themselves. It’s about people. And it’s about humanity. These people have nothing. Besides the courage to begin a new life. Let’s talk. Let us listen to all opinions. Even negative opinions. Also fears and worries. Let us understand the issue. I Paint Therefore

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Thousands crowded into the train. To Europe. We are discussing refugees. We must ask ourselves: Why do they exist? Have we the countries exploited? Destabilisert? Have we done enough? Let us listen to them?

Front page: Der große Zug auf der Titelseite. Heft 1| 2017 Klett Cotta

Die Konfrontation mit geflüchteten Menschen und ihrem erlebten Leid löst selbst in der professionellen Auseinandersetzung oftmals Unsicherheit aus. Die Komplexität und Kontextbezogenheit dieser Form der Menschenrechtsarbeit entzieht sich jeder Manualisierbarkeit…

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Shortly after Arad the desert begins. To hike here is beautiful. But sometimes really hard. On my Israel National Trail I have lost more than 20 kilos. I’ve never felt better. Here I have found myself.

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The Nahal Hava (Hava Valley) is located in Hazinim Nature Reserve. Left and right: rocks. In front of me the Israel Trail. Among my feet colorful stones and the colored sands of the Negev desert.

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Just before sunrise I am already at the summit of Mount Karbolet. Below me, the Negev desert is spreading. An amazing view. And one of the best moments on Israel Trail.

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Vastness. Here the Negev desert begins.

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To stand once in a lifetime here is a privilege. Your pulse races from the climb . Below you is one of the largest erosion crater in the world. It is quiet and lonely at the Israel National Trail . And I can not share this breathtaking moment . I’m alone. Today I painted this landscape . On canvas. In oil.

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‘Nahal’ means in Hebrew valley. It leads me today on my Israel Trail through the countryside. In the middle of the Negev desert, I suddenly discover two acacia trees that give me shade. I ‘m walking on the road to Barak canyon, one of the most spectacular places on the long-distance footpath.

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The story continues. And I have to hold her on canvas. But who is the unbeliever here? And which god is watching here? הכופר: הסיפור ממשיך.ויש לי לצייר אותו. אבל מי הוא הכופר כאן? ומה שנראה אלוהים כאן? I can only paint: There is no God who allows this! This oil painting depicts an execution of an innocent by the Islamic State. It’s the last seconds. These are the last breaths. And it is an outcry to all: Get up and do not let this happen!

Ölgemälde: Hinrichtung durch den Islamischen Staat

Dieses Ölgemälde des bekannten sozialkritischen Künstlers Christian Seebauer zeigt in schockierender Art die wohl letzten Sekunden eines Unschuldigen vor der Hinrichtung durch den sogenannten Islamischen Staat. Unweigerlich muss sich der Betrachter fragen, ob man so etwas überhaupt zeigen darf. Ob man so etwas malen darf? Ob man die ungeheure Brutalität der Islamisten mit Ölfarben auf Leinwand bringen darf? Ganz sicher beschreitet der Künstler hier absolutes Neuland. Kein anderer Künstler hat sich bis jetzt getraut, sich dem Thema Islamischer Staat überhaupt anzunehmen. Geschweige denn, eine Hinrichtung an den Pranger zu stellen. Denn dieses Ölgemälde ist alles andere als neutral. Es zeigt auf eine Herz zerreißende Art den Moment der Todesangst. Es verdeutlicht – wie es keine Fotografie so jemals können wird – dass hier der ‘Glaube’ aus dem Ruder gelaufen ist und alles menschliche nicht mehr vorhanden zu sein scheint. Und doch ist das Menschliche da: Es zeigt sich am Gesicht des Opfers, welches in einer ungeheuren Klarheit zum Zentrum des Ölgemäldes wird und quasi über Raum und Zeit steht. Der Künstler fängt diesen Moment des Sterbens in seiner irrsinnigen Brutalität mit einer ebenso unglaublichen Feinfühligkeit ein. Als Betrachter möchte man das Opfer jetzt umarmen, es aus der Szene herausziehen, es retten. Der Unschuldige trägt einen orange farbigen Overall. Das Ölgemälde ist über und über von leidvoll schwunghaften, strudelförmigen Pinselstrichen überlagert. Dadurch entsteht eine tranceartige, fast schon hypnotische Wirkung, die Raum und Zeit für einen Augenblick stehen bleiben lässt. Dennoch wird dem Betrachter die Ausweglosigkeit dieser Szene bewusst. Er fühlt sich hineinversetzt und ist froh, außerhalb des Strudels zu stehen. Der Künstler gibt an, die dynamischen Striche in purer Wut mit seinen Fingern – und nicht mit dem Pinsel – gemalt zu haben. Wäre das Ölgemälde nicht so schrecklich aktuell, würde man es sicher für einen weltbekannten Klassiker eines expressionistischen Meisters halten, der in blanker Verzweiflung diesen Akt zu verarbeiten versucht. Das Werk verherrlicht keine Gewalt, es drückt Ekel und Abscheu vor der blinden Gewalt des sogenannten Islamischen Staates und seiner Schlächter aus. In der Presse stand, dass der Künstler zeitweise unter Polizeischutz stand und Morddrohungen ausgesetzt war. Das Werk erschien in der Zeit, als der französische Bergführer Hervé Gourdel von Dschihadisten ermordet wurde. Der umwelt- und sozialkritische Künstler Christian Seebauer ist selbst als Extremwanderer bekannt und es darf vermutet werden, dass dieses Ereignis sein Werk geprägt hat. Seebauer bringt immer wieder extreme Themen auf Leinwand und zeigt damit, dass er weit mehr kann, als nur schöne Landschaftsmalerei. Dass viele dieser Themen heute in der aktuellen Kunst keinen Eingang finden, ist unverständlich. Kunst, die sich dem IS nicht stellt, ist eine feige Kunst! Islamischer Staat? Vielleicht sollte man so etwas nicht malen, sondern einfach abwarten, bis dieser in der Vergangenheit der Geschichte versinkt. Seebauer hat mit seinem Werk „Der Ungläubige“ ein Werk geschaffen, dass die Menschen noch in Jahrzehnten berühren und schockieren wird. Schon der Titel ist provokativ. Wer dann aber in das Gesicht des sogenannten Ungläubigen blickt, kann gar nicht anders, als tiefstes Mitgefühl zu empfinden. Ein Ölgemälde über Mitgefühl und ein Werk, welches Van Gogh in nichts nachsteht.

Oil Painting: Execution by the Islamic State

This oil painting of the well-known sociocritical artist Christian Seebauer shows in a shocking way the probably last seconds of an innocent person before the execution by the so-called Islamic State. Inevitably, the viewer has to ask himself if such a thing may even be shown. Whether you can paint something like that? Whether one can bring the tremendous brutality of the Islamists with oil paints on canvas? Certainly the artist is breaking new ground here. No other artist has until now dared to take on the subject of the Islamic state in general. Not to mention putting an execution on the pillory. Because this oil painting is anything but neutral. It shows in a heart-rending way the moment of dread. It illustrates – as no photography ever will – that here the ‘faith’ has gotten out of hand and all human beings no longer seem to exist. And yet the human is there: it shows itself on the face of the victim, which in a tremendous clarity becomes the center of the oil painting and stands, as it were, over space and time. The artist captures this moment of dying in his insane brutality with an equally incredible sensitivity. As a viewer you want to hug the victim now, pull it out of the scene, save it. The innocent is wearing an orange colored jumpsuit. The oil painting is superimposed over and over by painfully sweeping, swirl-shaped brushstrokes. This creates a trance-like, almost hypnotic effect that leaves space and time for a moment. Nevertheless, the viewer becomes aware of the hopelessness of this scene. He feels transported inside and is happy to be outside the whirlpool. The artist claims to have painted the dynamic strokes in pure rage with his fingers – and not with the brush. If the oil painting were not so terribly topical, one would surely consider it a world-famous classic of an Expressionist master who tries to process this act in pure desperation. The work does not glorify violence, it expresses disgust and disgust for the blind violence of the so-called Islamic State and its butchers. The press noted that the artist was temporarily under police protection and was subjected to death threats. The work appeared in the time when the French mountain guide Hervé Gourdel  was killed by jihadists. The environmentally and socially critical artist Christian Seebauer himself is known as an extreme walker and it may be assumed that this event has shaped his work. Seebauer brings again and again extreme themes on canvas and shows that he can do much more than beautiful landscape painting. It is incomprehensible that many of these topics are not included in contemporary art today. Art that does not confront IS is a cowardly art! Islamic state? Maybe you should not paint something like that, just wait and see it sink into the past of history. Seebauer has with his work “The Infidel” one Plant created that will touch people in decades and shock. The title is already provocative. But who then looks into the face of the so-called unbeliever, can not help but feel the deepest compassion. An oil painting about compassion and a work that is in no way inferior to Van Gogh.

Peinture à l’huile: exécution par l’État islamique

Cette peinture à l’huile de l’artiste sociocritique bien connu Christian Seebauer montre de façon choquante les dernières secondes probablement d’une personne innocente avant l’exécution par le soi-disant État islamique. Inévitablement, le spectateur doit se demander si une telle chose peut même être montrée. Si vous pouvez peindre quelque chose comme ça? Si l’on peut apporter la brutalité énorme des islamistes avec des peintures à l’huile sur toile? Certes, l’artiste innove ici. Aucun autre artiste n’a jusqu’à présent osé aborder le sujet de l’État islamique en général. Sans parler de mettre une exécution sur le pilori. Parce que cette peinture à l’huile est tout sauf neutre. Cela montre d’une manière déchirante le moment de l’effroi. Il illustre – comme aucune photographie ne le fera jamais – que la «foi» est devenue incontrôlable et que tous les êtres humains ne semblent plus exister. Et pourtant, l’élément humain est là: il se montre sur le visage de la victime, qui dans une clarté énorme devient le centre de la peinture à l’huile et se tient quasi sur l’espace et le temps. L’artiste capture ce moment de la mort dans sa brutalité insensée avec une sensibilité tout aussi incroyable. En tant que spectateur, vous voulez étreindre la victime maintenant, sortez-la de la scène, enregistrez-la. L’innocent porte une combinaison orange. La peinture à l’huile est superposée à plusieurs reprises par des coups de pinceau tourbillonnants et douloureux. Cela crée un effet de transe, presque hypnotique qui laisse un espace et un temps pour un moment. Néanmoins, le spectateur prend conscience du désespoir de cette scène. Il se sent transporté à l’intérieur et est heureux d’être à l’extérieur du bain à remous. L’artiste prétend avoir peint les traits dynamiques en pleine colère avec ses doigts – et non avec le pinceau. Si la peinture à l’huile n’était pas si terriblement d’actualité, on la considérerait sûrement comme un classique mondialement connu d’un maître expressionniste qui tente de traiter cet acte dans un pur désespoir. L’œuvre ne glorifie pas la violence, elle exprime le dégoût et le dégoût de la violence aveugle du soi-disant Etat islamique et de ses bouchers. La presse a noté que l’artiste était temporairement sous la protection de la police et qu’il faisait l’objet de menaces de mort. Le travail est apparu à l’époque où le guide de montagne français Hervé Gourdel  a été tué par des djihadistes. L’artiste écologiquement et socialement critique Christian Seebauer lui-même est connu comme un marcheur extrême et on peut supposer que cet événement a façonné son travail. Seebauer apporte encore et encore des thèmes extrêmes sur toile et montre qu’il peut faire bien plus que de beaux paysages. Il est incompréhensible que beaucoup de ces sujets ne soient pas inclus dans l’art contemporain aujourd’hui. L’art qui ne se confronte pas à l’EI est un art lâche! Etat islamique? Peut-être que tu ne devrais pas peindre quelque chose comme ça, attends juste de le voir s’enfoncer dans le passé de l’histoire. Seebauer a avec son travail “The Infidel” un Plante créée qui va toucher les gens depuis des décennies et choquer. Le titre est déjà provocateur. Mais qui regarde alors le soi-disant non-croyant, ne peut s’empêcher de ressentir la plus profonde compassion. Une peinture à l’huile sur la compassion et un travail qui n’est en rien inférieur à Van Gogh.

Pittura ad olio: esecuzione da parte dello Stato islamico

Questo dipinto a olio del noto artista sociocritico Christian Seebauer mostra in modo scioccante i probabilmente ultimi secondi di una persona innocente prima dell’esecuzione del cosiddetto Stato islamico. Inevitabilmente, lo spettatore deve chiedersi se una cosa del genere possa anche essere mostrata. Se puoi dipingere qualcosa del genere? Se si può portare la tremenda brutalità degli islamisti con colori ad olio su tela? Certamente l’artista sta aprendo nuovi orizzonti qui. Fino ad ora nessun altro artista ha mai osato affrontare il tema dello stato islamico in generale. Per non parlare dell’esecuzione di un’esecuzione nella gogna. Perché questo dipinto ad olio è tutt’altro che neutrale. Mostra in modo straziante il momento del terrore. Illustra – come nessuna fotografia mai – che qui la “fede” è sfuggita di mano e tutti gli esseri umani non sembrano più esistere. Eppure l’umano è lì: si mostra sul volto della vittima, che in una tremenda chiarezza diventa il centro della pittura ad olio e si erge, per così dire, nello spazio e nel tempo. L’artista coglie questo momento di morte nella sua folle brutalità con un’incredibile sensibilità. Come spettatore vuoi abbracciare la vittima ora, tirala fuori dalla scena, salvala. L’innocente indossa una tuta arancione. La pittura ad olio si sovrappone continuamente a pennellate dolorose, a forma di turbinio. Questo crea un effetto simile alla trance, quasi ipnotico, che lascia spazio e tempo per un momento. Tuttavia, lo spettatore diventa consapevole della disperazione di questa scena. Si sente trasportato all’interno ed è felice di essere fuori dal vortice. L’artista sostiene di aver dipinto i tratti dinamici in pura rabbia con le sue dita – e non con il pennello. Se il dipinto a olio non fosse così terribilmente attuale, lo considereremmo sicuramente un classico famoso in tutto il mondo di un maestro espressionista che cerca di elaborare questo atto in pura disperazione. Il lavoro non glorifica la violenza, esprime disgusto e disgusto per la cieca violenza del cosiddetto Stato islamico e dei suoi macellai. La stampa ha notato che l’artista era temporaneamente sotto la protezione della polizia ed era soggetto a minacce di morte. Il lavoro è apparso nel periodo in cui la guida alpina francese Hervé Gourdel  è stato ucciso dai jihadisti. L’artista critico dal punto di vista ambientale e sociale Christian Seebauer stesso è conosciuto come un camminatore estremo e si può presumere che questo evento abbia plasmato il suo lavoro. Seebauer porta ancora e ancora temi estremi su tela e dimostra di poter fare molto di più che una bella pittura di paesaggi. È incomprensibile che molti di questi argomenti non siano oggi inclusi nell’arte contemporanea. L’arte che non affronta IS è un’arte codarda! Stato islamico? Forse non dovresti dipingere qualcosa del genere, aspetta e vedi che affondano nel passato della storia. Seebauer ha con il suo lavoro “The Infidel” Pianta creata che toccherà le persone in decenni e shock. Il titolo è già provocatorio. Ma chi guarda poi in faccia al cosiddetto miscredente, non può fare a meno di provare la più profonda compassione. Un dipinto ad olio sulla compassione e un’opera che non è in alcun modo inferiore a Van Gogh.

Pintura al óleo: ejecución por parte del Estado islámico

Esta pintura al óleo del conocido artista sociocrítico Christian Seebauer muestra de manera sorprendente los últimos segundos de una persona inocente antes de la ejecución por el llamado Estado Islámico. Inevitablemente, el espectador tiene que preguntarse si tal cosa puede mostrarse. Si puedes pintar algo así? Si uno puede traer la tremenda brutalidad de los islamistas con pinturas al óleo sobre lienzo? Ciertamente, el artista está abriendo nuevos caminos aquí. Ningún otro artista hasta ahora se ha atrevido a abordar el tema del estado islámico en general. Sin mencionar poner una ejecución en la picota. Porque esta pintura al óleo no es neutral. Muestra de una manera desgarradora el momento de terror. Ilustra, como nunca lo hará ninguna fotografía, que aquí la “fe” se ha salido de control y que todos los seres humanos ya no parecen existir. Y sin embargo, el elemento humano está ahí: se muestra en la cara de la víctima, que en una tremenda claridad se convierte en el centro de la pintura al óleo y se sitúa casi en el espacio y el tiempo. El artista captura este momento de morir en su brutalidad loca con una sensibilidad igualmente increíble. Como espectador quieres abrazar a la víctima ahora, retírala de la escena, guárdala. El inocente lleva un mono naranja. La pintura al óleo se superpone una y otra vez con pinceladas dolorosas y con forma de remolino. Esto crea un efecto casi hipnótico parecido al trance que deja espacio y tiempo por un momento. Sin embargo, el espectador se da cuenta de la desesperanza de esta escena. Se siente transportado por dentro y está feliz de estar fuera del remolino. El artista afirma haber pintado los trazos dinámicos en pura rabia con los dedos, y no con el pincel. Si la pintura al óleo no fuera tan terriblemente actual, seguramente se la consideraría un clásico mundialmente famoso de un maestro expresionista que trata de procesar este acto en pura desesperación. El trabajo no glorifica la violencia, expresa disgusto y disgusto por la violencia ciega del llamado Estado Islámico y sus carniceros. La prensa notó que el artista estaba temporalmente bajo protección policial y fue objeto de amenazas de muerte. El trabajo apareció en el momento en que el guía de montaña francés Hervé Gourdel  fue asesinado por jihadistas. El artista ambientalmente y socialmente crítico Christian Seebauer es conocido como un caminante extremo y se puede suponer que este evento ha dado forma a su trabajo. Seebauer trae una y otra vez temas extremos en el lienzo y muestra que puede hacer mucho más que bellos paisajes. Es incomprensible que muchos de estos temas no estén incluidos en el arte contemporáneo actual. ¡El arte que no confronta a IS es un arte cobarde! Estado islámico? Tal vez no deberías pintar algo así, solo espera y observa cómo se hunde en el pasado de la historia. Seebauer tiene con su obra “El Infiel” uno Planta creada que tocará a las personas en décadas y shock. El título ya es provocativo. Pero quien luego mira al rostro del supuesto incrédulo, no puede evitar sentir la más profunda compasión. Una pintura al óleo sobre la compasión y un trabajo que de ninguna manera es inferior a Van Gogh.

Картина маслом: исполнение исламским государством

Эта картина маслом известного социокритического художника Кристиана Сибауэра в шокирующей манере показывает, вероятно, последние секунды невинных людей перед казнью так называемого исламского государства. Неизбежно, зритель должен спросить себя, можно ли даже показать это. Сможете ли вы нарисовать что-то подобное? Можно ли принести огромную жестокость исламистов масляными красками на холсте? Конечно, здесь художник открывает новые горизонты. Ни один другой художник еще не осмелился взять на себя исламское государство. Не говоря уже о том, чтобы положить казнь на позор. Потому что эта картина маслом совсем не нейтральна. Он показывает в душераздирающим образом момент страха. Это иллюстрирует – как никогда не будет фотографии – что здесь «вера» вышла из-под контроля, и все люди уже не существуют. И все же существует человеческий элемент: он проявляет себя на лице жертвы, которая в огромной ясности становится центром масляной живописи и стоит квази по пространству и времени. Художник захватывает этот момент смерти в своей безумной жестокости с такой же невероятной чувствительностью. В качестве зрителя вы хотите обнять жертву сейчас, вытащить ее из сцены, сохранить ее. Невинный носит оранжевый комбинезон. Масляная живопись накладывается снова и снова болезненными, вихревыми мазками. Это создает трансоподобный, почти гипнотический эффект, который на мгновение оставляет пространство и время. Тем не менее, зритель осознает безнадежность этой сцены. Он чувствует себя перенесенным внутрь и счастлив быть вне водоворота. Художник утверждает, что своими динамическими штрихами в чистом ярости нарисовал пальцами, а не кистью. Если бы масляная живопись была не так ужасно актуальна, можно было бы считать ее всемирно известной классикой экспрессионистского мастера, который пытается оттолкнуть этот акт в отчаянии. Работа не прославляет насилие, она выражает отвращение и отвращение к слепому насилию так называемого исламского государства и его мясников. Пресса отметила, что художник временно находился под защитой полиции и подвергался угрозам смерти. Работа появилась в то время, когда французский горный гид Эрве Гурдель  был убит джихадистами. Экологически и социально критически настроенный художник Кристиан Сибауэр сам известен как экстремальный ходок, и можно предположить, что это событие сформировало его работу. Сибауэр снова и снова поднимает экстремальные темы на холсте и показывает, что он может сделать гораздо больше, чем красивую пейзажную живопись. Непонятно, что многие из этих тем сегодня не включены в современное искусство. Искусство, которое не противостоит ИС, – это трусливое искусство! Исламское государство? Может быть, вы не должны рисовать что-то подобное, просто подождите и посмотрите, как оно впадает в прошлое истории. У Сибауэра есть работа «Бесконечность» Созданный завод, который поразит людей в течение десятилетий и потрясений. Название уже провокационно. Но кто тогда смотрит в лицо так называемого неверующего, не может не чувствовать глубочайшего сострадания. Картина маслом о сострадании и работе, которая никоим образом не уступает Ван Гогу.

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7 weeks I was there on foot. The Negev desert is a wonderful place to paint. The colors in this immensity are unique. The scenery is breathtaking.

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Bei Mitzpe Ramon, am Rande des Ramon Machtesch Ramon.

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The Mount Karbolet is often described as the hardest of the 50 stages on the Israel Trail. He is beautiful. You go alone for hours on steep rocky ridges along. Below you lies the Negev desert. And the distance.

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The last stage of the Israel National Trail. (If one is started in Kibbutz Dan). I slept in Yehoram Night Camp Night. Outdoors. Shortly before the Eilat Israel Trail runs through the Eilat Mountains. The rocks are intensely red-brown to purple. The road is sandy and white. Here you can dream while hiking. Only a few meters upwards. Then you see the Red Sea.

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The Barak Canyon is one of the most beautiful obstacles on the Israel Trail. Between Barak Night Camp and the Zihor Night Camp wanders through this natural spectacle. Hemmed in by wanders between the tower High vertical rock walls and climbing through one of this river bed. Vertical rope ladders make the canyon to the absolute adventure.

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The Makhtesh Ramon and Ramon Crater is the largest erosion crater in the world. It lies on the Israel National Trail. Very close to the desert town of Mitzpe Ramon enchant eden. Wherever you hinblickt or moves you can experience unique landscape. That what many expect from the Way of St. James, can be found here. After my Israel Trail I often think of these scenes. And she male.

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In the middle of the Negev desert, there are trees. This acacia is on the way from Gev Holit Night Camp by Sapir. The Israel National Trail here offers sensational views. The stones glow red in the evening sun orange. Stay here in the open air is incredibly beautiful.

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The small crater is the size for me right now in Israel! Beautifully. And so unknown that he does not even have a richtgen entry in Wikipedia. (2014-06-07). 1050 km on foot through Israel. A gorgeous country. Much is unknown to us. In that case the media do not. At the Israel National Trail can experience Israel. Just as it really is.

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Nach 32 Tagen zu Fuß durch Israel stehe ich hier vor dem Ramon Maktesh Krater. Einer der beeindruckensten Erosionskrater der Welt. Ein überwältigender Augenblick. Atemberaubend schön. Ich bin ausser Atem vom Anstieg. Und ich bin alleine hier. Ein wenig traurig. Gleich geht es 500 Meter bergab in die Tiefe. Dann geht es zum anderen Ende des Kraters. Und dann die Wände hoch. Mein Wasser muss reichen, sonst wird es lebensgefährlich. Heute ist es Zeit, meine Eindrücke zu malen.

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Man against bull. Cruel. Bloody. Repulsive. As long as there are bullfight, I will paint such scenes on canvas.

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Hier habe ich eine Abendstimmung in Rettenbach am Ortsausgang nach Kollbach eingefangen. Blick Richtung Vierkirchen.

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A fish swarm with thousands of fish. High up circling silently hammerheads. A peaceful and powerful scene from the ocean. I call it “Living Pixels”. The fish make it to behave collectively as one big organism. Researchers have only just begun this common soul. Follow the fish in front of you and hold the speed of the fish next to you. But most of all: live, the community and other help. It is time to learn about our oceans, so that we can protect them and respect them.

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Our plastics are forever lasting. They do not decompose practical.

Plastikmüll/ Mikroplastik in der Kunst

Bisher gibt es weltweit noch kaum einen Künstler, der sich auf bildgebende Art mit dem Thema Plastikmüll auseinandersetzt. Eine Internetrecherche vom 06.09.2017 liefert dazu im Wesentlichen nur zwei Künstler:

• Christian Seebauer (2013: World of Plastic)
• Benjamin Von Wong (2016: MermaidsHatePlastic)

Christian Seebauer setzt sich mit seinem Ölgemälde “World of Plastic” ¹⁾http://www.seebauers-world.com/_world_of_plastic_200.php bereits seit 2013 mit dem Thema Plastikmüll und Mikroplastik auseinander. Der Fotograf Benjamin Von Wong folgt 2016 mit einem vielbeachteten Projekt #MermaidsHatePlastic, in dem er das Thema Plastikmüll formgebend mit lebendigen Modells darstellt und auf Film und Fotografie bannt.   Auf Youtube hat Benjamin Von Wong die Enstehungsgeschichte seines Werkes festgehalten. Auf der Webseite change.org wirbt er damit darum, Plastikflaschen zu recyclen, weil, wie er sagt „Meerjungfrauen Plasik hassen “. ²⁾https://www.reddit.com/r/videos/comments/5ob924/bringing_attention_to_plastic_pollution_with_a/?st=IY0CBRUF&sh=059e649b ³⁾https://www.kreiszeitung.de/laeuft/meerjungfrauen-plastik-gebettet-projekt-botschaft-plastikmuell-verringern-7296612.html

Bildbesprechung

Dunkle Farben, kräftige tiefblaue Pinselstriche – so nähert sich der umweltpolitische Künstler Christian Seebauer dem globalen Thema Plastikmüll und Mikroplastik. Er ist einer der ersten auf dieser Welt, die sich in der Kunst einem solchen Thema verschrieben haben. Und doch muss man schon zweimal hinsehen, um das Schreckliche in der Dynamik des Werkes zu entdecken. Viele Werke Seebauers sind auf den ersten Moment faszinierend schön und offenbaren erst auf den zweiten Blick, dass es hier um die Zerstörung unserer Umwelt geht. Den normalen Betrachter zieht das Werk zunächst auf eine fast hypnotisierende Art in den Bann eines Unterwasserwesens mit dem Tunnel artigen Blick nach oben in Richtung Licht. Dort oben, wo sich alles wie ein kreisender Wirbel aufbaut, erkennt der Betrachter einen fast schwerelos über ihm schwebenden Mantarochen, während er selbst längst eingetaucht ist in die Tiefe des dunklen Ozeans. Nach und nach erschließen sich ihm die dicken, kreisenden Pinselstriche als quicklebendige Materie, als farbenfrohe und lebensbejahende Welt der Fische und Unterwasserwesen. Man muss schon aufpassen, dass es einem bei der atemberaubenden Westwinkelperspektive nicht schwindelig wird. Die Plastikflasche, die ebenfalls schwerelos im Wasser zu gleiten scheint, nimmt zwar das Zentrum des Werkes ein, nicht aber den Schwerpunkt des Betrachters. Sie ist da. Sie stört. Und sie wird von zwei Fischen am rechten Bildrand als Störenfried neugierig beäugt. Dass der schwimmende Plastikmüll hier an eine bekannte Marke erinnern mag, kann für die Verantwortung stehen, die wir alle – insbesondere aber die großen Hersteller – die mit immer umfangreicheren Verpackungen aufwarten, stehen. Längst ist Plastikmüll zu einem mächtigen globalen Umweltproblem herangewachsen. Vielfach unsichtbar, lagert er sich ab in den großen Weltmeeren. Und doch ist er da. Der Künstler bringt das Thema gekonnt und auf den Punkt und setzt die Umweltverschmutzung durch Mikroplastik in Beziehung zu einer friedlich lebendig Umwelt. ⁴⁾Bildbesprechung: Margit von Hohenstein

English Resources:

Definition

Microplastics come from a variety of sources, including from larger plastic debris that degrades into smaller and smaller pieces. In addition, microbeads, a type of microplastic, are very tiny pieces of manufactured polyethylene plastic that are added as exfoliants to health and beauty products, such as some cleansers and toothpastes. These tiny particles easily pass through water filtration systems and end up in the ocean and Great Lakes, posing a potential threat to aquatic life. ⁵⁾https://oceanservice.noaa.gov/facts/microplastics.html

Waste by design

The scale of the issue is massive. One study has estimated that of the 275 million tonnes of plastic waste generated by 192 countries in 2010, 4.8–12.7 million tonnes could have entered the ocean.² That’s a serious amount in just one year. The plastic is of various shapes and sizes and ends up on beaches and in the oceans from many sources: large items such as discarded fishing equipment or items from shipping containers are lost into the sea directly, whereas other discarded items can get washed into the seas from rivers. Similarly, inadequately managed land-based plastic waste from countries with lots of coastline can easily end up in the ocean. ⁶⁾https://eic.rsc.org/feature/the-massive-problem-of-microplastics/2000127.article

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Detail: The eyes of Barack Obama and Edward Snowden 2013-11-08

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08/11/2013: These are the two faces that we see here in Germany every day in the news. Both are American. It’s not about good or evil. The point is that we will regain our values​​! And because I still believe in the good in people, I paint!

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For my new website israel-national-trail.com I needed a background. That’s why I painted the Negev desert. I want to wander on foot. Without money. Get to know people. Hear opinions. Painting pilgrimage us. My life’s dream.

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Here you can sit in a felucca. Sailing means dependence. But only by the wind. From the sun. And from the lovely people that surround you. Such impressions I just have to paint. In this case, in acrylic on canvas.

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The Israel National Trail is my next project. On foot. Without money. The path runs to almost 1,000 kilometers crisscrossing the Holy Land and the Negev desert. I want to prove: Strangers in Israel, help me, even though I’m German (Dachau). ביל ישראל שביל ישראל הוא הפרויקט הבא שלי. ברגל. בלי כסף.השביל רץ לכמעט 1,000 קילומטרים חוצים את ארץ הקודש והנגב. אני רוצה להוכיח: זרים בישראל, יעזרו לי, למרות שאני גרמני (דכאו).

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Infinite horizon. Pink sand. Bluish shade. Wind. Otherwise absolute silence in this enchanting village in Egypt. Now I have painted it.

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Ein Engel erschien mir heut im Schlaf, ob ich ihn wohl malen darf? Er sagte nichts, war einfach da, Gut zu wissen, wunderbar.

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If you exist, then be with us. If you can help, please help. If you can show you. Do not do it. Because I do not want to know, I want to believe.

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… at least theoretically. They exist not only in the Old and New Testament. There are also angels in the Koran. And there are angels in Judaism מלאך. I paint this angel without the cross and without a beard. I think that the angel does not matter. He certainly has other tasks. And maybe even a completely different understanding of our world. Hopefully! الملائكة الاتصال بنا جميع. نظريا على الأقل. وجدت ليس فقط في العهد القديم والجديد. هناك أيضا الملائكة في القرآن الكريم. وهناك الملائكة في اليهودية מלאך. أرسم هذا الملاك دون الصليب وبدون لحية. أعتقد أن الملاك لا يهم. لديه مهام أخرى بالتأكيد. وربما فهم مختلف تماما عن عالمنا. نأمل!

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Some clients wish to bring their company logo on canvas. here it is!

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I sit for a long time dierkt on the Grand Canal. My first sketch I made before the sunset. Now it is dark. It’s amazing empty and quiet in Venice. The architect of the church of Santa Maria della Salute was only 33 years old. Baldassare Longhena. Unknown. Brave. I would like to drink a beer with him today.

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Many tourists have already dropped out. To see the Santa Maria della Salute in Venice. I drive to the next station with the ship. (Vaporetto). So I see the scenery from afar. Two locals see me while painting my sketch.

Leuchtende Santa Maria della Salute/ Rubrik: Bekannte Venedig-Ölgemälde

Leuchtende Gelbtöne, lebhafte Orangetöne und zart fliesende Ölfarben im typischen Stil impressionistischer Meister. So lässt sich dieses bekannte Venedig-Motiv farblich in Kurzform beschreiben. Das Ölgemälde „Leuchtende Santa Maria della Salute“ fängt die Stimmung im abendlichen Licht von Venedig farbgewaltig ein und bringt die Emotionen in leuchtenden Ölfarben imposant auf die, ein Meter breite und achtzig Zentimeter hohe Leinwand. Wie der Titel des Werkes treffend bezeichnet, scheinen die venezianische Votivkirche sowie die gesamte Bebauung tatsächlich in warmen Farben zu leuchten. Obwohl die Santa Maria della Salute in einer hinteren Bildebene gezeigt wird und im unteren Bereich von den venezianischen Häuserfronten überlagert wird, sticht sie als stilles Hauptmotiv klar hervor. Das Ölgemälde zeigt den Ausgang des Canal Grande und die Kirche zu seiner rechten Seite. Die Wasseroberfläche strahlt in hellen, fast fliesenden Farben bis hin zu einem halb-transparenten Apricot. Um den Effekt dieser extremen Leichtigkeit und Helligkeit zu erzielen, hat der Künstler auf schwere und kontrastreiche Spiegelungen im Wasser verzichtet. Lediglich unter den kleinen Gondeln und Booten, die an den Stegen festgemacht sind, spiegeln sich in zarten Hellgelb die Fassaden der alten Steinhäuser im Wasser. Der Betrachter des Venedig-Ölgemäldes steht auf der linken Seite des Canal Grande und blickt zur Santa Maria della Salute (von Baldassare Longhena) und den Ausgang des Hauptkanals hinüber. Auf der Seite des Betrachters (links) sind ein paar Holzpfosten zum Festtauen der Gondeln mit schnellen Pinselstrichen angedeutet. Ebenso angedeutet ist im linken Achtel eine Häuserfront, die einfach nur das Bild nach Links hin stilvoll einzurahmen scheint. Auch hier im Vordergrund verzichtet der Künstler auf all zu große Exaktheit und lässt mehr Form und Farbe auf den Betrachter wirken. Dieses Werk zählt im Internet zu den bekannteren Ölgemälden Venedigs und der Santa Maria della Salute. Zu den bekanntesten Impressionisten, die Venedig gemalt haben, zählen Claude Monet (” Abendstimmung in Venedig”, 1908), Auguste Renoir (“San Marco in Venedig”), Paul Signac, “Canal Grande, Venedig”, 1905. Öl auf Leinwand. Bildbesprechnung Renate Mannheimer, im Folgenden übersetzt.

Luminous Santa Maria della Salute / Category: Well-known Venice oil paintings

Bright yellows, vivid orange tones and delicately flowing oil colors in the typical style of Impressionist masters. Thus, this well-known Venice motif can be described in color in short form. The oil painting “Brilliant Santa Maria della Salute” captures the mood in the evening light of Venice with color and brings the emotions in bright oil colors imposing on the, a meter wide and eighty centimeters high canvas. As the title of the work aptly indicates, the Venetian votive church as well as the entire building actually shine in warm colors. Although the Santa Maria della Salute is shown in a rear picture plane and is overlaid on the lower part by the Venetian house fronts, it stands out clearly as a quiet main motive. The oil painting shows the exit of the Grand Canal and the church on its right side. The water surface shines in bright, almost flowing colors up to a semi-transparent apricot. In order to achieve the effect of this extreme lightness and brightness, the artist has renounced heavy and high-contrast reflections in the water. Only under the small gondolas and boats, which are moored to the jetties, reflect the facades of the old stone houses in the water in soft pale yellow. The viewer of the Venice oil painting stands on the left side of the Grand Canal, overlooking the Santa Maria della Salute (by Baldassare Longhena) and the exit of the main canal. On the side of the viewer (left) a few wooden posts for the thawing of the gondolas with fast brushstrokes are indicated. Also indicated in the left eighth is a house front, which seems to framing the picture to the left in style. Again, in the foreground, the artist renounces too much precision and leaves more form and color to the viewer. This work is one of the better-known oil paintings of Venice and the Santa Maria della Salute on the Internet. Among the best-known Impressionists who painted Venice are Claude Monet (“The Evening in Venice”, 1908), Auguste Renoir (“San Marco in Venice”), Paul Signac, “Grand Canal, Venice”, 1905. Oil on canvas.

Santa Maria della Salute luminosa / Categoria: famosi dipinti ad olio di Venezia

giallo brillante, arance vibranti e delicati colori ad olio che scorre nel tipico stile dei maestri impressionisti. Quindi, questo noto motivo di Venezia può essere descritto a colori in forma abbreviata. Il dipinto ad olio “brillante Santa Maria della Salute” cattura l’umore nella luce della sera di colore di Venezia enormemente e porta le emozioni in vivaci colori ad olio che impongono su un metro di larghezza piedi e mezzo di tela di canapa. Come il titolo del lavoro giustamente, alla Chiesa Votiva di Venezia e l’intero edificio in realtà sembrano brillare con colori caldi. Sebbene il Santa Maria della Salute è mostrato in un piano dell’immagine posteriore e si sovrappone nella zona inferiore delle facciate veneziane, si distingue chiaramente soggetto principale silenziosa. Il dipinto ad olio mostra l’uscita del Canal Grande e la chiesa sul lato destro. La superficie dell’acqua brilla in colori vivaci, quasi fluenti fino ad un’albicocca semitrasparente. Al fine di ottenere l’effetto di estrema leggerezza e luminosità, l’artista ha deciso di non riflessi contrasto pesanti e alti nell’acqua. Solo tra le piccole gondole e barche che sono ormeggiate sulle tele, le facciate delle vecchie case di pietra si riflettono nella luce giallo delicato in acqua. Lo spettatore della pittura ad olio Venezia è sul lato sinistro del Canal Grande e si affaccia sul Santa Maria della Salute (Baldassare Longhena) e l’uscita del canale principale sopra. Sul lato dello spettatore (a sinistra) sono indicati alcuni pali di legno per corde fisse di gondole con pennellate veloci. Nell’ottava sinistra è indicato anche un fronte di casa, che sembra incorniciare solo l’immagine a sinistra in stile. Di nuovo, in primo piano, l’artista rinuncia troppo alla precisione e lascia più spettatore e colore allo spettatore. Questo lavoro è uno dei dipinti ad olio più noti di Venezia e Santa Maria della Salute su Internet. Tra i più famosi impressionisti che hanno dipinto Venezia, tra cui Claude Monet ( “Evening in Venice”, 1908), Auguste Renoir ( “San Marco a Venezia”), Paul Signac, “Canal Grande, Venezia”, 1905. Olio su tela.

Lumineuse Santa Maria della Salute / Catégorie: Peintures Venise connues

Des jaunes vifs, des tons vifs d’orange et des couleurs à l’huile délicatement fluides dans le style typique des maîtres impressionnistes. Ainsi, ce motif de Venise bien connu peut être décrit en couleur sous une forme courte. La peinture à l’huile « lumineuse Santa Maria della Salute » capture l’ambiance à la lumière du soir couleur Venise énormément et apporte les émotions dans les peintures à l’huile dynamique imposant à un mètre de large pieds et demi de toile haute. Comme le titre de l’œuvre l’indique bien, l’église votive vénitienne ainsi que l’ensemble du bâtiment brillent de couleurs chaudes. Bien que la Santa Maria della Salute est montré dans un plan d’image arrière et se superpose dans la partie inférieure des façades vénitiennes, il se distingue par sujet principal clairement silencieux. La peinture à l’huile montre la sortie du Grand Canal et l’église sur son côté droit. La surface de l’eau brille de couleurs vives et presque fluides jusqu’à un abricot semi-transparent. Afin d’obtenir l’effet de légèreté extrême et la luminosité, l’artiste a décidé de ne pas les réflexions de contraste élevé et lourds dans l’eau. Seulement parmi les petits bateaux et les gondoles qui sont amarrés sur les toiles, les façades des vieilles maisons en pierre se reflètent dans la lumière jaune délicat dans l’eau. Le spectateur de peinture à l’huile de Venise est sur le côté gauche du Grand Canal et fait face à la Santa Maria della Salute (Baldassare Longhena) et la sortie du canal principal sur. Du côté du spectateur (à gauche) quelques poteaux en bois pour cordes fixes de gondoles avec des coups de pinceau rapides sont indiqués. Aussi indiqué dans la huitième gauche est une façade de maison, qui semble encadrer juste l’image à gauche dans le style. Encore une fois, au premier plan, l’artiste renonce à trop de précision et laisse plus de formes et de couleurs au spectateur. Cette œuvre est l’une des peintures à l’huile les plus connues de Venise et de Santa Maria della Salute sur Internet. Parmi les plus célèbres Impressionnistes qui peignaient Venise, dont Claude Monet ( “Evening in Venice”, 1908), Auguste Renoir ( “San Marco à Venise”), Paul Signac, “Grand Canal, Venise”, 1905. Huile sur toile.

Luminous Santa Maria della Salute / Categoría: pinturas al óleo de Venecia muy conocidas

Amarillos brillantes, tonos anaranjados vivos y colores del aceite que fluyen delicadamente en el estilo típico de maestros Impresionistas. Por lo tanto, este famoso motivo de Venecia se puede describir en color en forma abreviada. La pintura al óleo “brillante de Santa María de la Salud” captura el estado de ánimo en la luz del atardecer en el color de Venecia enormemente y trae las emociones en las pinturas al óleo vibrantes que impongan a un metro de ancho y medio pies de alto de la lona. Como indica acertadamente el título de la obra, tanto la iglesia votiva veneciana como todo el edificio brillan con colores cálidos. Aunque la Santa Maria della Salute se muestra en un plano de la imagen trasera y se superpone en la región inferior de los frentes de casa veneciana, se destaca tema principal claramente como silencioso. La pintura al óleo muestra la salida del Gran Canal y la iglesia en su lado derecho. La superficie del agua brilla en colores brillantes, casi fluidos hasta un albaricoque semitransparente. Para lograr el efecto de esta extrema luminosidad y brillo, el artista ha renunciado a los reflejos pesados ​​y de alto contraste en el agua. Solo bajo las pequeñas góndolas y botes, que están amarrados a los muelles, reflejan las fachadas de las antiguas casas de piedra en el agua en amarillo pálido. El espectador de la pintura al óleo de Venecia está en el lado izquierdo del Gran Canal y se enfrenta a la de Santa María de la Salud (Baldassare Longhena) y la salida del canal principal terminado. En el lateral del visor (izquierda) se indican algunos postes de madera para el deshielo de las góndolas con pinceladas rápidas. También se indica en el octavo de la izquierda un frente de la casa, que parece enmarcar la imagen a la izquierda con estilo. Nuevamente, en primer plano, el artista renuncia a demasiada precisión y deja más forma y color al espectador. Esta obra es una de las pinturas al óleo más conocidas de Venecia y Santa Maria della Salute en Internet. Entre los más famosos impresionistas que pintaron Venecia, incluyendo Claude Monet ( “noche en Venecia”, 1908), Auguste Renoir ( “San Marcos de Venecia”), Paul Signac, “Gran Canal, Venecia”, 1905. Óleo sobre lienzo.

Светящаяся Санта Мария делла Салют / Категория: Известные картины маслом Венеции

Яркие желтые, яркие оранжевые тона и деликатно текущие масляные краски в типичном стиле мастеров-импрессионистов. Таким образом, этот знаменитый мотив Венеции можно описать красным цветом. Картина маслом «Блестящая Санта Мария делла Салют» отражает настроение в вечернем свете Венеции с цветом и приносит эмоции в ярких масляных красках, наложенных на холст шириной в метр и высотой восемьдесят сантиметров. Как метко указывает название работы, венецианская обетская церковь, а также все здание действительно сияют в теплых тонах. Хотя Санта-Мария-делла-салют показана на заднем плане изображения и накладывается на нижнюю часть фасадами венецианского дома, она четко выделяется как тихий главный мотив. На масляной живописи показан выход из Большого канала и церкви с правой стороны. Поверхность воды светит яркими, почти текущими цветами до полупрозрачного абрикоса. Чтобы добиться эффекта этой крайней легкости и яркости, художник отказался от тяжелых и высококонтрастных отражений в воде. Только под небольшими гондолами и лодками, которые пришвартованы к причалам, отражают фасады старых каменных домов в воде мягким бледно-желтым. Зритель живописи Венецианской живописи стоит на левой стороне Большого канала и смотрит на Санта-Мария-делла-салют (Бальдассар-Лонгена) и выход из главного канала. На боковой стороне смотрителя (слева) указаны несколько деревянных столбов для оттаивания гондол с быстрыми мазками. Также указано, что в левой восьмой находится передняя часть дома, которая, похоже, обрамляет изображение влево по стилю. Опять же, на переднем плане художник отказывается от слишком высокой точности и оставляет зрителю больше формы и цвета. Эта работа является одной из самых известных картин маслом Венеции и Санта-Мария-делла-салют в Интернете. Среди самых известных импрессионистов, которые писали Венецию, – Клод Моне («Вечер в Венеции», 1908), Огюст Ренуар («Сан-Марко в Венеции»), Пол Синак, «Большой канал, Венеция», 1905 г. Холст, масло.

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It is bitterly cold in February. There is nothing going on. No tourists. My hotel has only two stars. But a magnificent view! Here I have to paint. There is also a glass of red wine.

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Few industries pose their misanthropy as openly as the fashion industry. Anorexia and drug abuse are not ideals. Despite being applauded. A slap in the face for those who actually fight with these and other problems.

Model Magersucht und Drogen Ölgemälde

Auf dem Ölgemälde „Model Magersucht und Drogen“ fällt als erstes vorne unten der markante und übergroße Schriftzug „HELP!“ auf. Er ist in der gleichen Signalfarbe (orange) wie das Kleid des Models in der Bildmitte gehalten. Die sehr dünne, große und fast gesichtslose junge Frau stolziert dabei über einen Laufsteg, an dessen Seiten eine dunkle Scharr von Zuschauern. Ihre Gesichter sind nicht zu erkennen und sie verschwimmen nahezu zu einer fast homogenen dunklen Masse. Das Model scheint zu lächeln, schauen doch alle sie an, sind die Scheinwerfer doch auf sie gerichtet. Welchen Preis wird sie für diese Aufmerksamkeit zahlen müssen? Was muss sie dafür tun, um derart mager erscheinen zu können? Der Künstler regt mit diesem sehr dunkel gehaltenen Gemälde den Betrachter zum kritischen Nachdenken über die Modeindustrie und ihre Opfer an. Wir wissen nur, dass das Model nach seinem Auftritt den Laufsteg verlassen und in den dunkel gehaltenen Backstage-Bereich zurückkehren wird. Wer oder was dort wohl auf sie wartet? Genre: Sozialkritische Malerei Technik: Ölfarben auf Leinwand Stil: Realismus/ Impressionismus

Model Anorexia and Drugs Oil Painting

On the oil painting “Model anorexia and drugs” is the first down in front of the striking and oversized lettering “HELP!” On. He is held in the same signal color (orange) as the model’s dress in the center of the picture. The very thin, tall and almost faceless young woman struts on a catwalk, at the sides of a dark Scharr of spectators. Their faces can not be seen and they almost blur into an almost homogeneous dark mass. The model seems to smile, they all look at her, the headlights are still on them. What price will she have to pay for this attention? What does she have to do to be so skinny? With this very dark painting, the artist encourages the viewer to critically reflect on the fashion industry and its victims. All we know is that the model will leave the catwalk after his performance and return to the dark backstage area. Who or what is waiting there for you? Genre: Social Critical Painting Technique: oil paints on canvas Style: Realism / Impressionism

Work of art: wallpaper/the_model.jpg | | Christian Seebauer 2979px x 4180px ohne Schriftzug/ the original oil painting

Anorexie modèle et peinture à l’huile de drogues

Sur la peinture à l’huile “Modèle anorexie et drogues” est le premier en face du lettrage frappant et surdimensionné “AIDE!” Il est tenu dans la même couleur de signal (orange) que la robe du modèle au centre de l’image. La jeune femme très mince, grande et presque sans visage, se pavane sur une passerelle, aux côtés d’un sombre Scharr de spectateurs. Leurs visages ne peuvent être vus et ils se confondent presque en une masse sombre presque homogène. Le modèle semble sourire, ils la regardent tous, les phares sont toujours sur eux. Quel prix devra-t-elle payer pour cette attention? Que doit-elle faire pour être si maigre? Avec cette peinture très sombre, l’artiste encourage le spectateur à réfléchir de manière critique sur l’industrie de la mode et ses victimes. Tout ce que nous savons, c’est que le mannequin quittera la passerelle après sa performance et retournera dans les coulisses sombres. Qui ou quoi vous attend là? Genre: Peinture critique sociale Technique: peintures à l’huile sur toile Style: Réalisme / Impressionnisme

Anoressia del modello e pittura a olio sui farmaci

Sul dipinto ad olio “Modello anoressia e droghe” è il primo in basso di fronte al lettering sorprendente e sovradimensionato “HELP!”. È tenuto nello stesso colore del segnale (arancione) come l’abito del modello al centro dell’immagine. La giovane donna molto magra, alta e quasi senza volto si pavoneggia su una passerella, ai lati di un oscuro Scharr di spettatori. I loro volti non possono essere visti e sfociano quasi in una massa scura quasi omogenea. La modella sembra sorridere, tutti la guardano, i fari sono ancora su di loro. Quale prezzo dovrà pagare per questa attenzione? Cosa deve fare per essere così magro? Con questa pittura molto oscura, l’artista incoraggia lo spettatore a riflettere criticamente sull’industria della moda e le sue vittime. Tutto ciò che sappiamo è che la modella lascerà la passerella dopo la sua esibizione e tornerà all’area oscura del backstage. Chi o cosa ti sta aspettando? Genere: Pittura critica sociale Tecnica: colori ad olio su tela Stile: Realismo / Impressionismo

Modelo de pintura al óleo sobre la anorexia y las drogas

En la pintura al óleo “Modelo de anorexia y drogas” es la primera vez en frente de las letras llamativas y de gran tamaño “¡AYUDA!”. Se mantiene en el mismo color de señal (naranja) que el vestido de la modelo en el centro de la imagen. La jovencita delgada, alta y casi sin rostro se pavonea en una pasarela, a los lados de un oscuro Scharr de espectadores. Sus caras no se pueden ver y casi se desdibujan en una masa oscura casi homogénea. La modelo parece sonreír, todos la miran, los faros todavía están en ellos. ¿Qué precio tendrá que pagar por esta atención? ¿Qué tiene que hacer ella para ser tan flaca? Con esta pintura muy oscura, el artista alienta al espectador a reflexionar críticamente sobre la industria de la moda y sus víctimas. Todo lo que sabemos es que la modelo saldrá de la pasarela después de su actuación y regresará al área oscura detrás del escenario. ¿Quién o qué te está esperando allí? Género: Pintura Social Crítica Técnica: pinturas al óleo sobre lienzo Estilo: Realismo / Impresionismo

Модельная картина анорексии и наркотических веществ

На масляной живописи «Модельная анорексия и наркотики» – первая перед передним и негабаритным надписью «HELP!» On. Он находится в том же сигнальном цвете (оранжевый), что и платье модели в центре картины. Очень тонкая, высокая и почти безликая молодая женщина держится на подиуме, по сторонам темного Шарра зрителей. Их лица не видны, и они почти размываются почти однородной темной массой. Модель, похоже, улыбается, все смотрят на нее, фары все еще на них. Какую цену ей придется заплатить за это внимание? Что она должна делать, чтобы быть такой тощей? С этой очень темной живописью художник побуждает зрителя критически размышлять о индустрии моды и ее жертвах. Все, что мы знаем, это то, что модель покинет подиум после его выступления и вернется в темную зону закулиса. Кто или что ждет вас там? Жанр: Социальная критическая живопись Техника: масляные краски на холсте Стиль: Реализм / Импрессионизм

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This angel paintings I painted using only the fingers.

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Here I paint freedom. Movement. Irrepressible vitality. Zest for life. And this animal symbolizes all that! (Acyl)

Pferd – Freehorse – Expressionistisches Ölgemälde mit einem blauen Pferd

Wenn ein Künstler wirklich bekannt für blaue Pferde ist, dann der Expressionist Franz Marc mit seinen Werken wie „Der Turm der blauen Pferde“. Dabei gibt es unzählige Werke und Ölgemälde, die sich dem wunderbaren Thema Pferde widmen und damit die unglaubliche Dynamik und Schönheit dieser Wesen auf Leinwand bringen. Einer davon ist der deutsche Künstler Christian Seebauer. Mit seinem expressionistisch angehauchten Werk „Pferd – Freehorse“ bannt er die Kraft und die Reinheit des Pferdecharakters auf eine einzigartige Weise auf die Leinwand. Im Gegensatz zu vielen alten Meistern zeigt er das Pferdewesen dabei von vorne mit einem scheuen Blick zum Betrachter hin. Das Pferd skizziert er mit groben Pinselstrichen, gehalten in Blassblau, Tiefblau und einem dunklen Violett. Die Ohren vermitteln Lebendigkeit und Aufmerksamkeit. Das Motiv befindet sich vor einem Hintergrund, der vor Gensätzen nur so strotzt. Er rahmt das Pferd ein in eine Welt der Farben, grob gemalt mit dem Spachtel. Auch wenn sich der Hintergrund an die Farbpalette Blau und Violett weitgehend hält, bricht er doch mit einem vereinzelt hindurch kommenden leuchtenden Grasgrün und mit hinterlegten Rot-Tönen. Wer Pferde in ihrem Wesen liebt, wird vor diesem atemberaubend schönen Pferde-Ölgemälde innehalten und sich zum Motiv voll und ganz hineingezogen fühlen. Bildbesprechung von Martine Rehwald. Im Folgenden übersetzt:

Horse – Freehorse – Expressionist oil painting with a blue horse

If an artist is really known for blue horses, then the expressionist Franz Marc with his works like “The Tower of the Blue Horses”. There are countless works and oil paintings dedicated to the wonderful theme of horses, bringing the unbelievable dynamics and beauty of these creatures to canvas. One of them is the German artist Christian Seebauer. With his expressionistically inspired work “Horse – Freehorse” he captures the power and purity of the horse’s character in a unique way on the canvas. In contrast to many old masters, he shows the horse being from the front with a shy glance towards the viewer. He sketches the horse with coarse brushstrokes, held in pale blue, deep blue and a dark purple. The ears convey liveliness and attention. The motif is in front of a background that is full of phrases. He framed the horse in a world of colors, roughly painted with a spatula. Although the background of the color palette blue and violet largely holds, it still breaks with an occasional coming bright grass green and with deposited red tones. Those who love horses in their nature, will stop in front of this breathtakingly beautiful horse oil painting and feel fully drawn to the motive.

Horse – Freehorse – Pintura al óleo expresionista con un caballo azul

Si un artista es realmente conocido por los caballos azules, entonces el expresionista Franz Marc con sus obras como “La Torre de los Caballos Azules”. Hay innumerables obras y pinturas al óleo dedicadas al maravilloso tema de los caballos, que traen a la lona la increíble dinámica y belleza de estas criaturas. Uno de ellos es el artista alemán Christian Seebauer. Con su obra de inspiración expresionista “Caballo – Caballo Libre”, captura el poder y la pureza del personaje del caballo de una manera única en el lienzo. A diferencia de muchos maestros antiguos, muestra al caballo desde el frente con una mirada tímida hacia el espectador. Dibuja el caballo con pinceladas gruesas, sostenidas en azul pálido, azul oscuro y violeta oscuro. Los oídos transmiten vivacidad y atención. El motivo está delante de un fondo que está lleno de frases. Enmarcó al caballo en un mundo de colores, toscamente pintado con una espátula. Aunque el fondo de la paleta de colores azul y violeta se mantiene en gran medida, todavía se rompe con un color verde hierba que viene de vez en cuando y con tonos rojos depositados. Aquellos que aman los caballos en su naturaleza, se detendrán frente a esta impresionante pintura al óleo de caballos y se sentirán atraídos por el motivo.

Cavallo – Freehorse – Pittura a olio espressionista con un cavallo blu

Se un artista è conosciuto per i cavalli blu, allora l’espressionista Franz Marc con le sue opere come “La torre dei cavalli blu”. Ci sono innumerevoli opere e dipinti ad olio dedicati al meraviglioso tema dei cavalli, portando le incredibili dinamiche e la bellezza di queste creature sulla tela. Uno di questi è l’artista tedesco Christian Seebauer. Con il suo lavoro espressionisticamente ispirato “Horse – Freehorse”, cattura la potenza e la purezza del personaggio del cavallo in un modo unico sulla tela. In contrasto con molti vecchi maestri, mostra il cavallo dal davanti con una timida occhiata verso lo spettatore. Disegna il cavallo con pennellate grossolane, tenute in azzurro pallido, blu scuro e viola scuro. Le orecchie trasmettono vivacità e attenzione. Il motivo è di fronte a uno sfondo pieno di frasi. Ha incorniciato il cavallo in un mondo di colori, approssimativamente dipinto con una spatola. Anche se lo sfondo della tavolozza dei colori blu e viola regge in gran parte, si rompe ancora con un occasionale verde erba brillante e con toni rossi depositati. Coloro che amano i cavalli nella loro natura, si fermeranno di fronte a questa bellissima pittura a olio di cavallo e si sentiranno pienamente attratti dal motivo.

Cheval – Freehorse – Peinture à l’huile expressioniste avec un cheval bleu

Si un artiste est vraiment connu pour les chevaux bleus, alors l’expressionniste Franz Marc avec ses œuvres comme “La Tour des Chevaux Bleus”. Il existe d’innombrables œuvres et peintures à l’huile consacrées au thème merveilleux des chevaux, apportant la dynamique incroyable et la beauté de ces créatures à la toile. L’un d’eux est l’artiste allemand Christian Seebauer. Avec son œuvre «Horse – Freehorse» inspirée par l’expression, il capture la puissance et la pureté du personnage du cheval d’une manière unique sur la toile. Contrairement à beaucoup de vieux maîtres, il montre le cheval qui vient de l’avant avec un regard timide vers le spectateur. Il dessine le cheval avec des coups de pinceau grossiers, maintenus en bleu pâle, bleu foncé et violet foncé. Les oreilles transmettent la vivacité et l’attention. Le motif est devant un arrière-plan plein de phrases. Il a encadré le cheval dans un monde de couleurs, grossièrement peint avec une spatule. Bien que l’arrière-plan de la palette de couleurs bleu et violet tient en grande partie, il se brise encore avec une herbe verte brillante venant de temps en temps et avec des tons rouges déposés. Ceux qui aiment les chevaux dans leur nature, s’arrêteront devant cette peinture à l’huile à couper le souffle et se sentiront pleinement attirés par le motif.

Лошадь – Freehorse – живопись маслом экспрессионизма с голубой лошадью

Если художник действительно известен синими лошадьми, то экспрессионист Франц Марк с его работами, такими как «Башня синих лошадей». Есть бесчисленные работы и картины маслом, посвященные прекрасной теме лошадей, принося невероятную динамику и красоту этих существ на холст. Один из них – немецкий художник Кристиан Сибауэр. Своей экспрессионистически вдохновленной работой «Лошадь – Freehorse» он захватывает силу и чистоту персонажа лошади уникальным образом на холсте. В отличие от многих старых мастеров, он показывает, что лошадь с фронта с застенчивым взглядом смотрит на зрителя. Он рисует лошадь грубыми мазками, держащимися в бледно-синем, синем и темно-фиолетовом. Уши передают живость и внимание. Мотив находится перед фоном, полным фраз. Он обрамлял лошадь в мире цветов, грубо нарисованном шпателем. Несмотря на то, что фон цветовой палитры синего и фиолетового цвета в основном держится, он по-прежнему ломается со случайной яркой зеленой травой и с нанесенными красными тонами. Если вы любите лошадей по своей природе, вы остановитесь перед этой потрясающе красивой животной масляной лошадью и почувствуете себя полностью привлеченным к мотиву.

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Are there angels? Are they there? Yes! For me, they are there. Every day. They are there for my children. They are there when they are needed. Today I would not live if they did not exist.

Engel Gemälde: Lichtengel auf Leinwand

Hier steht der Betrachter vor einem riesengroßen expressionistischen Engelbild. Es misst gleich 150 cm Höhe und 100 cm Breite und besticht durch seine einzigartige Farbwelt mit vielen violetten und rosafarbenen Nuancen. Der Künstler arbeitet mit Acryl auf Leinwand und vereint zwei völlig unterschiedliche Techniken in einem einzigen Werk: Der Hintergrund ist gemalt und gespachtelt und birgt viele Widersprüche in sich. Zu einen verwendet der Künstler deckende Farben, zum anderen lässt er an allen Ecken und Enden die unterschiedlichsten Farbschichten durchscheinen und durchstrahlen. Hierdurch erfährt bereits der Bildhintergrund durch die einzigartige Maltechnik einen Spannungsbogen von ganz zart bis hin zu sehr grob und unfertig wirkend. Die Engelgestalt nimmt fast die komplette Höhe der Leinwand ein und hier geht es mit der künstlerischen Widersprüchlichkeit noch viel weiter. Den Engel setzt Christian Seebauer mit reiner Fingermalerei in sein Werk und gibt ihm damit eine ungeheure Leichtigkeit, aber auch eine grazile Flüchtigkeit. Nichts scheint Bestand zu haben. Wie in so vielen anderen Gemälden geht es Seebauer um eine mystische Momentaufnahme. Hier fängt es die Bewegung des Engels ebenso gekonnt ein, wie die Schwerelosigkeit des Seins und die einladend ausgebreiteten Flügel des Engels. Die Fingermalerie auf dem gespachtelten Hintergrund grenzt die Leichtigkeit von der Schwere, den Problemen und dem Leid scharf ab. Und doch scheint der Engel als Lichtgestalt mit der Leinwand zu verschmelzen und mit ihr eins zu werden. Dem Künstler gelingt es mit dem Lichtengel, ein großartiges und einzigartiges Engelbild zu schaffen, welches im Internet mittlerweile eine extrem hohe Bekanntheit hat.

Engel (lateinisch angelus, gotisch angilus von altgriechisch ἄγγελος ángelos „Bote“, „Abgesandter“ Übersetzung von hebräisch מלאך mal’ach „Bote“) sind in den Lehren der monotheistischen abrahamitischen Religionen des Judentums, Christentums und Islams Geistwesen, die von Gott erschaffen wurden und ihm untergeordnet sind.

Das spirituelle Verständnis von Engeln und ihrer Funktion und Ordnung ist weitgehend dem Tanach, dem Neuen Testament und dem Koran entnommen. Neben den Schriften des Bibelkanons gehörten spätantike und mittelalterliche Heiligenlegenden, Homilien, Wundergeschichten und volkstümliches Erzählgut wie Sagen und Märchen zu den Quellen für die Engelvorstellungen. Verbreitet sind diese auch in der Esoterik. Quelle: https://de.wikipedia.org/wiki/Engel

Angel Painting: Light angel on canvas

Here the viewer stands in front of a huge expressionist angelic image. It measures 150 cm high and 100 cm wide and impresses with its unique color scheme with many violet and pink nuances. The artist works with acrylics on canvas and combines two completely different techniques in a single work: the background is painted and filled and contains many contradictions in itself. On one hand, the artist uses opaque colors, on the other hand, he lets the most different layers of color shine through and shine through all corners and ends. As a result, the background of the picture is already experiencing an arc of suspense from very delicate to very coarse and unfinished due to the unique painting technique. The angelic figure takes up almost the entire height of the canvas and here it goes even further with the artistic inconsistency. Christian Seebauer uses the angel in his work with pure finger painting and thus gives him tremendous lightness, but also a graceful volatility. Nothing seems to endure. As in so many other paintings Seebauer is concerned with a mystical snapshot. Here it captures the movement of the angel as skilfully as the weightlessness of being and the inviting wings of the angel. The finger gallery on the tiled background sharply delimits the lightness of the heaviness, the problems and the suffering. And yet the angel appears as a figure of light to merge with the screen and become one with her. The artist succeeds with the Lichtengel to create a great and unique angel image, which now has an extremely high profile on the Internet.

Peinture ange: Ange léger sur toile

Ici, le spectateur se tient devant une énorme image angélique expressionniste. Il mesure 150 cm de haut et 100 cm de large et impressionne par son jeu de couleurs unique avec de nombreuses nuances de violet et de rose. L’artiste travaille l’acrylique sur toile et combine deux techniques complètement différentes dans une même œuvre: le fond est peint et rempli et contient de nombreuses contradictions en soi. D’une part, l’artiste utilise des couleurs opaques, d’autre part, il laisse transparaître et faire briller les couches de couleurs les plus différentes à travers les coins et les extrémités. En conséquence, le fond de l’image connaît déjà un arc de suspens de très délicat à très grossier et inachevé en raison de la technique de peinture unique. La figure angélique occupe presque toute la hauteur de la toile et ici elle va encore plus loin avec l’inconstance artistique. Christian Seebauer utilise l’ange dans son travail avec la peinture au doigt pur et lui donne ainsi une légèreté énorme, mais aussi une volatilité gracieuse. Rien ne semble durer. Comme dans tant d’autres peintures, Seebauer s’intéresse à un instantané mystique. Ici, il capture le mouvement de l’ange aussi habilement que l’apesanteur de l’être et les ailes invitantes de l’ange. La galerie des doigts sur le fond carrelé délimite nettement la légèreté de la lourdeur, les problèmes et la souffrance. Et pourtant l’ange apparaît comme une figure de lumière pour fusionner avec l’écran et devenir un avec elle. L’artiste réussit avec le Lichtengel à créer une grande et unique image d’ange, qui a maintenant un très haut profil sur Internet.

Pittura di angelo: angelo di luce su tela

Qui lo spettatore si trova di fronte a una grande immagine angelica espressionista. Misura 150 cm di altezza e 100 cm di larghezza e colpisce per la sua combinazione di colori unici con molte sfumature viola e rosa. L’artista lavora con acrilici su tela e combina due tecniche completamente diverse in un’unica opera: lo sfondo è dipinto e riempito e contiene molte contraddizioni in sé. Da un lato, l’artista usa colori opachi, dall’altro lascia che i più diversi strati di colore risplendano e brillino attraverso tutti gli angoli e le estremità. Di conseguenza, lo sfondo dell’immagine sta già vivendo un arco di suspense da molto delicato a molto grossolano e incompiuto a causa della tecnica pittorica unica. La figura angelica occupa quasi l’intera altezza della tela e qui va ancora oltre con l’inconsistenza artistica. Christian Seebauer usa l’angelo nel suo lavoro con la pittura a dito pura e quindi gli dà una tremenda leggerezza, ma anche una graziosa volatilità. Niente sembra resistere. Come in tanti altri dipinti, Seebauer si occupa di un’istantanea mistica. Qui cattura il movimento dell’angelo con la stessa maestria dell’essere senza peso e le ali invitanti dell’angelo. La galleria delle dita sullo sfondo piastrellato delimita nettamente la leggerezza della pesantezza, i problemi e la sofferenza. Eppure l’angelo appare come una figura di luce che si fonde con lo schermo e diventa tutt’uno con lei. L’artista riesce con il Lichtengel a creare un’immagine angelica eccezionale e unica, che ora ha un profilo estremamente alto su Internet.

Pintura del ángel: ángel de la luz sobre lienzo

Aquí el espectador se para frente a una enorme imagen angelical expresionista. Mide 150 cm de alto y 100 cm de ancho e impresiona con su esquema de color único con muchos matices de color violeta y rosa. El artista trabaja con acrílicos sobre lienzo y combina dos técnicas completamente diferentes en una sola obra: el fondo está pintado y lleno y contiene muchas contradicciones en sí mismo. Por un lado, el artista usa colores opacos, por otro lado, permite que las más diferentes capas de color brillen y brillen en todas las esquinas y extremos. Como resultado, el fondo de la imagen ya está experimentando un arco de suspenso desde muy delicado hasta muy tosco e inacabado debido a la técnica de pintura única. La figura angelical ocupa casi toda la altura del lienzo y aquí va aún más allá con la inconsistencia artística. Christian Seebauer usa el ángel en su trabajo con la pintura de dedos pura y por lo tanto le da tremenda ligereza, pero también una graciosa volatilidad. Nada parece durar. Como en tantas otras pinturas, Seebauer se preocupa por una instantánea mística. Aquí captura el movimiento del ángel tan hábilmente como la ingravidez del ser y las alas acogedoras del ángel. La galería de los dedos sobre el fondo embaldosado delimita claramente la ligereza de la pesadez, los problemas y el sufrimiento. Y sin embargo, el ángel aparece como una figura de luz para fundirse con la pantalla y convertirse en uno con ella. El artista tiene éxito con Lichtengel para crear una gran y única imagen de ángel, que ahora tiene un perfil extremadamente alto en Internet.

Живопись ангела: Светлый ангел на холсте

Здесь зритель стоит перед огромным экспрессионистским ангельским изображением. Он имеет размеры 150 см в высоту и 100 см в ширину и впечатляет своей уникальной цветовой гаммой со многими фиолетовыми и розовыми оттенками. Художник работает с акрилами на холсте и сочетает в себе две совершенно разные техники в одной работе: фон окрашен и заполнен и содержит множество противоречий сам по себе. С одной стороны, художник использует непрозрачные цвета, с другой стороны, он пропускает самые разные слои цвета и светит по всем углам и концам. В результате на фоне картины уже ощущается дуга ожидания от очень тонкого до очень грубого и незавершенного из-за уникальной техники рисования. Ангельская фигура занимает почти всю высоту холста, и здесь она идет еще дальше с художественной несогласованностью. Кристиан Сибауэр использует ангела в своей работе с чистой живописью пальца и, таким образом, дает ему огромную легкость, но также и изящную волатильность. Ничто, кажется, не терпит. Как и во многих других картинах, Сибауэр занимается мистическим снимком. Здесь он захватывает движение ангела так же умело, как невесомость бытия и привлекательные крылья ангела. Палец галерея на фоне плиткой резко ограничивает легкость тяжести, проблемы и страдания. И все же ангел появляется как фигура света, чтобы слиться с экраном и стать единым с ней. Художнику удается с Lichtengel создать великолепный и уникальный образ ангела, который теперь имеет чрезвычайно высокий профиль в Интернете.

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Piñeres is a small town on the Camino. It is the goal of my day. Late in the afternoon I sit down in the grass and sketch the scenery. Beautifully here! Jean-Louis a toujours été là. Je vous remercie!

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Luxor on the Nile is a mystical place. Mysterious. Alive. Beautifully. Here you must paint!

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Shortly before Santander is this lonely coast. It is ideal for walking here!

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The sailing ship on the Nile. Detached. Into the Modern

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All life has adapted to evolution on Earth. That much is clear. But did life on earth come about? Where did genes come from? Did genes originate on earth? Or did the building blocks of life come to us as travelers? Because hardly after the earth has cooled, the first life has already been there. In this oil painting I do not want to speculate, but just dream.

Genetic Identity Ölgemälde

Auf dem Gemälde „Genetic Identity“ ist vorne rechts ein doppelter Strang zu sehen. An jeder Strangseite befinden sich kleine ovale Komponenten, die ineinanderzugreifen scheinen. Höchstwahrscheinlich handelt es sich hierbei um die Darstellung eines DNA-Strangs. Auffällig ist, dass einige der ovalen Punkte, auf der ansonsten in Grautönen gehaltenen Helix, in starkem Rot dargestellt sind. Eine mögliche Bedeutung bleibt zunächst unklar, bis der Bildhintergrund betrachtet wird. Aus dem schwarzen Hintergrund heraus, erscheint das graue Gesicht eines Aliens. Seine schwarzen langgezogenen Augen, der schwarze Punkt, der wohl die Nase darstellen soll und ein verkümmerter schwarzer Mund verleihen ihm seine unheimliche und doch charakteristische moderne Optik. Ist das etwa seine DNA vorne im Bild? Verfügt er über eine DNA wie wir Menschen, nur mit kleinen Besonderheiten? Vielleicht war er zuerst da und wir Menschen haben eine anormale DNA? Mit diesem düsteren Gemälde wirft der Künstler zahlreiche Fragen auf und nur eine scheint er selbst zu beantworten: Wir sind nicht allein. Genre: Science Fiction Malerei, Sozialkritische Malerei Technik: Ölfarben auf Leinwand Stil: Surrealismus/ Impressionismus

Genetic Identity Oil Painting

The painting “Genetic Identity” shows a double strand on the front right. On each side of the string are small oval components that seem to mesh. Most likely, this is the representation of a DNA strand. It is noticeable that some of the oval dots on the helix, which is otherwise in shades of gray, are shown in strong red. One possible meaning remains unclear until the image background is considered. Out of the black background, the gray face of an alien appears. His black elongated eyes, the black dot, which is supposed to represent the nose and a stunted black mouth give it its eerie yet characteristic modern look. Is that about his DNA in the front of the picture? Does he have a DNA like us humans, but with little peculiarities? Maybe he was first and we humans have an abnormal DNA? With this gloomy painting, the artist raises numerous questions and only one seems to answer himself: we are not alone. Genre: science fiction painting, social critical painting Technique: oil paints on canvas Style: Surrealism / Impressionism

Peinture à l’huile à identité génétique

Le tableau “Identité génétique” montre un double brin sur le devant droit. De chaque côté de la corde sont de petits composants ovales qui semblent engrener. Très probablement, c’est la représentation d’un brin d’ADN. Il est à noter que certains des points ovales sur l’hélice, qui sont par ailleurs dans les tons de gris, sont représentés en rouge fort. Une signification possible reste floue jusqu’à ce que l’arrière-plan de l’image soit pris en compte. Sur le fond noir, le visage gris d’un extraterrestre apparaît. Ses yeux noirs et allongés, le point noir qui est censé représenter le nez et une bouche noire rabougrie lui donnent son aspect moderne étrange et caractéristique. Est-ce à propos de son ADN sur le devant de la photo? At-il un ADN comme nous les humains, mais avec des petites particularités? Peut-être qu’il était le premier et nous les humains ont un ADN anormal? Avec cette peinture lugubre, l’artiste soulève de nombreuses questions et une seule semble se répondre: nous ne sommes pas seuls. Genre: peinture de science-fiction, peinture critique sociale Technique: peintures à l’huile sur toile Style: Surréalisme / Impressionnisme

Pittura a olio per identità genetica

Il dipinto “Genetic Identity” mostra un doppio filamento sul lato anteriore destro. Su ciascun lato della corda ci sono piccoli componenti ovali che sembrano ingranare. Molto probabilmente, questa è la rappresentazione di un filamento di DNA. È evidente che alcuni dei punti ovali sull’elica, che è altrimenti in tonalità di grigio, sono mostrati in rosso intenso. Un possibile significato rimane poco chiaro fino a quando viene considerato lo sfondo dell’immagine. Fuori dallo sfondo nero appare la faccia grigia di un alieno. I suoi occhi neri e allungati, il punto nero, che dovrebbe rappresentare il naso e una bocca nera rachitica, gli conferiscono il suo aspetto misterioso eppure moderno. Si tratta del suo DNA nella parte anteriore dell’immagine? Ha un DNA come noi umani, ma con piccole peculiarità? Forse è stato il primo e noi umani abbiamo un DNA anormale? Con questo dipinto cupo, l’artista solleva numerose domande e solo una sembra rispondere a se stessa: non siamo soli. Genere: pittura fantascientifica, pittura sociale critica Tecnica: colori ad olio su tela Stile: Surrealismo / Impressionismo

Pintura al óleo de identidad genética

La pintura “Identidad genética” muestra una doble hebra en la parte frontal derecha. A cada lado de la cuerda hay pequeños componentes ovalados que parecen engranar. Lo más probable es que esta sea la representación de un filamento de ADN. Es notable que algunos de los puntos ovales en la hélice, que de otro modo están en tonos de gris, se muestran en rojo intenso. Un significado posible sigue sin estar claro hasta que se considera el fondo de la imagen. Fuera del fondo negro, aparece la cara gris de un extraterrestre. Sus ojos negros y alargados, el punto negro, que se supone que representa la nariz y una boca raquítica y negra, le otorgan su extraño y característico aspecto moderno. ¿Eso es sobre su ADN en el frente de la imagen? ¿Tiene un ADN como nosotros los humanos, pero con pequeñas peculiaridades? Tal vez fue el primero y nosotros los humanos tenemos un ADN anormal. Con esta pintura tenebrosa, el artista plantea numerosas preguntas y solo una parece responderse a sí misma: no estamos solos. Género: pintura de ciencia ficción, pintura crítica social Técnica: pinturas al óleo sobre lienzo Estilo: Surrealismo / Impresionismo

Генетическая живопись маслом идентичности

Картина «Генетическая идентичность» показывает двойную прядь справа. На каждой стороне строки находятся небольшие овальные компоненты, которые, кажется, мешат. Скорее всего, это представление цепи ДНК. Примечательно, что некоторые овальные точки на спирали, которые в противном случае имеют оттенки серого, показаны сильным красным. Одно из возможных значений остается неясным до тех пор, пока не будет рассмотрен фон изображения. На черном фоне появляется серое лицо инопланетянина. Его черные вытянутые глаза, черная точка, которая должна представлять собой нос и чахлый черный рот, придает ей жуткий, но характерный современный вид. Это о его ДНК в передней части картины? У него есть ДНК, как у нас, люди, но с небольшими особенностями? Может быть, он был первым, и у нас есть ненормальная ДНК? С этой мрачной живописью художник поднимает множество вопросов, и только один, кажется, отвечает на вопрос: мы не одиноки. Жанр: научная фантастика, социальная критическая живопись Техника: масляные краски на холсте Стиль: Сюрреализм / Импрессионизм

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The Kukulkan pyramid is still puzzling. How could the people of that time do such exact calculations? Where does the incredible knowledge?

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January 2012, a video on Youtube shocked the world. Soldiers in Afghanistan pissing on dead civilians. The message on U.S. television is: “Obama and Clinton condemn a group of Marines for urinating on dead bodies, while continuing their imperialist slaughter” … singing loud: “pissing on the stage and really just don’t care …”

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It is here, born on this, our world. What we do with him? What are we leaving behind? How we dealt with our world? And how much debt and legacy we have left? Much of what we are doing is immoral. We live at the expense of our children.

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Where are the people? Where is the humanity?

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The scent of lavender is out here so intense that one can forget everything around. A wonderful day!

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The Provence extends between the Rhône and the Côte d’Azur. Besides mountainous and barren areas lavender is grown primarily in the Haute-Provence. I was here in August to paint near Forcalquier and have just finished my first painting.

Mittlerweile eines der bekanntesten Lavendelfeld-Ölgemälde

Das Ölgemälde “Lavendelfelder in der Provence” zählt im Internet zu den bekanntesten Lavendelfelder Ölgemälden. Das Lavendel-Bild besticht durch seine imposante tiefblau/ violette Farbgebung im Lichte des Vollmondes. Etwa Zweidrittel des Werkes nimmt das perspektivisch in die Ferne laufende Lavendelfeld ein. Die pink/lila und violetten Reihen des Lavendels zeihen den Betrachter hinein in die mittlere Bildebene, auf deren linken Seite zwei alte mediterrane Steinhäuser von mehreren Zypressen flankiert werden. Durch die zarten ocker und rosafarben, die an den Häusern bereits mit der Umgebung zu verschmelzen scheinen, gewinnt dieses Werk eine ungeheure Tiefe. Wenn man nicht wüsste, dass dieses Kunstwerk in der französischen Provence spielt, wäre es das klassische Toskana-Motiv. Egal ob Toskana oder Provence: Das Oevre zaubert mediterranes Flair auf die Leinwand und fängt den Betrachter fast schon hypnotisch ein. Das leicht bewölkte und nach oben hin kristallklare Firmament wechselt von einem zarten türkisblau zu einem tiefblau-violettem Horizont, auf dem die Sichel des Mondes und sogar schemenhaft der gesamte Mond zu erkennen sind. Dies passt zu dem durch und durch mystischen und verzauberten Charakter des Lavendelfeld-Ölgemäldes. Die hügelige Landschaft im Hintergrund in gedeckten grünblau Farben entsprechen exakt den Konträrfarben des warm ockergelb farbigen Erdbodens, der in Furchen auf den Betrachter zuläuft. Das Lavendelbild ist sicher eines der prägnantesten und unverkennbarsten Lavendel-Ölbilder im Stile impressionistischer Werke.

Now one of the most famous lavender field oil paintings

The oil painting “Lavender fields in Provence” is one of the most well-known lavender field oil paintings on the Internet. The lavender image captivates with its impressive deep blue / violet coloring in the light of the full moon. About two-thirds of the work takes up the prospective lavender field in the distance. The pink / purple and violet rows of lavender lead the viewer into the middle picture plane, on the left side of which two old Mediterranean stone houses are flanked by several cypress trees. By the delicate ocher and pink, which already seem to merge with the surroundings at the houses, this work gains a tremendous depth. If you did not know that this artwork is set in French Provence, it would be the classic Tuscany theme. Whether Tuscany or Provence: The Oevre conjures Mediterranean flair on the screen and captivates the viewer almost hypnotic. The slightly cloudy and crystal clear sky changes from a delicate turquoise blue to a deep blue-purple horizon, on which the sickle of the moon and even the entire moon can be seen. This fits in with the thoroughly mystical and enchanted character of the lavender field oil painting. The hilly landscape in the background in muted green-blue colors corresponds exactly to the contrasting colors of the warm ocher-yellow colored ground, which runs in furrows towards the viewer. The lavender painting is certainly one of the most striking and unmistakable lavender oil paintings in the style of Impressionist works.

Ora uno dei più famosi dipinti ad olio sul campo di lavanda

Il dipinto ad olio “Campi di lavanda in Provenza” è uno dei dipinti a olio di campo di lavanda più conosciuti su Internet. L’immagine di lavanda incanta con la sua impressionante colorazione blu / violetta nella luce della luna piena. Circa due terzi del lavoro occupa il campo di lavanda prospettico in lontananza. Le file di lavanda rosa / viola e viola portano lo spettatore nell’aereo centrale, sul lato sinistro del quale due vecchie case in pietra mediterranea sono fiancheggiate da numerosi cipressi. Dai delicati ocra e rosa, che sembrano già fondersi con l’ambiente circostante le case, questo lavoro acquisisce un’enorme profondità. Se non sapevi che questa opera d’arte è ambientata nella Provenza francese, sarebbe il classico tema della Toscana. Sia in Toscana che in Provenza: The Oevre evoca lo stile mediterraneo sullo schermo e affascina lo spettatore in modo quasi ipnotico. Il cielo leggermente nuvoloso e cristallino cambia da un delicato blu turchese a un profondo orizzonte blu-viola, su cui si può vedere la falce della luna e persino l’intera luna. Questo si inserisce perfettamente nel carattere mistico e incantato della pittura ad olio sul campo di lavanda. Il paesaggio collinare sullo sfondo in tenui colori verde-blu corrisponde esattamente ai colori contrastanti del caldo colore giallo ocra, che corre in solchi verso lo spettatore. Il dipinto di lavanda è certamente uno dei dipinti a olio di lavanda più sorprendenti e inconfondibili nello stile delle opere impressioniste.

Ahora una de las pinturas al óleo de campo de lavanda más famosas

La pintura al óleo “Campos de lavanda en Provenza” es una de las pinturas al óleo de campo de lavanda más conocidas en Internet. La imagen de lavanda cautiva con su impresionante color azul intenso / violeta a la luz de la luna llena. Alrededor de dos tercios del trabajo ocupa el campo de lavanda prospectivo en la distancia. Las hileras de lavanda rosa / violeta y púrpura llevan al espectador al plano central de la imagen, en el lado izquierdo de las cuales dos antiguas casas de piedra mediterránea están flanqueadas por varios cipreses. Por el delicado ocre y el rosa, que ya parecen fusionarse con el entorno de las casas, este trabajo adquiere una profundidad tremenda. Si no sabía que esta obra de arte está ambientada en la Provenza francesa, sería el tema clásico de la Toscana. Ya sea en Toscana o en Provenza: el Oevre evoca el estilo mediterráneo en la pantalla y cautiva al espectador casi hipnótico. El cielo ligeramente nublado y cristalino cambia de un delicado azul turquesa a un profundo horizonte azul-púrpura, en el que se puede ver la hoz de la luna e incluso la luna entera. Esto encaja con el carácter completamente místico y encantado de la pintura al óleo de campo de lavanda. El paisaje montañoso en el fondo en colores verde azulado apagados corresponde exactamente a los colores contrastantes del suelo cálido de color amarillo ocre, que corre en surcos hacia el espectador. La pintura de lavanda es sin duda una de las pinturas al óleo de lavanda más llamativas e inconfundibles en el estilo de las obras impresionistas.

Maintenant, l’une des plus célèbres peintures à l’huile de lavande

La peinture à l’huile «Champs de lavande en Provence» est l’une des peintures à l’huile de lavande les plus connues sur Internet. L’image de la lavande séduit par son impressionnant bleu profond / violet à la lumière de la pleine lune. Environ deux tiers du travail occupe le champ de la lavande prospective dans la distance. Les rangées de lavande rose / pourpre et mauve conduisent le spectateur dans l’avion central, sur le côté gauche duquel deux vieilles maisons en pierre méditerranéennes sont flanquées de plusieurs cyprès. Par l’ocre délicat et le rose, qui semblent déjà se confondre avec l’environnement des maisons, ce travail gagne une profondeur énorme. Si vous ne saviez pas que cette oeuvre est en Provence française, ce serait le thème classique de la Toscane. Que ce soit en Toscane ou en Provence: L’Oevre évoque l’atmosphère méditerranéenne à l’écran et captive le spectateur presque hypnotique. Le ciel légèrement nuageux et cristallin passe d’un bleu turquoise à un horizon bleu-violet profond, sur lequel on peut voir la faucille de la lune et même la lune entière. Cela correspond au caractère complètement mystique et enchanté de la peinture à l’huile de lavande. Le paysage vallonné à l’arrière-plan dans des couleurs vert-bleu douces correspond exactement aux couleurs contrastées du sol chaud ocre-jaune, qui court dans les sillons vers le spectateur. La peinture à la lavande est certainement l’une des peintures à l’huile de lavande les plus frappantes et incomparables dans le style des œuvres impressionnistes.

Теперь одна из самых известных картин масляного животного лаванды

Масляная картина «Лавандовые поля в Провансе» – одна из самых известных лавандовых полей масляной живописи в Интернете. Изображение лаванды очаровывает своей впечатляющей темно-синей / фиолетовой окраской в ​​свете полной луны. Около двух третей работы занимают перспективное поле лаванды на расстоянии. Розово-фиолетовые и фиолетовые ряды лаванды приводят зрителя в центральную плоскость изображения, на левой стороне которого два старых средиземноморских каменных дома окружены несколькими кипарисами. Благодаря тонкой охре и розовому, которые уже, похоже, сливаются с окрестностями в домах, эта работа приобретает огромную глубину. Если вы не знали, что это произведение выполнено во французском Провансе, это будет классическая тема Тосканы. Тоскана или Прованс: Оэвр вызывает средиземноморский талант на экране и очаровывает зрителя почти гипнотическим. Немного облачное и кристально чистое небо меняется от мягкого синего до голубо-пурпурного горизонта, на котором можно увидеть серп луны и даже всю луну. Это соответствует тщательному мистическому и зачарованному характеру масляной живописи лавандового поля. Холмистый ландшафт на заднем плане в приглушенных зелено-голубых тонах точно соответствует контрастным цветам теплого охристого желтого цвета, которое проходит по бороздам к зрителю. Покраска лаванды, безусловно, является одной из самых ярких и безошибочных малярных картин лаванды в стиле импрессионистских работ.

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The Baratti Bay is located in Tuscany from San Vincenzo to Piombino. By late afternoon I was thrilled with the pine forests and the evening light. In the background is the village of Alto Populonia with Castle. There’s something for every wonderful trails for hiking.

Toskana Ölgemälde: Golf von Baratti im Sonnenuntergang

Dunkle Pinien säumen diese atemberaubende Kulisse wie eine Silhouette. Dahinter zaubert der Künstler einen atemberaubend schönen orangenen Sonnenuntergang mit Meerblick. Entfernt sind als Silhouette zwei Menschen zu sehen, die sich die Hände reichen. Kräftige Orangetöne und verschwommene Umrisse der untergehenden Sonne verleihen diesem Ölgemälde eine tiefe innere Ruhe und eine extreme Ausdruckskraft. Erst wenn der Betrachter genau hinsieht, entdeckt er weitere Details: Links im Hintergrund, fast versteckt von den Pinien, wird eine Klippe sichtbar, auf dem Häuser oder eine Burg angedeutet sind. Vermutlich handelt es sich hier um das toskanische Küstenörtchen Populonia Alta und die Anhöhe Poggio Castello, auf der eine etruskische Burgfestung und die Kirche Santa Maria della Croce emporragen. Das Ölgemälde ist ein typisches Toskanamotiv, obwohl es nicht weite Felder und Hügel der Toskana zeigt, sondern sich dem Küstenabschnitt in der Nähe von Piombino widmet. Das klassische impressionistische Ölgemälde auf Leinwand zeigt den Golf von Baratti/ Toskana/ Italien von seiner schönsten Seite. Ein durch und durch verträumtes Landschaftsgemälde mit Pinien, italienischem Flair und mediterranem Feeling.

Tuscany oil painting: Gulf of Baratti in the sunset

Dark pine trees line this breathtaking backdrop like a silhouette. Behind it, the artist conjures up a breathtakingly beautiful orange sunset with sea views. Removed are two silhouetted people who can join hands. Vivid orange tones and blurred outlines of the setting sun give this oil painting a deep inner peace and an extreme expressiveness. Only when the viewer looks closely, he discovers further details: left in the background, almost hidden by the pine trees, a cliff is visible on the houses or a castle are indicated. Presumably, this is the Tuscan coastal town of Populonia Alta and the Poggio Castello hill, which is dominated by an Etruscan castle fortress and the church of Santa Maria della Croce. The oil painting is a typical Tuscan motif, although it does not show vast fields and hills of Tuscany, but is dedicated to the coastline near Piombino. The classic impressionistic oil painting on canvas shows the Gulf of Baratti / Tuscany / Italy from its most beautiful side. A thoroughly dreamy landscape painting with pine trees, Italian flair and Mediterranean feeling.

Toscane Peinture à l’huile: Golfe de Baratti au coucher du soleil

ligne de pin noir cette superbe toile de fond comme une silhouette. Derrière l’artiste évoque un superbe coucher de soleil orange avec vue sur la mer. Loin se profilent deux personnes pour voir les serrer la main. De fortes tons orange et contours flous du soleil couchant donnent cette peinture à l’huile est une paix intérieure profonde et une expressivité extrême. Seulement lorsque le spectateur regarde de près, il a découvert plus de détails: les liens en arrière-plan, presque caché par les arbres de pins, est visible une falaise, sont indiqués sur les maisons ou un château. Il est probablement ici à la ville côtière de Toscane de Populonia Alta et Poggio colline Castello, sur le pic une forteresse du château étrusque et l’église de Santa Maria della Croce. La peinture à l’huile est un motif typique de la Toscane, mais il ne montre pas les champs et les collines de la Toscane, mais est dédié à la côte près de Piombino. La peinture à l’huile sur toile impressionniste classique montre le golfe de Baratti / Toscane / Italie à son meilleur. Une peinture de paysage à fond de rêve avec le pin, le style italien et ambiance méditerranéenne.

Pittura ad olio in Toscana: Golfo di Baratti nel tramonto

Pini scuri circondano questo scenario mozzafiato come una silhouette. Dietro di esso, l’artista evoca un tramonto arancione mozzafiato con vista sul mare. Rimossi sono due persone che si stagliano e possono unire le mani. Vividi toni arancioni e contorni sfocati del sole al tramonto conferiscono a questo dipinto ad olio una profonda pace interiore e un’estrema espressività. Solo quando lo spettatore guarda da vicino, scopre ulteriori dettagli: lasciato sullo sfondo, quasi nascosto dai pini, una scogliera è visibile sulle case o un castello sono indicati. Presumibilmente, questa è la città costiera toscana di Populonia Alta e la collina di Poggio Castello, che è dominata da una fortezza del castello etrusco e la chiesa di Santa Maria della Croce. Il dipinto ad olio è un tipico motivo toscano, anche se non mostra vasti campi e colline della Toscana, ma è dedicato alla costa vicino a Piombino. Il classico dipinto ad olio impressionistico su tela mostra il Golfo di Baratti / Toscana / Italia dal suo lato più bello. Una pittura paesaggistica completamente sognante con alberi di pino, atmosfera italiana e sentimento mediterraneo.

Pintura al óleo de la Toscana: Golfo de Baratti en la puesta del sol

Los pinos oscuros se alinean en este impresionante telón de fondo como una silueta. Detrás, el artista evoca una impresionante puesta de sol naranja con vistas al mar. Se eliminaron dos siluetas que pueden unir manos. Los tonos anaranjados vívidos y los contornos borrosos de la puesta de sol otorgan a esta pintura al óleo una profunda paz interior y una extrema expresividad. Solo cuando el espectador mira de cerca, descubre más detalles: se deja al fondo, casi oculto por los pinos, se ve un acantilado en las casas o se indica un castillo. Presumiblemente, esta es la ciudad costera toscana de Populonia Alta y el cerro Poggio Castello, que está dominado por una fortaleza de castillo etrusco y la iglesia de Santa Maria della Croce. La pintura al óleo es un motivo típico de la Toscana, aunque no muestra grandes campos y colinas de la Toscana, sino que está dedicado a la costa cerca de Piombino. La clásica pintura al óleo impresionista sobre lienzo muestra el Golfo de Baratti / Toscana / Italia desde su lado más bello. Una pintura paisajística soñadora con pinos, estilo italiano y sentimiento mediterráneo.

Живопись маслом Тосканы: Залив Баратти на закате

Темные сосны выходят на этот захватывающий фон, как силуэт. За ним художник вызывает восхитительно красивый оранжевый закат с видом на море. Убраны два силуэтных человека, которые могут объединиться. Яркие оранжевые тона и размытые очертания заходящего солнца придают этой масляной живописи глубокий внутренний покой и чрезвычайную выразительность. Только когда зритель пристально смотрит, он обнаруживает дальнейшие подробности: слева на заднем плане, почти скрытые сосновыми деревьями, видна скала на домах или замок. Предположительно, это тосканский прибрежный город Популония-Альта и холм Поджио-Кастелло, в котором доминирует крепость крепости Этрусской крепости и церковь Санта-Мария-делла-Кроче. Масляная картина является типичным тосканским мотивом, хотя она не показывает обширных полей и холмов Тосканы, но посвящена береговой линии вблизи Пьомбино. Классическая импрессионистическая картина маслом на холсте показывает залив Баратти / Тоскана / Италия с самой красивой стороны. Полностью мечтательная пейзажная роспись с сосновыми деревьями, итальянское чутье и средиземноморское чувство.

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The oldest of St. James – The coastal path – is still largely unknown. And incomparably beautiful! After a burnout for the author begins the adventure of his life. The trip to itself! It is a journey on a narrow ridge 923 km are now in front of him. more ->

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The two Stonehenge oil paintings No. 1871 and No. 729 are among the most well-known Stonehenge paintings on the Internet. The work shown here No. 1871 conjures up the cult place Stonehenge with oil paints on a large canvas with 120 centimeters width and 80 centimeters height. Christian Seebauer uses oil paints in impressionist style. The rock monoliths are applied with the spatula and form with their warm ocher tones a wonderful contrast to the pink and purple hues of the horizon

Ölgemälde: Stonehenge

Dieses bekannte Ölgemälde setzt die in warmen ocker gemalten Monolithfelsen von Stonehenge vor einen magischen Hintergrund, welcher von rosa bis in ein tiefes Blau verläuft. Der Künstler verleiht Stonehenge mit dem Spachtel eine raue, felsige Struktur, die in hellen Farbtönen im Licht der letzten Sonne zu leuchten scheinen. Selbst die Schatten der massigen Felsblöcke sind nicht dunkel, wie sie eigentlich sein sollten, sondern enthalten noch viel warme Farbtöne. Mit fliesenden Ölfarben und zarten Farbübergängen verleiht der Künstler dem Himmel ein beinahe surreales Antlitz. Die Farben am Horizont reichen von einem zartrosa bis hin zu einem sehr kräftigen rosa, verlaufen knapp oberhalb der Felsmonolithen zu einem zarten orange farbigen Streifen, der wiederum in ein leuchtendes Indigo und dann in ein tief dunkles Blau hinein verläuft. Der Vordergrund des Stonehenge-Ölgemäldes ist schlicht gehalten und konzentriert sich im Wesentlichen auf die Spiegelung des jungsteinzeitlichen Bauwerks in einer Art Regenpfütze. Dadurch bekommt das Stonehenge Gemälde etwas Verspieltes, etwas Mystisches. Das Ölgemälde „Stonehenge“ gehört im Internet zu den bekanntesten Werken und sticht durch seine einzigartige Farbzusammensetzung hervor. Durch den Einsatz ganz verschiedener Maltechniken (Pinsel, Spachtel und fliesende Übergänge) erzeugt das impressionistisch angehauchte Werk eine ungeheure Tiefe und Ausdruckskraft. Seebauers Stonehenge Ölgemälde ist eines der bekannten Landschaftsmalereien zu diesem Thema. Tags: Stonehenge, Ölmalerei, Ölgemälde, Impressionismus, Realismus, mystische Landschaftsmalerei, Steinkreise, Prä-Astronautik, Paläo-SETI, Tempelanlage, Kunstwerk,

Oil painting: Stonehenge

This well-known oil painting sets the monolith rocks of Stonehenge, painted in warm ocher, in a magical background that runs from pink to a deep blue. The artist gives Stonehenge with the spatula a rough, rocky structure that shines in bright shades in the light of the last sun. Even the shadows of the massive boulders are not as dark as they should be, but still contain a lot of warm colors. With flowing oil colors and delicate color transitions, the artist gives the sky an almost surreal look. The colors on the horizon range from a pale pink to a very strong pink, running just above the rock monoliths to a delicate orange colored stripe, which in turn flows into a glowing indigo and then into a deep, dark blue. The foreground of the Stonehenge oil painting is simple and focuses mainly on the reflection of the Neolithic structure in a kind of puddle of rain. This gives the Stonehenge painting something playful, something mystical. The oil painting “Stonehenge” is one of the most well-known works on the Internet and stands out for its unique color composition. Through the use of very different painting techniques (brush, spatula and flowing transitions), the impressionistically inspired work creates a tremendous depth and expressiveness. Seebauer’s Stonehenge oil painting is one of the well-known landscape paintings on the subject. Tags: Stonehenge, Oil Painting, Oil Painting, Impressionism, Realism, Mystical Landscape Painting, Stone Circles, Pre-Astronautics, Paleo-SETI, Temple Complex, Artwork,

Peinture à l’huile: Stonehenge

Cette peinture à l’huile bien connue pose les roches monolithe de Stonehenge, peintes dans de l’ocre chaud, dans un fond magique qui va du rose au bleu profond. L’artiste donne à Stonehenge avec la spatule une structure rugueuse et rocheuse qui brille dans les tons vifs à la lumière du dernier soleil. Même les ombres des rochers massifs ne sont pas aussi sombres qu’ils devraient l’être, mais contiennent encore beaucoup de couleurs chaudes. Avec des couleurs à l’huile fluides et des transitions de couleurs délicates, l’artiste donne au ciel un aspect presque surréaliste. Les couleurs à l’horizon vont d’un rose pâle à un rose très fort, passant juste au-dessus des monolithes de roche jusqu’à une délicate bande orange, qui à son tour se transforme en un indigo rougeoyant puis en un bleu foncé profond. Le premier plan de la peinture à l’huile de Stonehenge est simple et se concentre principalement sur le reflet de la structure néolithique dans une sorte de flaque de pluie. Cela donne à la peinture de Stonehenge quelque chose de ludique, quelque chose de mystique. La peinture à l’huile “Stonehenge” est l’une des œuvres les plus connues sur Internet et se distingue par sa composition de couleur unique. Grâce à l’utilisation de techniques de peinture très différentes (pinceau, spatule et transitions fluides), le travail d’inspiration impressionniste crée une profondeur et une expressivité énormes. La peinture à l’huile de Seebauer Stonehenge est l’une des peintures de paysage bien connues sur le sujet. Tags: Stonehenge, Peinture à l’huile, Peinture à l’huile, Impressionnisme, Réalisme, Peinture de paysage mystique, Cercles de pierre, Pré-astronautique, Paléo-SETI, Temple Complex, Oeuvre,

Pittura a olio: Stonehenge

Questo dipinto ad olio noto è dipinto in caldi rocce color ocra monoliti di Stonehenge prima di uno sfondo magico, che va dal rosa in un blu profondo. L’artista conferisce a Stonehenge con la spatola una struttura ruvida e rocciosa che brilla di sfumature brillanti alla luce dell’ultimo sole. Anche le ombre degli enormi massi non sono così scure come dovrebbero, ma contengono ancora molti colori caldi. Con fluidi colori ad olio e delicate transizioni di colore, l’artista dona al cielo un aspetto quasi surreale. I colori sulla gamma all’orizzonte da una rosa molto forte colore rosa, in esecuzione appena sopra i monoliti di roccia a uno strisce arancio delicato colorate, che a sua volta si estende in un indaco luminosa e poi in un blu molto scuro. Il primo piano della pittura ad olio Stonehenge è mantenuto semplice e si concentra principalmente sulla riflessione della struttura New Stone Age in una specie di pozza pioggia. Ciò conferisce alla pittura di Stonehenge qualcosa di giocoso, qualcosa di mistico. Il dipinto ad olio “Stonehenge” è una delle opere più conosciute su Internet e si distingue per la sua composizione cromatica unica. Attraverso l’uso di molto diverse tecniche pittoriche (pennello, spatola e transizioni omogenee) genera l’impressionistisch ispirato una profondità di lavoro enorme e espressività. Il dipinto a olio di Stonehenge di Seebauer è uno dei più noti dipinti di paesaggio sull’argomento. Tags: Stonehenge, pittura ad olio, pittura ad olio, impressionismo, realismo, mistica pittura di paesaggio, cerchi di pietre, teoria degli antichi astronauti, Paleo-SETI, tempio, arte,

Pintura al óleo: Stonehenge

Esta pintura al óleo conocida establece las rocas monolíticas de Stonehenge, pintadas en ocre cálido, en un fondo mágico que va del rosa al azul profundo. El artista le da a Stonehenge con la espátula una estructura áspera y rocosa que brilla en tonos brillantes a la luz del último sol. Incluso las sombras de las enormes rocas no son tan oscuras como deberían ser, pero aún contienen muchos colores cálidos. Con fluidos colores al óleo y delicadas transiciones de color, el artista le da al cielo un aspecto casi surrealista. Los colores en el horizonte van desde un rosa pálido a un rosa muy fuerte, corriendo justo por encima de los monolitos de roca a una delicada franja de color naranja, que a su vez fluye en un índigo brillante y luego en un azul profundo y oscuro. El primer plano de la pintura al óleo de Stonehenge es simple y se centra principalmente en el reflejo de la estructura neolítica en una especie de charco de lluvia. Esto le da a la pintura de Stonehenge algo juguetón, algo místico. La pintura al óleo “Stonehenge” es una de las obras más conocidas en Internet y se destaca por su composición de color única. Mediante el uso de técnicas de pintura muy diferentes (pincel, espátula y transiciones fluidas), el trabajo de inspiración impresionista crea una gran profundidad y expresividad. La pintura al óleo de Seebauer en Stonehenge es una de las pinturas paisajísticas más conocidas sobre el tema. Etiquetas: Stonehenge, Pintura al óleo, Pintura al óleo, Impresionismo, Realismo, Pintura mística del paisaje, Círculos de piedra, Pre-astronáutica, Paleo-SETI, Complejo del templo, Obra de arte,

Картина маслом: Стоунхендж

Эта известная картина маслом устанавливает монолитные породы Стоунхенджа, окрашенные в теплую охру, в волшебном фоне, который исходит от розового до глубокого синего. Художник дает Стоунхенджу с шпателем грубую, скалистую структуру, которая сияет яркими оттенками в свете последнего солнца. Даже тени массивных валунов не такие темные, как должны быть, но все еще содержат много теплых цветов. С текущими масляными цветами и нежными цветовыми переходами художник придает небу почти сюрреалистический вид. Цвета на горизонте варьируются от бледно-розового до очень сильного розового цвета, бегая чуть выше горных монолитов до тонкой оранжевой полоски, которая, в свою очередь, течет в светящийся индиго, а затем в глубокий темно-синий. На переднем плане мачты Stonehenge просты и сосредоточены главным образом на отражении неолитической структуры в виде лужи дождя. Это придает картине Стоунхенджа что-то игривое, что-то мистическое. Масляная картина «Стоунхендж» является одной из самых известных работ в Интернете и отличается уникальной цветовой композицией. Благодаря использованию самых разных технологий окраски (кисть, шпатель и плавные переходы) впечатляюще вдохновленная работа создает огромную глубину и выразительность. Масляная живопись Seebauer’s Stonehenge является одной из известных пейзажных картин на эту тему. Теги: Стоунхендж, Картина маслом, Картина маслом, Импрессионизм, Реализм, Мистическая пейзажная живопись, Каменные круги, Предастронавтика, Палео-SETI, Храмовый комплекс, Произведение искусства,

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Here we have learned to apply several coats of paint. This creates transparency.

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This wonderfull paintig was made in my art-workshop in the elementary school of Vierkirchen. The age of the children was about 9 years. Congratulations!

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Congratulations to the young artist! Painting

Original Oil Painting: Original-Image-URL highres: http://www.seebauers-world.com/wallpaper/4a_rot.jpg

This great work was done in the elementary school of Vierkirchen. From children who are just 9-10 years old! Congratulations!

Original Oil Painting: Original-Image-URL highres: http://www.seebauers-world.com/wallpaper/4a_blau.jpg

Lonely and beautiful: The Trail to Santiago on the coast near Berria. In the morning I started at the end of the horizon. Now I am standing on a cliff overlooking the Bay of Berria. No people. Unfortunately, I can share this moment with anyone. I am alone.

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Every day people die in Homs. Murdered by their own government. How will it go?

Homs Syrien Ölgemälde

Auf dem Ölgemälde „Homs Syrien“ ist im Vordergrund ein in dunklen Farben gehaltener, bärtiger Mann zu sehen. Er trägt einen anderen, regungslos und obenrum unbekleideten Mann über seiner Schulter aus der Szenerie heraus. Das Gesicht des gehenden Mannes ist nicht zu erkennen. Von dem scheinbar bewusstlosen oder toten Mann kann nur der Hinterkopf gesehen werden. Sie scheinen blutüberströmt. Auf ihrem Weg heraus aus dem Bild müssen sie über einen gelben Boden, der mit markanten schwarzen und roten Pinselstrichen versehen ist, laufen. Der Boden wirkt nahezu bedrohlich: Handelt es sich um Blut? Brennt er? Der Weg auf dem beide sich befinden verläuft sich im Hintergrund und ist gesäumt von Häusern. Es bleibt dem Betrachter überlassen, einzuschätzen, ob es sich dabei um Ruinen handeln könnte. Vor einem Haus auf der linken Bildseite findet sich eine syrische Flagge auf dem Boden. Der Maler macht mit diesem Gemälde auf den Krieg, das Leid und die Verzweiflung der Menschen in Syrien aufmerksam. Wo sind alle anderen Leute auf der Straße? Ist keiner da, um den beiden Männern zu helfen? Genre: Sozialkritische Malerei Technik: Ölfarben auf Leinwand Stil: Realismus/ Impressionismus

Homs Syria Oil Painting

On the oil painting “Homs Syrien” in the foreground is a bearded man, held in dark colors. He wears another, motionless, unclad man over his shoulder out of the scenery. The face of the walking man is not recognizable. From the seemingly unconscious or dead man, only the back of the head can be seen. They seem to be covered in blood. On their way out of the picture they have to walk over a yellow ground, which is marked with black and red brushstrokes. The soil is almost threatening: is it blood? Is he burning? The path on which both are located runs in the background and is lined with houses. It is up to the viewer to assess whether these could be ruins. In front of a house on the left side of the picture is a Syrian flag on the floor. With this painting the painter draws attention to the war, the suffering and the despair of the people in Syria. Where are all the other people on the street? Is no one there to help the two men? Genre: Social Critical Painting Technique: oil paints on canvas Style: Realism / Impressionism

Homs Syrie Peinture à l’huile

Sur la peinture à l’huile “Homs Syrien” au premier plan est un homme barbu, tenu dans des couleurs sombres. Il porte un autre homme, immobile, non drapé sur son épaule hors du paysage. Le visage de l’homme qui marche n’est pas reconnaissable. De l’homme apparemment inconscient ou mort, seul l’arrière de la tête peut être vu. Ils semblent être couverts de sang. En sortant de l’image, ils doivent marcher sur un sol jaune, marqué par de saisissants coups de pinceau noirs et rouges. Le sol est presque menaçant: est-ce du sang? Est-ce qu’il brûle? Le chemin sur lequel les deux sont situés court en arrière-plan et est bordé de maisons. Il appartient au spectateur d’évaluer si ceux-ci pourraient être des ruines. En face d’une maison sur le côté gauche de l’image est un drapeau syrien sur le sol. Avec ce tableau, le peintre attire l’attention sur la guerre, la souffrance et le désespoir du peuple syrien. Où sont toutes les autres personnes dans la rue? Personne n’est là pour aider les deux hommes? Genre: Peinture critique sociale Technique: peintures à l’huile sur toile Style: Réalisme / Impressionnisme

Homs Syria Oil Painting

Sul dipinto a olio “Homs Syrien” in primo piano c’è un uomo barbuto, tenuto in colori scuri. Indossa un altro uomo, nudo e immobile, sopra la spalla, fuori dallo scenario. Il volto dell’uomo che cammina non è riconoscibile. Dall’uomo apparentemente incosciente o morto, si vede solo la parte posteriore della testa. Sembrano coperti di sangue. Mentre escono dall’immagine, devono camminare su un terreno giallo, che è segnato da impressionanti pennellate nere e rosse. Il terreno è quasi minaccioso: è sangue? Sta bruciando? Il percorso su cui si trovano entrambi corre sullo sfondo ed è fiancheggiato da case. Spetta allo spettatore valutare se queste potrebbero essere rovine. Di fronte a una casa sul lato sinistro della foto c’è una bandiera siriana sul pavimento. Con questo dipinto il pittore richiama l’attenzione sulla guerra, la sofferenza e la disperazione della gente in Siria. Dove sono tutte le altre persone per la strada? Nessuno è lì per aiutare i due uomini? Genere: Pittura critica sociale Tecnica: colori ad olio su tela Stile: Realismo / Impressionismo

Pintura al óleo Homs Siria

En la pintura al óleo “Homs Syrien” en el primer plano es un hombre barbudo, celebrado en colores oscuros. Viste a otro hombre, inmóvil y sin ropa, por encima del hombro, fuera del escenario. La cara del hombre que camina no es reconocible. Del hombre aparentemente inconsciente o muerto, solo se ve la parte posterior de la cabeza. Parecen estar cubiertos de sangre. Al salir de la imagen, tienen que caminar sobre un suelo amarillo, que está marcado con llamativas pinceladas negras y rojas. El suelo es casi amenazante: ¿es sangre? ¿Está quemando? La ruta en la que ambos se encuentran se ejecuta en segundo plano y está bordeada de casas. Depende del espectador evaluar si pueden ser ruinas. Delante de una casa en el lado izquierdo de la imagen hay una bandera siria en el piso. Con esta pintura, el pintor llama la atención sobre la guerra, el sufrimiento y la desesperación de la gente en Siria. ¿Dónde están todas las otras personas en la calle? ¿Nadie está allí para ayudar a los dos hombres? Género: Pintura Social Crítica Técnica: pinturas al óleo sobre lienzo Estilo: Realismo / Impresionismo

Хомс Сирия Картина маслом

На масляной живописи «Хомс Сириен» на переднем плане изображен бородатый мужчина, тёмный цвет. Он носит другого, неподвижного, раздетым мужчину через плечо из-за декораций. Лицо гуляющего человека не узнаваем. Из кажущегося бессознательного или мертвого человека можно видеть только заднюю часть головы. Кажется, они покрыты кровью. Выйдя из картины, они должны пройти по желтой земле, которая отмечена яркими черными и красными мазками. Почва почти угрожает: это кровь? Он горит? Путь, на котором расположены оба, работает в фоновом режиме и выложен домами. Это зависит от того, могут ли они быть руинами. Перед домом на левой стороне картины находится сирийский флаг на полу. С этой живописью художник обращает внимание на войну, страдания и отчаяние людей в Сирии. Где все остальные люди на улице? Разве никто не может помочь двум мужчинам? Жанр: Социальная критическая живопись Техника: масляные краски на холсте Стиль: Реализм / Импрессионизм

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Burnout. That was my way. Shortly after Pobena on the Atlantic coast I caught up with depression. The St James leads up a steep staircase here. Directly on the rock cliffs. Then he disappears into a small tunnel

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At some point the money is concentrated. The game makes no sense. Almost like real life.

Game Over Ölgemälde

Auf dem Ölgemälde „Game Over“ sind in Frontalansicht zwei Protagonisten, ein älterer Mann und eine jüngere Frau, zu sehen. Der Künstler hat sie hinter einem Tisch, auf dem der Ausschnitt eines Monopolyspiels zu sehen ist, platziert. Während der Mann den Kopf mit der Hand abstützt und fast gelangweilt auf das Spiel blickt, wirkt die Frau, die gerade gewürfelt hat, höchst angestrengt. Sie greift nach ihrem Spielstein, der vor einem „Fragezeichen“-Feld steht. Im Hintergrund der beiden Protagonisten befinden sich übergroße Balken. Sie sind in dunklen Farben gehalten und wirken nahezu bedrohlich. Die gleichen Balken, nur viel kleiner, finden sich vor dem älteren Mann auf dem Tisch liegend. Handelt es sich hierbei um sein gewonnenes Geld? Weiß er, dass er seiner Mitspielerin überlegen ist? Und wie viele Mitspieler gibt es eigentlich? Letztendlich scheint es so, als wüsste er, dass er gewinnen würde. Er ist gelangweilt, da er weiß, dass doch die Reichen letztlich reicher und die Armen ärmer werden.

Der Künstler stellt diese Gesetzmäßigkeit in unserer kapitalistischen Gesellschaft in bedrohlich wirkenden Farben in Frage.

Genre: Umweltkritische Malerie/ sozialkritische Malerei Technik: Ölfarben auf Leinwand Stil: Realismus/ Impressionismus

Game Over Oil Painting

On the oil painting “Game Over” two protagonists, an older man and a younger woman, can be seen in frontal view. The artist has placed her behind a table on which the cutout of a monopoly play can be seen. While the man supports his head with his hand and looks at the game almost bored, the woman who has just rolled looks most strained. She reaches for her token, which stands in front of a “question mark” field. In the background of the two protagonists are oversized beams. They are in dark colors and seem almost threatening. The same bars, only much smaller, can be found lying on the table in front of the older man. Is this about his money? Does he know that he is superior to his teammate? And how many players are there? Ultimately, it seems he knows he would win. He is bored because he knows that the rich eventually become richer and the poor get poorer. The artist questions this legitimacy in our capitalist society in threatening colors. Genre: Environmental Critical Painting / Sociocritical Painting Technique: oil paints on canvas Style: Realism / Impressionism

Game Over Peinture à l’huile

Sur la peinture à l’huile “Game Over” deux protagonistes, un homme plus âgé et une femme plus jeune, peuvent être vus en vue frontale. L’artiste l’a placée derrière une table sur laquelle on peut voir la découpe d’une pièce de monopole. Tandis que l’homme soutient sa tête avec sa main et regarde le jeu presque s’ennuyer, la femme qui vient de rouler semble la plus tendue. Elle cherche son jeton, qui se trouve devant un champ “point d’interrogation”. Dans le fond des deux protagonistes sont des poutres surdimensionnées. Ils sont dans des couleurs sombres et semblent presque menaçants. Les mêmes barres, seulement beaucoup plus petites, peuvent être trouvées sur la table en face de l’homme plus âgé. Est-ce son argent? Sait-il qu’il est supérieur à son coéquipier? Et combien de joueurs y a-t-il? En fin de compte, il semble qu’il sait qu’il gagnerait. Il s’ennuie parce qu’il sait que les riches finissent par devenir plus riches et que les pauvres deviennent plus pauvres. L’artiste questionne cette légitimité dans notre société capitaliste sous des couleurs menaçantes. Genre: Peinture critique d’environnement / Peinture sociocritique Technique: peintures à l’huile sur toile Style: Réalisme / Impressionnisme

Game Over Oil Painting

Sul dipinto a olio “Game Over” due protagonisti, un uomo più anziano e una donna più giovane, possono essere visti in vista frontale. L’artista l’ha collocata dietro un tavolo su cui è possibile vedere il ritaglio di un gioco di monopolio. Mentre l’uomo appoggia la testa con la mano e guarda il gioco quasi annoiato, la donna che ha appena rotolato sembra molto tesa. Prende il suo gettone, che si trova di fronte a un campo “punto interrogativo”. Sullo sfondo i due protagonisti sono travi sovradimensionate. Sono in colori scuri e sembrano quasi minacciosi. Le stesse barre, solo molto più piccole, si trovano sul tavolo di fronte all’uomo più anziano. E ‘questo il suo denaro? Sa che è superiore al suo compagno di squadra? E quanti giocatori ci sono? Alla fine, sembra che sappia che vincerebbe. È annoiato perché sa che i ricchi alla fine diventano più ricchi e i poveri diventano più poveri. L’artista mette in dubbio questa legittimità nella nostra società capitalista con colori minacciosi. Genere: Pittura critica ambientale / Pittura sociocritica Tecnica: colori ad olio su tela Stile: Realismo / Impressionismo

Game Over Oil Painting

En la pintura al óleo “Game Over” dos protagonistas, un hombre mayor y una mujer más joven, se pueden ver en la vista frontal. La artista la colocó detrás de una mesa en la que se puede ver el recorte de una obra de monopolio. Mientras que el hombre sostiene su cabeza con la mano y mira el juego casi aburrido, la mujer que acaba de rodar se ve más tensa. Ella busca su ficha, que se encuentra frente a un campo de “signo de interrogación”. En el fondo de los dos protagonistas son los rayos de gran tamaño. Están en colores oscuros y parecen casi amenazantes. Las mismas barras, mucho más pequeñas, se pueden encontrar sobre la mesa frente al hombre mayor. ¿Es este su dinero? ¿Él sabe que él es superior a su compañero de equipo? ¿Y cuántos jugadores hay? En última instancia, parece que sabe que él ganaría. Está aburrido porque sabe que los ricos eventualmente se vuelven más ricos y los pobres cada vez más pobres. El artista cuestiona esta legitimidad en nuestra sociedad capitalista en colores amenazantes. Género: Pintura crítica ambiental / Pintura sociocrítica Técnica: pinturas al óleo sobre lienzo Estilo: Realismo / Impresionismo

Игра над масляной живописи

На масляной живописи «Игра поверх» видны две главные герои, пожилой мужчина и молодая женщина. Художник поместил ее за стол, на котором можно увидеть вырез монопольной игры. Пока мужчина поддерживает свою голову рукой и смотрит на игру почти скучно, женщина, которая только что свернулась, выглядит наиболее напряженной. Она достигает своего знака, который стоит перед полем «вопросительный знак». На заднем плане двух главных героев – негабаритные лучи. Они находятся в темных тонах и кажутся почти угрожающими. Те же самые бары, только намного меньшие, можно найти лежащими на столе перед пожилым человеком. Это его деньги? Знает ли он, что он превосходит своего товарища по команде? И сколько игроков есть? В конечном счете, кажется, он знает, что он победит. Ему скучно, потому что он знает, что богатые со временем становятся богаче, а бедные становятся беднее. Художник ставит под сомнение эту легитимность в нашем капиталистическом обществе в угрожающих цветах. Жанр: Экологическая критическая живопись / Социокритическая живопись Техника: масляные краски на холсте Стиль: Реализм / Импрессионизм

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Thank You for Your help!

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I just painted my grandfather, who yesterday, on 25 March 2012, died 99 years ago.

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text follows

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Still on the outskirts of the village it is: The dream of Tapia hostel! All alone she stands on a cliff surrounded by greenery and right on the precipice. A wonderful theme for painting.

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The detour is the best way to proceed. At St. James, I am lost again soon after Comillas. I followed the little river estuary, Tina Menor. And I discovered this picturesque setting

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In the evening sun appears the Taj Mahal for a short time entirely in Indian yellow and orange. The color Indian Yellow is real. She is from India and has been used for centuries in the South Asian painting. In my color palette, I’ve based this on the old color.

Meanwhile, one of the most famous oil paintings of the Taj Mahal around the world! This work is often copied and reproduced in China and is not missing in any internet collection. But there is only one original oil painting.

Bollywood Blockbuster: Ho Gaya Hai Mera Dil Patanga

original oil painting by christian seebauer

Dil Patanga

DIL PATANGA Release on 18th August 2017 Starring: Anupam Chauhan, Vani Sharma Produced by – Anirudha Chauhan Directed by:- Sachin Chauhan. Story by:- Sachin Chauhan Screenplay & Dialogue:- Sachin Chauhan Music by:- Souvyk Chakraborty Editor by:- Studio Ha, Prasad Acharya Release by:- Big Curtains Media Pvt. Ltd. – Shakeel Hashmi.

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At the Urubamba River begins the Inca Trail. The goal is Machu Picchu. Here at 2,400 meters height is this fabulous view of the mystical city of ruins. For once I have painted with acrylics.

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Stonehenge defies wind and weather for thousands of years. It is still not revealed any secret. Stonehenge connects heaven and earth. The astronomical and calendrical observations are an eternal cycle. Stonehenge is built circular, like my paintings. (Exceptionally, in acrylic)

Expressionismus/ Gemälde: Stonehenge

Stonehenge zählt zu den geheimnisvollsten und auch schönsten Orten auf dieser Welt. In mehreren Werken widmet sich der deutsche Künstler Christian Seebauer der steinzeitlichen Kultstätte und bannt dessen Faszination auf Leinwand. Das Gemälde „Magic Stonehenge“ setzt die Kultstätte quasi direkt in eine übergroße untergehende Sonne, in der die Felsmonolithen wie von sich aus heraus leuchten. Was eigentlich ein Widerspruch in der Fotografie des Gegenlichts wäre, setzt der Künstler so selbstverständlich mit einer Leichtigkeit zusammen, als wäre alles halbtransparent und miteinander vollkommen verbunden. Genau das aber ist vielleicht auch der tiefere Sinn der Kultstätte Stonehenge: Das Universum mit dem Irdischen zu verbinden. Die Sonne in das Zentrum des Lebens zu holen, sie zu verehren. Die Sonnenwende zu verstehen, sie in Zeit-überdauernden Kunstwerken zu verewigen! Das Göttliche mit dem Irdischen in Einklang zu bringen. Darum scheint es auch in diesem harmonischen Stonehenge-Gemälde zu gehen: Das Universum auf die Erde zu spiegeln. Anstatt die Erde grün oder wenigstens braun zu malen, greift der Künstler zu einer drastischen Verfremdung des Bodens. Er wählt Tiefblau – die Farbe des Schattens – als Vordergrundfarbe für sein Werk. Und dennoch ist der Vordergrund keinesfalls nur blau. Das Blau ist grob gespachtelt und lässt das reine Orange durchkommen. All das sieht aus, wie ein riesiger Ozean mit Wellen, der Stonehenge von unten sanft zu umspülen scheint, während im oberen Teil die Sonne Stonehenge durchleuchtet. Dem Künstler gelingt es mit gewählten Abstraktionen und gespachtelter Dynamik, dem Stonhenge-Gemälde eine sagenhafte Ausdruckskraft und eine unglaubliche Einzigartigkeit zu verleihen. Man mag die Farben auf Anhieb mögen, oder eben nicht. Das Werk ist in seiner Gegensätzlichkeit, aber auch in seiner Kombination ein Werk, welches beides gleichermaßen ausdrückt: Innere Unruhe und Zerrissenheit. Und andererseits das Vermögen, exakt diesen vergänglichen Moment so auf Leinwand zu bannen, als wäre all das einem Fotoapparat in einer einzigen Hundertstel Sekunde entsprungen. So wird dieses Gemälde von Stonehenge vor allem ein Werk, welches die Sekunde, das hier und jetzt in krassen Gegensatz zu Jahrtausenden Menschheitsgeschichte setzt. Ein Gemälde voller Widersprüche. Und ein Gemälde voller Reinheit. Das Mystic Stonehenge zählt heute im Internet weltweit zu den bekanntesten Werken seiner Art.

Expressionism / Painting: Stonehenge

Stonehenge is one of the most mysterious and beautiful places in the world. In several works, the German artist Christian Seebauer dedicates himself to the Stone Age cult site and banishes its fascination with canvas. The painting “Magic Stonehenge” sets the place of worship almost directly into an oversized setting sun, in which the rock monoliths shine as if by themselves. What is actually a contradiction in the photography of the backlight, the artist assembles so easily with a lightness, as if everything were semi-transparent and completely interconnected. But this is perhaps also the deeper meaning of the place of worship Stonehenge: To connect the universe with the earthly. To bring the sun into the center of life, to worship it. To understand the solstice, to perpetuate it in time-lasting works of art! To reconcile the divine with the earthly. That’s why it seems to go in this harmonic Stonehenge painting: The universe to reflect on the earth. Instead of painting the earth green or at least brown, the artist takes to a drastic alienation of the soil. He chooses Deep Blue – the color of the shadow – as the foreground color for his work. And yet, the foreground is by no means just blue. The blue is roughly leveled and lets the pure orange get through. All this looks like a huge ocean of waves, the Stonehenge seems to gently leach from below, while in the upper part the sun shines through Stonehenge. With selected abstractions and smooth dynamics, the artist succeeds in giving the Stonhenge painting a fabulous expressiveness and unbelievable uniqueness. You may like the colors straight away or not. In its contrariness, but also in its combination, the work is a work that expresses both equally: inner unrest and turmoil. And on the other hand, the ability to capture precisely that ephemeral moment on canvas, as if all this had sprung from a camera in a single hundredth of a second. Thus, this Stonehenge painting above all becomes a work which sets the second, here and now, in stark contrast to millennia of human history. A painting full of contradictions. And a painting full of purity. The Mystic Stonehenge is one of the best known works of its kind on the Internet today.

Expressionnisme / Peinture: Stonehenge

Stonehenge est l’un des endroits les plus mystérieux et beaux du monde. Dans plusieurs œuvres, l’artiste allemand Christian Seebauer se consacre au site du culte de l’âge de pierre et bannit sa fascination pour la toile. Le tableau “Magic Stonehenge” place le lieu de culte presque directement dans un soleil couchant surdimensionné, dans lequel les monolithes de roche brillent comme par eux-mêmes. Ce qui est en réalité une contradiction dans la photographie du contre-jour, l’artiste s’assemble si facilement avec une légèreté, comme si tout était semi-transparent et complètement interconnecté. Mais c’est peut-être aussi le sens le plus profond du lieu de culte Stonehenge: relier l’univers au terrestre. Pour amener le soleil au centre de la vie, pour l’adorer. Comprendre le solstice, le perpétuer dans des œuvres d’art durables! Réconcilier le divin avec le terrestre. C’est pourquoi il semble aller dans cette peinture harmonique de Stonehenge: L’univers pour réfléchir sur la terre. Au lieu de peindre la terre en vert ou au moins en brun, l’artiste prend une aliénation drastique du sol. Il choisit Deep Blue – la couleur de l’ombre – comme couleur de premier plan pour son travail. Et pourtant, le premier plan n’est pas seulement bleu. Le bleu est à peu près nivelé et laisse passer l’orange pure. Tout cela ressemble à un énorme océan de vagues, le Stonehenge semble doucement filtrer par le bas, tandis que dans la partie supérieure, le soleil brille à travers Stonehenge. Avec des abstractions choisies et une dynamique douce, l’artiste réussit à donner à la peinture de Stonhenge une expressivité fabuleuse et une unicité incroyable. Vous pouvez aimer les couleurs tout de suite ou non. Dans sa contrariété, mais aussi dans sa combinaison, le travail est un travail qui exprime à la fois de manière égale: l’agitation intérieure et la tourmente. Et d’autre part, la capacité de capturer précisément ce moment éphémère sur la toile, comme si tout cela avait surgi d’une caméra en un centième de seconde. Ainsi, cette peinture de Stonehenge devient avant tout une œuvre qui fixe la seconde, ici et maintenant, en contraste frappant avec les millénaires de l’histoire humaine. Une peinture pleine de contradictions. Et une peinture pleine de pureté. Le Mystic Stonehenge est l’une des œuvres les plus connues de ce genre sur Internet aujourd’hui.

Espressionismo / Pittura: Stonehenge

Stonehenge è uno dei luoghi più misteriosi e più belli del mondo. In diverse opere, l’artista tedesco Christian Seebauer si dedica al sito cultuale dell’età della pietra e bandisce il suo fascino con la tela. Il dipinto “Magic Stonehenge” è il luogo di culto o meno direttamente in un grande sole al tramonto, nei monoliti di roccia come sulle sue luci spente. Ciò che in realtà è una contraddizione nella fotografia del controluce, l’artista si assembla così facilmente con una leggerezza, come se tutto fosse semitrasparente e completamente interconnesso. Ma questo è forse anche il significato più profondo del luogo di culto di Stonehenge: connettere l’universo con il terreno. Portare il sole nel centro della vita, adorarlo. Per capire il solstizio, per perpetuarlo in opere d’arte che durano nel tempo! Per riconciliare il divino con il terreno. Ecco perché sembra andare in questo armonioso dipinto di Stonehenge: l’universo per riflettere sulla terra. Invece di dipingere la terra verde o almeno marrone, l’artista porta a una drastica alienazione del suolo. Sceglie Deep Blue – il colore dell’ombra – come colore di primo piano per il suo lavoro. Eppure, il primo piano non è affatto blu. Il blu è approssimativamente livellato e lascia passare l’arancione puro. Tutto questo sembra un enorme oceano di onde, Stonehenge sembra lisciviare delicatamente dal basso, mentre nella parte superiore il sole splende attraverso Stonehenge. l’artista riesce con astrazioni eletti e le dinamiche innescate, i dipinti Stonhenge conferiscono un’espressività straordinaria e un’unicità incredibile. Potresti apprezzare i colori immediatamente o no. Nella sua contrarietà, ma anche nella sua combinazione, il lavoro è un’opera che esprime allo stesso modo: l’inquietudine interiore e il tumulto. E d’altra parte, la capacità di catturare esattamente quel momento fugace sulla tela, come se tutto ciò fosse nato da una macchina fotografica in un solo centesimo di secondo. Quindi, questo dipinto di Stonehenge diventa soprattutto un’opera che stabilisce il secondo, qui ed ora, in netto contrasto con millenni di storia umana. Un dipinto pieno di contraddizioni. E un dipinto pieno di purezza. Mystic Stonehenge è oggi una delle opere più note del suo genere su Internet.

Expresionismo / Pintura: Stonehenge

Stonehenge es uno de los lugares más misteriosos y bellos del mundo. En varias obras, el artista alemán Christian Seebauer se dedica al sitio de culto de la Edad de Piedra y destierra su fascinación por el lienzo. La pintura “Magic Stonehenge” establece el lugar de culto casi directamente en un sol poniente de gran tamaño, en el que los monolitos de roca brillan como si estuvieran solos. Lo que en realidad es una contradicción en la fotografía de la luz de fondo, el artista se ensambla tan fácilmente con una ligereza, como si todo fuera semitransparente y estuviera completamente interconectado. Pero este es quizás también el significado más profundo del lugar de culto Stonehenge: para conectar el universo con lo terrenal. Para llevar el sol al centro de la vida, para adorarlo. ¡Para entender el solsticio, perpetuarlo en obras de arte duraderas! Para reconciliar lo divino con lo terrenal. Es por eso que parece ir en esta pintura armónica de Stonehenge: el universo para reflexionar sobre la tierra. En lugar de pintar la tierra verde o al menos marrón, el artista lleva a una drástica alienación del suelo. Elige Deep Blue, el color de la sombra, como color de primer plano para su trabajo. Y, sin embargo, el primer plano no es solo azul. El azul está aproximadamente nivelado y deja pasar la naranja pura. Todo esto parece un enorme océano de olas, el Stonehenge parece filtrarse suavemente desde abajo, mientras que en la parte superior el sol brilla a través de Stonehenge. Con abstracciones seleccionadas y una dinámica fluida, el artista logra darle a la pintura de Stonhenge una fabulosa expresividad y una singularidad increíble. Es posible que te gusten los colores de inmediato o no. En su contrariedad, pero también en su combinación, el trabajo es un trabajo que expresa ambos por igual: inquietud interna y agitación. Y, por otro lado, la capacidad de capturar precisamente ese momento efímero sobre lienzo, como si todo esto hubiera surgido de una cámara en una centésima de segundo. Por lo tanto, esta pintura de Stonehenge se convierte por encima de todo en una obra que establece el segundo, aquí y ahora, en marcado contraste con milenios de la historia humana. Una pintura llena de contradicciones. Y una pintura llena de pureza. Mystic Stonehenge es una de las obras más conocidas de este tipo en Internet hoy en día.

Экспрессионизм / живопись: Стоунхендж

Стоунхендж – одно из самых загадочных и красивых мест в мире. В нескольких работах немецкий художник Кристиан Сибауэр посвящает себя культовому месту каменного века и предает его увлечение холстом. Картина «Волшебный Стоунхендж» ставит место поклонения почти непосредственно в заброшенное заходящее солнце, в котором скальные монолиты сияют как бы сами собой. То, что на самом деле является противоречием в фотографии подсветки, художник так легко легко с легкостью, как будто все полупрозрачно и полностью взаимосвязано. Но это, возможно, также более глубокий смысл места поклонения Стоунхендж: Соединить вселенную с земным. Принести солнце в центр жизни, поклониться ему. Чтобы понять солнцестояние, увековечить его во временных произведениях искусства! Согласовать божественное с земным. Вот почему это похоже на эту гармоничную картину Стоунхенджа: Вселенная, чтобы отразиться на земле. Вместо того, чтобы рисовать землю зеленой или, по крайней мере, коричневой, художник принимает к резкому отчуждению почвы. Он выбирает Deep Blue – цвет тени – как цвет переднего плана для своей работы. И все же, передний план отнюдь не просто синий. Синий грубо выровнен и пропускает чистый апельсин. Все это выглядит как огромный океан волн, Стоунхендж, кажется, мягко выщелачивается снизу, в то время как в верхней части солнце сияет через Стоунхендж. С избранными абстракциями и гладкой динамикой художник преуспевает в том, чтобы придать живописи Stonhenge невероятную выразительность и невероятную уникальность. Вам могут понравиться цвета сразу или нет. В своем противоречии, но также и в его сочетании, работа – это работа, которая выражается как одинаково: внутренние беспорядки и беспорядки. А с другой стороны, способность фиксировать именно этот эфемерный момент на холсте, как будто все это возникло из камеры за одну сотую секунды. Таким образом, эта картина Стоунхенджа прежде всего превращается в произведение, которое устанавливает второе, здесь и сейчас, в суровом контрасте с тысячелетиями человеческой истории. Картина полна противоречий. И картина полная чистоты. Mystic Stonehenge – одна из самых известных работ такого рода в Интернете сегодня.

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Nothing is more powerful for me than this one brief moment. Here, near Viareggio, I often was when I was studying in Perugia. A lovely student from Somalia said: The sun is as big as your heart is open. The sunset calls them in their native language Swahili: Jioni katika!

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The Wideness of Toscany Lavender Fields is amazing. In the Background, everything merges. In front of the Picture You see the structure of lavender fields, like they also was a hundred years ago

Ein typisches Toskanamotiv, imprssionistisch und farbgewaltig umgesetzt

Dieses Ölgemälde hat einen einzigartig hohen Wiedererkennungswert und erfüllt auf den ersten Blick alle Klischees, die man sich von einem bekannten Toskana Ölgemälde erwarten würde. Alte, idyllische Steinhäuser verschmelzen in der Ferne mit dem orangefarbenen Horizont. Zypressen in mittleren Bildebene nehmen den Betrachter mit auf den Weg durch die Abendstimmung in der Toskana. Der Vordergrund nimmt fast nach dem goldenen Schnitt einen Großteil des Ölbildes ein. Die wilden rot und purpurfarbenen Piselstriche deuten Felder an und erinnern an die klassischen Lavendelfeld-Motiv alter Meister. Dabei sind die Farben nicht violett, sondern bordeauxrot, ochsenblutrot und unterlegt von hellern Ockertönen. Die Pflugrichtung der Felder wird durch dynamische Pinselstriche charakterisiert, die den Betrachter in die Tiefe des Landschaftsbilds hineinführen. Erst die mittlere Bildebene mit den romantischen Steinhäusern wird vom Künstler exakter dargestellt, sodass man hier viele schöne Details entdecken kann. Die von links oben nach rechts unten abfallende Horizontlinie gibt dem Ölgemälde eine dramatische Ausdruckskraft und Dynamik. Im Internet zählt dieses Werk zu den bekannteren klassischen Toskana-Ölgemälden.

A typical Tuscan motif, imprssionistically and colorfully implemented

This oil painting has a unique high recognition value and meets at first glance all the clichés that one would expect from a well-known Tuscany oil painting. Old, idyllic stone houses merge in the distance with the orange horizon. Cypresses in the middle picture plane take the viewer on their way through the evening mood in Tuscany. The foreground takes almost the golden section of much of the oil painting. The wild red and purple Pisel strokes indicate fields and remind of the classic lavender field motif of old masters. The colors are not violet, but burgundy, oxblood red and highlighted by lighter shades of ocher. The plowing direction of the fields is characterized by dynamic brushstrokes, which lead the viewer into the depth of the landscape. Only the middle picture plane with the romantic stone houses is represented more exactly by the artist, so that one can discover here many beautiful details. The horizon line descending from top left to bottom right gives the oil painting a dramatic expressiveness and dynamism. On the Internet, this work is one of the better known classic Tuscan oil paintings.

Un tipico motivo toscano, implementato in modo intuitivo e colorato

Questo dipinto ad olio ha un valore unico e alto riconoscimento e incontra a prima vista tutti i cliché che ci si aspetterebbe da una rinomata pittura a olio in Toscana. Antiche e idilliache case di pietra si fondono in lontananza con l’orizzonte arancione. I cipressi nell’aereo centrale della scena portano lo spettatore nel suo viaggio attraverso l’atmosfera della sera in Toscana. Il primo piano occupa quasi la sezione aurea di gran parte della pittura ad olio. I tratti selvaggi di Pisel rosso e viola indicano campi e ricordano il classico motivo di lavanda dei vecchi maestri. I colori non sono viola, ma rosso bordeaux, rosso sangue di bue e sottotono con lievi toni ocra. La direzione dell’aratura dei campi è caratterizzata da pennellate dinamiche che portano lo spettatore nella profondità del paesaggio. Solo l’aereo centrale con le romantiche case di pietra è rappresentato più esattamente dall’artista, in modo che si possano scoprire molti bei dettagli. La linea dell’orizzonte che scende dall’alto a sinistra verso il basso a destra conferisce al dipinto ad olio una espressività drammatica e un dinamismo. Su Internet, questo lavoro è uno dei più noti dipinti a olio toscani classici. Bildbeschreibung von Hans Altmeier

Un motif toscan typique, implémenté de façon impressionniste et colorée

Cette peinture à l’huile a une haute valeur de reconnaissance unique et réunit à première vue tous les clichés que l’on peut attendre d’une célèbre peinture à l’huile toscane. De vieilles maisons en pierre idylliques se confondent au loin avec l’horizon orange. Les cyprès dans l’avion du milieu emmènent le spectateur dans l’ambiance du soir en Toscane. Le premier plan prend presque la section d’or d’une grande partie de la peinture à l’huile. Les traits rouges et violets de Pisel indiquent des champs et rappellent le motif de champ de lavande classique des vieux maîtres. Les couleurs ne sont pas violettes, mais rouge bordeaux, rouge sang de bœuf et sous-tendues de tons ocres clairs. La direction de labour des champs est caractérisée par des coups de pinceau dynamiques, qui conduisent le spectateur dans la profondeur du paysage. Seul le plan moyen avec les maisons en pierre romantiques est représenté plus exactement par l’artiste, de sorte que l’on peut y découvrir beaucoup de beaux détails. La ligne d’horizon descendant de haut en bas à gauche donne à la peinture à l’huile une expressivité et un dynamisme spectaculaires. Sur Internet, ce travail est l’une des peintures à l’huile les plus connues de Toscane.

Un motivo toscano típico implementado de forma imprecisa y colorida

Esta pintura al óleo tiene un alto valor único de reconocimiento y cumple a primera vista con todos los clichés que cabría esperar de una conocida pintura al óleo de Toscana. Casas de piedra antiguas e idílicas se funden en la distancia con el horizonte naranja. Los cipreses en el plano medio de la imagen llevan al espectador en su camino a través del estado de ánimo de la noche en la Toscana. El primer plano toma casi la sección dorada de gran parte de la pintura al óleo. Los trazos de Pisel rojos y morados indican campos y recuerdan el clásico motivo de campo de lavanda de los antiguos maestros. Los colores no son violetas, pero rojo burdeos, rojo sangre de buey y cubierto con tonos ocre claros. La dirección de arado de los campos se caracteriza por pinceladas dinámicas que llevan al espectador a la profundidad del paisaje. Solo el plano del medio plano con las románticas casas de piedra está representado más exactamente por el artista, por lo que uno puede descubrir aquí muchos detalles hermosos. La línea del horizonte que desciende desde la parte superior izquierda a la inferior derecha da a la pintura al óleo una expresividad dramática y dinamismo. En Internet, este trabajo es una de las pinturas al óleo clásicas toscanas mejor conocidas.

Типичный тосканский мотив, imprssionistically и красочно реализованный

Эта масляная живопись имеет уникальную высокую узнаваемость и на первый взгляд встречает все клише, которые можно было бы ожидать от знаменитой масляной живописи Тосканы. Старые, идиллические каменные дома сливаются на расстоянии с оранжевым горизонтом. Кипарисы в средней плоскости рисуют зрителя на своем пути через вечернее настроение в Тоскане. На переднем плане берется почти золотая часть большей части масляной живописи. Дикие красные и пурпурные штрихи Pisel указывают поля и напоминают классический мотив лавандового поля старых мастеров. Цвета не фиолетовые, а бордо красные, бычьи кровяные и подстриженные светлыми охристыми тонами. Направление пахоты полей характеризуется динамическими мазками, которые приводят зрителя в глубину ландшафта. Только средний плоскость изображения с романтическими каменными домами более точно изображен художником, так что здесь можно обнаружить множество красивых деталей. Линия горизонта, опускающаяся сверху слева направо, дает масляной живописи драматическую выразительность и динамизм. В Интернете эта работа является одной из наиболее известных классических картин тосканской живописи.

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A pilgrim in Guernica. Spain. At St. James. Guernica was bombed by the Germans in World War II. Today I’m here. And I have to think much. The people have forgiven us!

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After half an hour agony, the ocean turns red.

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Still whales are killed. Japanese ships. Inscription: Research! What a cynicism!

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For hours it goes into the wilderness. And all of a sudden you are standing here. High above San Sebastian.

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Shortly after the picturesque fishing village Pasaia. The coastal road to San Sebastian. Here I was in 2010 when pilgrims. To Santiago de Compostella. The scenery is spectacular!

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The stage Markina – Cenarruza – Guernica. Only 25 km and 600 meters. However, it has been raining for days. All trails are under water. The pilgrim Ingrid.

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Simply time to dream!

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Grand Canyon, usa, america, nature park, parc national

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This subject I wanted to paint again in size. Here 100 x 100 cm oil paints

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In the late afternoon of the Atlantic is still with me. I have only a few kilometers to pilgrims before me. This sketch I made with ballpoint pen. And now painted finish at home. The St. James will always be remembered.

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The desert is boring? Absolutely not. These rock formations in Jordan were probably once under water. At a time when the continents were still very close.

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An oasis in the Sahara / Algeria. In between peaceful motives, that’s it!

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02:50 Oh Yeah! Torch all of them from 2:52 Come on! 02:57 More shooting shooting, more shooting 03:46 Yes, we have a guy rumkriechen 03:51 We shoot a bit further 04:31 Oh yeah, check out these bastards dead at 4:36 Pretty. 04:47 Geiler shot. 04:48 Yeah! Thank you. 07:36 they collect the wounded one? 07:41 Come on, let’s shoot! 10:56 I think we have all folded. 10:58 That’s right, good thing. 10:59 This is Hotel Two-Six talks. 13:06 Looks like a child. “Over” 13:23 See that big pile of corpses, right, on the corner? 13:24 Yeah, right here. 18:18 Bushmaster Bushmaster Six-Seven 18:29 I think they’re just about a dead body down 18:31 Hey hey! 18:32 Yeah! Untitled

Calendar> Community = “http://collateralmurder.com/ file / transcript-en.txt “> original

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Many conspiracy theories have grown up around the collapse of the World Trade Center. As an artist I take the liberty to refer to the sequence of events, no consideration. In my work burn the towers already are in a flashback during the aircraft just before impact. Was the fate of the World Trade Center and the people already sealed long before? And where did the fire-smoke-damage originate in the lower floors?? More… test

Nine Eleven Oil Painting in high resolution

Faked Thousand times:

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Gondolas in Venice. Everything is still asleep. Only the artist can not!

The Pink Venice Oil Painting is also wellknown as a Design

The Pink Venice Oil Painting in high resolution

Frequently copied in China

Together with Monet and Renoir, one of the most imitated motifs. But there is only one original.

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Sunset in Istanbul. I painted it with my fingers.

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Venice in the evening.

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I can change the world as an individual but not … or maybe it is? The whole time was the solution – my own solution – right before my eyes and I did not see them. If my pictures would hang one day where the decision makers sit, then I could achieve so much more than me that would be possible as a consumer.

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The Mount Kenya / Kilimanjaro. Tanzania. Here in East Africa are still living Grevy zebras true.

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I can change the world as an individual but not … or maybe it is? The whole time was the solution – my own solution – right before my eyes and I did not see them. If my pictures would hang one day where the decision makers sit, then I could achieve so much more than me that would be possible as a consumer.

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Abu Ghraib

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The Great Wall of China (Wànli Chángchéng) is still considered the largest and longest building in the world. According to official Chinese authorities, the total length should be as much as 8,851 km.

The first ramparts are said to have already been built around 214 BC. Originated under the emperor Qin Shihuangdi. In the Jin dynasty, the building was constantly expanded and also led through extremely mountainous areas. In my picture, the Chinese wall follows the natural contour lines in many curves, before finally disappearing in the soft light of the horizon.

For this motif at Jiankou I chose an unusual screen size of 200 x 80 cm and applied many different non-covering layers of paint from back to front.

Ölgemälde mit Motiven aus der Volksrepublik China/ Great Wall Ölgemälde

Beim Blick auf dieses Ölgemälde, weiß der Betrachter sofort, worum es geht: Die Große Mauer von China. Ursprünglich als Schutzmauer erbaut, ist sie heute das Symbol Chinas, das weit über die Landesgrenzen hinaus bekannt ist. Die große Mauer verfügt über zahlreiche Aufstiegspunkte und das Gemälde vermittelt dem Betrachtenden den Eindruck, dass er gerade die Mauer erklommen hat. Der Bereich um die Mauer herum ist gesäumt mit Frühlingslaub tragenden Bäumen, die Sonne scheint. Der Betrachter sieht, wie sich die Mauer durch die Landschaft schlängelt und sich weit weg in den Bergen verliert. Die Besonderheit dieses Gemäldes liegt zum einen an der rechteckigen Form, wodurch der Künstler eine beeindruckende Blickweite erzielt. Ein weiteres besonderes Merkmal ist die Verwendung von Ölfarben. Zwar ist auch in China die Darstellung der Großen Mauer ein beliebtes Motiv, jedoch wird in der chinesischen Malerei in der Regel Tusche zum Malen verwendet. Die Darstellung mit Ölfarben kombiniert westliche Maltechnik mit einem typisch chinesischen Motiv. Genre: Landschaftsmalerei China Technik: Ölfarben auf Leinwand Stil: Impressionismus

Oil painting with motifs from the People’s Republic of China / Great Wall oil painting

When looking at this oil painting, the viewer immediately knows what it’s all about: The Great Wall of China. Originally built as a protective wall, today it is the symbol of China, which is known far beyond the country’s borders. The great wall has numerous ascent points and the painting gives the viewer the impression that he has just climbed the wall. The area around the wall is lined with spring-foliage trees, the sun is shining. The viewer sees the wall meandering through the landscape and disappearing far away in the mountains. The peculiarity of this painting is on the one hand on the rectangular shape, which gives the artist an impressive range. Another special feature is the use of oil paints. Although in China, the representation of the Great Wall is a popular motif, but in Chinese painting ink is usually used for painting. The depiction with oil paints combines Western painting technique with a typical Chinese motif. Genre: landscape painting China Technique: oil paints on canvas Style: Impressionism

Peinture à l’huile avec des motifs de la République populaire de Chine / Peinture à l’huile sur la Grande Muraille

En regardant cette peinture à l’huile, le spectateur sait immédiatement de quoi il s’agit: la Grande Muraille de Chine. Construit à l’origine comme un mur de protection, il est aujourd’hui le symbole de la Chine, qui est connue bien au-delà des frontières du pays. La grande muraille a de nombreux points d’ascension et la peinture donne l’impression au spectateur qu’il vient de grimper au mur. La zone autour du mur est bordée de feuillages, le soleil brille. Le spectateur voit le mur qui serpente à travers le paysage et disparaît au loin dans les montagnes. La particularité de cette peinture est d’une part sur la forme rectangulaire, ce qui donne à l’artiste une gamme impressionnante. Une autre caractéristique particulière est l’utilisation de peintures à l’huile. Bien qu’en Chine, la représentation de la Grande Muraille soit un motif populaire, mais dans la peinture chinoise, l’encre est généralement utilisée pour la peinture. La représentation avec des peintures à l’huile combine la technique de peinture occidentale avec un motif chinois typique. Genre: paysage peinture Chine Technique: peintures à l’huile sur toile Style: Impressionnisme

Dipinto ad olio con motivi della Repubblica popolare cinese / Pittura a olio su grande muraglia

Osservando questo dipinto a olio, lo spettatore sa immediatamente di cosa si tratta: la Grande Muraglia cinese. Originariamente costruito come un muro di protezione, oggi è il simbolo della Cina, che è noto ben oltre i confini del paese. La grande parete ha numerosi punti di risalita e il dipinto dà allo spettatore l’impressione di aver appena scalato il muro. L’area intorno al muro è fiancheggiata da alberi con fogliame primaverile, il sole splende. Lo spettatore vede il muro che serpeggia attraverso il paesaggio e scompare lontano tra le montagne. La particolarità di questo dipinto è da un lato nella forma rettangolare, che conferisce all’artista una gamma impressionante. Un’altra caratteristica speciale è l’uso di colori ad olio. Anche se in Cina, la rappresentazione della Grande Muraglia è un motivo popolare, ma nell’inchiostro della pittura cinese viene solitamente usato per la pittura. La raffigurazione con colori ad olio combina la tecnica della pittura occidentale con un tipico motivo cinese. Genere: pittura di paesaggio Cina Tecnica: colori ad olio su tela Stile: impressionismo

Pintura al óleo con motivos de la República Popular de China / pintura al óleo de la Gran Muralla

Al mirar esta pintura al óleo, el espectador inmediatamente sabe de qué se trata: la Gran Muralla de China. Originalmente construido como un muro de protección, hoy es el símbolo de China, que se conoce mucho más allá de las fronteras del país. La gran muralla tiene numerosos puntos de ascenso y la pintura le da al espectador la impresión de que acaba de trepar la pared. El área alrededor de la pared está bordeada de árboles de follaje de primavera, el sol brilla. El espectador ve la pared serpenteando a través del paisaje y desapareciendo muy lejos en las montañas. La peculiaridad de esta pintura es, por un lado, la forma rectangular, que le da al artista un rango impresionante. Otra característica especial es el uso de pinturas al óleo. Aunque en China, la representación de la Gran Muralla es un motivo popular, pero en la pintura china la tinta se usa generalmente para pintar. La pintura con pinturas al óleo combina la técnica de pintura occidental con un motivo chino típico. Género: pintura de paisaje China Técnica: pinturas al óleo sobre lienzo Estilo: Impresionismo

Картина маслом с мотивами из Китайской Народной Республики / Роспись маслом

Когда вы смотрите на эту масляную живопись, зритель сразу же знает, что это такое: Великая китайская стена. Первоначально построенная как защитная стена, сегодня это символ Китая, который известен далеко за пределами страны. У большой стены есть многочисленные точки восхождения, и картина дает зрителю впечатление, что он только что поднялся на стену. В районе вокруг стены выложены деревья весенне-лиственных деревьев, солнце сияет. Зритель видит, как стена извивается сквозь пейзаж и исчезает далеко в горах. Особенностью этой картины является, с одной стороны, прямоугольная форма, которая придает художнику впечатляющий диапазон. Еще одна особенность – использование масляных красок. Хотя в Китае представление Великой китайской стены является популярным мотивом, но в китайской живописи чернила обычно используются для рисования. Изображение с масляными красками сочетает в себе западную технику окраски с типичным китайским мотивом. Жанр: пейзажная живопись Китай Техника: масляные краски на холсте Стиль: Импрессионизм

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See the pyramids and even painting is unique. . Since the 2011 revolution, very few tourists are here and the camel-riders have their income barely
why I have this – for camel drivers previously unknown situation – caught with oil paints: A camel drivers with second unoccupied for days camel. No people far and wide. Only the vastness of the desert, immersed in a golden light
But I’m sure. The tourists will return soon and then maybe push on camel drivers who are a little small, become more humble.

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Here the picture is again shown in false color.

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The French explorer Henri Mouhot discovered Angkor Wat in 1860. I’m thrilled. I want to stay here. The paint I have to!

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Here I am in Ocho Rios. Jamaica. In the Dunn’s River Falls.

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Here in San Genesio (San Genesio / Bolzano), overlooking the rose garden, I got married. Typical of this landscape are beautiful larch forests, changing color in autumn.

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Poppy field oil painting

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Poppy field oil painting

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Poppy field oil painting

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Crocodiles and birds are the living ancestors of the dinosaurs.

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A forest can be like a wall. But if you can imagine after all the trees and other light colors, then it draws a scene in the spell. What will be behind it?

The background have devoted my full attention, because he opposes the dense green of its natural Konträrfarben. Although we no longer see the forest for the trees, you can see into him. Here is life in it – even to the painter.

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Above the clouds, which must probably be boundless freedom …
the views of such a coastal landscape, I know of many flights. The horizon melts at infinity. Roads run through the ground far below, just as narrow lines. Also, they disappear in the distance. Fields in structures and bays are strung together like pearls.

Here hover above the absolute silence that is only granted to very few organisms. Updrafts guess, use thermals and currents to glide. Even in sleep, this bird can still turn his rounds, because alternate both hemispheres.

All this is probably a world unto itself. Can a world that can only dream about, or just paint.

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Venice – a stormy evening in late autumn. This painting is a combination of colors without green or blue. A yellow, light-filled sky against severe, almost purple clouds.

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From Koh Samui and Koh Phangan (Thailand) is just a few hours, the Ang Thong Marine National Park. The 42 green limestone islands form a stunning landscape.
Here on the island of Ko Mae Ko every time I went up to the summit (about . 250 meters). Up here, there is not only the look of the archipelago, but also a kind ” Crater Lake , Talay Nai to, makes the perfect backdrop.

The Ang Thong Marine National Parc Oil Painting is also wellknown as a Design

The Ang Thong Oil Painting in high resolution

The Ang Thong Oil Painting used as copy by Tourist Offices, Hotels and Internet Plattforms

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The castle of Sirmione – an evening mood that I wanted to capture with quick, vigorous strokes in rich, vibrant colors.

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A house high above the Ligurian coast. On the ancient Via Aurelia. After Genoa towards La Spezia. Up here there is also a nice trail. Quiet and contemplative. On this subject I was interested in looking into the distance.

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Tuscany. Vacation. Hiking. Paint!

Agricultura Toscana Oil Painting in high resolution

Wellknown

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The original can be in the background the silhouette of Lampedusa still visible. Completely overloaded and inhuman conditions when the young men their escape. The Man Overboard can be seen while in the spotlight of the helicopter, whether he is saved, however, is an entirely different matter. Your old boat has little chance to reach the island safely.
Mitreden auf meinem Blog in der TAZ

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Dear Website visitors,
my world exists of images and colors. Vivacious oil paintings (eg mystical landscapes), but also environmental and social-critical works. As an artist. I would like to lead you through my world and hope you enjoy it
Christian Seebauer

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Workup means lead before the eyes – to confront and talk about. This picture is dedicated to the victims of abuse cases. Remain silent out of fear, captured on canvas. For this image I have only the color Prussian blue, ultramarine and titanium white used. More, it also does not need.

Das Schweigen der Opfer Ölgemälde

Das Gemälde „Das Schweigen der Opfer“ zieht den Betrachter sofort in seinen Bann. In kalten und bedrohlichen Blau- und Schwarztönen erhebt sich im Bildhintergrund ein übergroßer Sakralbau. Er erscheint auf den ersten Blick wie ein heidnischer Tempel, doch mit einem Jesuskreuz an der Spitze. Vor den Pforten des Baus steht ein großer, buckliger alter Mann in der charakteristischen Bekleidung eines Pfarrers. Vor ihm, in seinem rechten Arm steht ein junges Mädchen, viel kleiner als er. Sie blickt respektvoll, aber auch angsterfüllt zu ihm auf. Die linke Hand des Pfarrers weist, bei genauerer Betrachtung, auf den oben links im Bild hereinbrechenden, gleißenden Blitz. Durch die monumentale Darstellung des Sakralbaus, die bedrohlich düstere Farbgebung und den angsterfüllten Blick des Mädchens springen die Emotionen, die dieser kleine Mensch fühlen muss, direkt auf den Betrachter über. Wird sie sich jemals trauen, das Leid, dass ihr vor den Augen des Herrn angetan wurde, anzuzeigen? Wird sie jemals darüber sprechen können? Vielleicht werden sich ihre Hilfeschreie und ihre Erfahrungen aber auch einfach in der Dunkelheit und Leere der Nacht verlieren. Genre: Sozialkritische Malerei, Kindesmißbrauch, Thematisiert: Sexueller Missbrauch in der römisch-katholischen Kirche Technik: Ölfarben auf Leinwand Stil: Expressionistisch

The silence of the victims oil painting

The painting “The silence of the victims” immediately captivates the viewer. In cold and menacing blue and black tones, an oversized sacred building rises in the background. He appears at first glance like a pagan temple, but with a Jesus cross at the top. In front of the gates of the building stands a tall, hunchbacked old man in the characteristic attire of a pastor. In front of him, in his right arm, stands a young girl, much smaller than he. She looks up to him respectfully, but also full of fear. The pastor’s left hand points, on closer inspection, to the glittering lightning bursting in the upper left corner of the picture. The monumental portrayal of the sacred building, the ominous gloomy coloring and the fearful look of the girl, the emotions that this little human being has to feel jump directly to the viewer. Will she ever dare to announce the suffering that was done to her in the eyes of the Lord? Will she ever talk about it? Or maybe their cries for help and their experiences will simply be lost in the darkness and emptiness of the night. Genre: Sociocritical Painting, Child Abuse, Themed: Sexual abuse in the Roman Catholic Church Technique: oil paints on canvas Style: Expressionist

Le silence de la peinture à l’huile des victimes

Le tableau “Le silence des victimes” captive immédiatement le spectateur. Dans les tons bleus et noirs froids et menaçants, un bâtiment sacré surdimensionné s’élève à l’arrière-plan. Il apparaît à première vue comme un temple païen, mais avec une croix de Jésus au sommet. Devant les portes du bâtiment se trouve un grand vieillard bossu, vêtu du costume caractéristique d’un pasteur. Devant lui, dans son bras droit, une jeune fille, beaucoup plus petite que lui. Elle lève les yeux respectueusement, mais aussi pleine de peur. L’aiguille gauche du pasteur indique, en y regardant de plus près, les éclairs scintillants qui percent en haut à gauche de l’image. La représentation monumentale du bâtiment sacré, la sombre couleur sinistre et le regard effrayant de la jeune fille, les émotions que ce petit être humain doit ressentir vont directement au spectateur. Osera-t-elle jamais annoncer la souffrance qui lui a été faite aux yeux du Seigneur? En parlera-t-elle jamais? Ou peut-être que leurs appels à l’aide et leurs expériences seront simplement perdus dans l’obscurité et le vide de la nuit. Genre: Peinture sociocritique, Abus d’enfants, Thème: Abus sexuel dans l’Église catholique romaine Technique: peintures à l’huile sur toile Style: expressionniste

Il silenzio della pittura a olio delle vittime

Il dipinto “Il silenzio delle vittime” affascina immediatamente lo spettatore. Nei toni freddi e minacciosi del blu e del nero, un edificio sacro sovradimensionato sorge sullo sfondo. A prima vista appare come un tempio pagano, ma con una croce di Gesù in cima. Di fronte alle porte del palazzo si erge un uomo alto e gobbo con il tipico abbigliamento di un pastore. Di fronte a lui, nel suo braccio destro, c’è una ragazza, molto più piccola di lui. Lo guarda con rispetto, ma anche pieno di paura. La mano sinistra del pastore indica, a un esame più attento, il lampo scintillante che irrompe nella parte superiore sinistra dell’immagine. Il monumentale ritratto dell’edificio sacro, l’inquietante colorazione cupa e lo sguardo pauroso della ragazza, le emozioni che questo piccolo essere umano deve provare a saltare direttamente allo spettatore. Avrà mai il coraggio di annunciare la sofferenza che le è stata fatta agli occhi del Signore? Ne parlerà mai? O forse le loro grida di aiuto e le loro esperienze saranno semplicemente perse nell’oscurità e nel vuoto della notte. Genere: Pittura sociocritica, pedofilia, Tema: abusi sessuali nella Chiesa cattolica romana Tecnica: colori ad olio su tela Stile: espressionista

El silencio de la pintura al óleo de las víctimas

La pintura “El silencio de las víctimas” cautiva inmediatamente al espectador. En tonos azules y negros, amenazantes y fríos, se levanta un gran edificio sagrado de fondo. A primera vista, parece un templo pagano, pero con una cruz de Jesús en la parte superior. Frente a las puertas del edificio se encuentra un anciano alto y jorobado con el atuendo característico de un pastor. Frente a él, en su brazo derecho, se encuentra una niña pequeña, mucho más pequeña que él. Ella lo mira respetuosamente, pero también llena de miedo. La mano izquierda del pastor señala, en una inspección más cercana, el relámpago brillante que se abre en la parte superior izquierda de la imagen. Por la representación monumental del edificio sagrado, el color oscuro que amenaza y la chica asustada ven saltar las emociones que deben sentir este pequeño hombre, directamente al espectador más. ¿Alguna vez se atreverá a anunciar el sufrimiento que le hicieron a los ojos del Señor? ¿Ella alguna vez hablará de eso? O tal vez sus gritos de ayuda y sus experiencias simplemente se perderán en la oscuridad y el vacío de la noche. Género: pintura sociocrítica, abuso infantil, Temáticas: abuso sexual en la Iglesia Católica Romana Técnica: pinturas al óleo sobre lienzo Estilo: expresionista

Тишина масляной живописи жертв

Картина «Тишина жертв» сразу завораживает зрителя. В холодных и угрожающих синих и черных тонах на заднем плане возвышается негарантированное святое здание. Он появляется на первый взгляд, как языческий храм, но с крестом Иисуса наверху. Перед воротами здания стоит высокий, горбатый старик в характерной одежде пастора. Перед ним, в правой руке, стоит молодая девушка, намного меньшая, чем он. Она смотрит на него с уважением, но также полна страха. Левая рука пастора при ближайшем рассмотрении указывает на сверкающую молнию, которая ломается в левом верхнем углу картины. Монументальное изображение священного здания, зловещая мрачная раскраска и страшный вид девушки, эмоции, которые этот маленький человек должен почувствовать, прыгают прямо к зрителю. Будет ли она когда-нибудь осмеливаться объявлять страдания, которые были сделаны ей в глазах Господа? Будет ли она когда-нибудь говорить об этом? Или, может быть, их крики о помощи и их опыте просто будут потеряны в темноте и пустоте ночи. Жанр: Социокритическая живопись, жестокое обращение с детьми, Тематическое: Сексуальное насилие в Римско-католической церкви Техника: масляные краски на холсте Стиль: Экспрессионист

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The coastal road from Agadir. Here I am in Essaouira. Morocco.

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Was inspired by a pine forest (Parque Nacional de Doñana) near San Lucar de Barramedo / Andalucia This image in light of the moon. Many locals come here in the relatively cool forest make for a picnic.

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In Egypt, I have been a lot. Here I paint the landscape of the Nile between Luxor and Aswan.

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A Feluckenfahrt on the Nile is a great experience. As an artist!

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From Baamonde it comes to gorgeous wooded trails in the small sleepy village of Miraz. The sunken road is lined with heather and one can imagine that it could also have been so for centuries.

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C’est pour la de Mariage, Jean Louis-a Bassa. For my pilgrim friend to the wedding. Finally, once a stage without much altitude. Here, shortly after Castro Urdiales: Jean-Louis with too much baggage. On the coast Camino della Costa.

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As a hiker and a painter you are free!

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Overlooking the small harbor town of Zumaia. Wind, rain and cool ocean air whip me all thoughts out of my head. Free for thousands of new impressions.

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The old version of the Camino de Santiago (Küsteneg / Camino de la Costa) along the Atlantic coast is difficult, but incredibly beautiful. Wild cliff scenery – unspoilt, rugged, pristine and lonely. The view from the pilgrims’ hostel in Santa Clara (between San Sebastian and Deba) can forget all the hardships and invites you to dream. Anyone here tired in the last light of sunset comes, can let his emotions run wild. The milestone marks the mussel in the St. James.

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The Road to Santiago by the coast just before Ribadeo, where I wandered with Frenchman Jean-Louis. Chant des Pélerins de Compostela: Tous les matins
nous le chemin prenons tous les matins nous
allons plus loin Jour après jour
la route nous appelle
c’est la voix de Compostella
. Ultreia, Ultreia, et Suseia,
Deus adjuva nos!

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Before long, mountainous stage of Villaviciosa (Asturias), Gijon after I had with my respect for St. James. My sketch shows the coastal path. Middle of the rainy eucalyptus forest. Just before it goes down. After peon. For hiking, it was perfect that day.

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Every day, the St. James (Camino de la Costa), new impressions. In the highly rugged and rainy coastal landscape of Cantabria in San Esteban, the inlets extend far into the country. If suddenly rip open the thick rain clouds and the evening light still make space quickly, then roll over the colors.

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The Ponte degli Scalzi. Venice.

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San Giorgio immersed in cool moonlight. Peace and quiet – it’s actually in Venice. The picture was at first more or less in my head. For how should I start at night? Together with a sketch of San Giorgio, I could then try to understand but quite good and I have some really calm and completely relaxed hours had.

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Venice is made up of over 100 small islands. You can find thousand places to paint.

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Every day probably hundreds of thousands of photographs are taken from the Rialto Bridge. When the sun sets and most of the tourists are gone, I can – almost alone – enjoy the last evening light on the Canal Grande towards Riva del Carbon. For a few minutes the Grand Canal immersed in a magnificent light between day and night.

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Today it has rained a lot. No tourist is here. In the afternoon, I was rewarded with a few rays of sunshine.

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Just stand still and look into a side alley. How are further behind that? Light and shadow give the channels the charm of an impenetrable labyrinth. But what you see – or rather would like to explore more, which is accessible only by boat (or with the paint brush). Not human beings? Also this is Venice!

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Leave it as it is, my wife said. And so it remains a work in progress study. Anyway, I’ve long since the next subject in the head so that the danger has passed, this picture still later to deface.

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Santa Maria della Salute. A Baroque church. In Venice. On the Grand Canal. At twilight, the moonlight reflected in the waves.

Santa Maria della Salute: Eines der bekanntesten Venedig-Ölgemälde

Das impressionistische Venedig-Ölgemälde „Santa Maria della Salute“ zählt im Internet zu den bekanntesten und beliebtesten Venedig-Motiven schlechthin. Das Werk setzt den Eingang des Canal Grande mit der barocken Votivkirche Santa Maria della Salute in der Bildmitte in atemberaubend helle Orangetöne und Ockerfarben, die sich in den Wellen des Canal Grande spiegeln. Sowohl der obere Bildteil des Kunstwerks, als auch der untere Bildteil gehen farblich in ein sattes Blau über und strahlen damit die Ruhe der abendlichen Stimmung Venedigs aus. In Szene gesetzt werden hier farbgewaltig die letzten Minuten des Tages nach dem Sonnenuntergang. Es ist dieser kurze und vergängliche Moment, der diesem Venedig-Ölgemälde diese unglaubliche Spannung gibt, die hier durch einen impressionistisch geleiteten, groben und doch immer auch zart zerfließenden Pinselstrich geprägt wird. Dieses Werk ist einer der herausragenden Venedig-Klassiker, ein Motiv, welches aus vielen anderen sofort heraussticht. Im Hintergrund setzt der Künstler fliesende Ölfarben und zarte Farbübergänge ein, die sich Ton an Ton reihen. Der Vordergrund ist kühl und grob strukturiert gehalten, fast so, wie eine schnelle Skizze der in den Wellen schaukelnden Gondeln. Wer vor diesem Ölbild steht, wird magisch in das Werk hineingezogen. Immer wieder wandert der Blick von den Gondeln im Vordergrund zu den Kirchengebäuden im Abendlicht und dann entlang an den typisch italienischen Fassaden entlang des Horizontes. Eine Hauch von Krapplack (Crimson/ rot) verleiht dem Ölgemälde an der Horizontlinie eine schier unendliche Tiefe, in die sich der Betrachter hinein träumen kann. Man scheint, direkt am Kai zu stehen oder zu sitzen und in Venedik in die Ferne hineinblicken zu können. Venedig in seiner ganzen Dynamik, Einzigartigkeit – eingefangen in einer Minute der absoluten Stille. Kein Mensch und kein Trubel scheinen diese Venedig-Idylle zu stören. Wer im Internet nach Venedig-Ölgemälden, oder bekannten alten Meistern sucht, wird dieses Ölbild immer wieder entdecken. Das „Santa Maria della Salute“ Ölgemälde wird mittlerweile auch im Reich der Mitte nachgemalt und zählt dort auf diversen Plattformen neben Van Gogh und Monet zu den Standardwerken bekannter Venedigbilder. Bildbesprechung von Peter D. Berger. Im Folgenden übersetzt:

Santa Maria della Salute: One of the most famous Venice oil paintings

The Impressionist Venice oil painting “Santa Maria della Salute” is one of the best-known and most popular Venice motifs on the Internet. In the center of the picture, the work sets the entrance of the Grand Canal with the baroque votive church of Santa Maria della Salute in breathtakingly bright orange and ocher colors, reflected in the waves of the Canal Grandes. Both the upper part of the picture, as well as the lower part of the picture turns into a rich blue in color and thus radiates the calm of the evening mood. The last minutes of the day are staged in color. It is this brief and ephemeral moment that gives this Venice scene this incredible tension, which is characterized here by an impressionistically directed coarse, yet always delicately deliquescent brushstroke. This work is one of the outstanding Venice classics, a motif that immediately stands out from a thousand others. In the background, the artist uses flowing oil colors that line up tone by tone. The foreground is cool and coarse, almost like a quick sketch of the gondolas rocking in the waves. Anyone who stands in front of this oil painting is magically drawn into the work. Again and again, the gaze wanders from the gondolas in the foreground to the church buildings in the evening light and then along the typical Italian facades along the horizon. A hint of ragged paint (crimson / red) lends the oil painting on the horizon line an almost infinite depth, into which the viewer can dream. One seems to be standing on the quay or sitting and looking into the picture. Venice in all its dynamics, uniqueness – captured in a minute of absolute silence. No one and no bustle seems to disturb this Venice idyll. Anyone looking for Venice oil paintings on the Internet or looking for well-known old masters will discover this oil painting again and again. The “Santa Maria della Salute” is now also repainted in the Middle Kingdom and is next to Van Gogh and Monet to the standard works of known Venice paintings.

Santa Maria della Salute: L’une des plus célèbres peintures à l’huile de Venise

La peinture à l’huile de Venise impressionniste “Santa Maria della Salute” est l’un des motifs de Venise les plus connus et les plus populaires sur Internet. Au centre du tableau, l’entrée du Grand Canal avec l’église votive baroque de Santa Maria della Salute, aux couleurs orange vif et ocre, se reflète dans les vagues du Canal Grandes. Tant la partie supérieure de l’image, ainsi que la partie inférieure de l’image se transforme en une riche couleur bleue et rayonne ainsi le calme de l’ambiance du soir. Les dernières minutes de la journée sont mises en scène en couleur. C’est ce moment bref et éphémère qui donne à cette scène vénitienne cette tension incroyable, qui se caractérise ici par un coup de pinceau grossier, mais toujours délicatement déliquescent. Ce travail est l’un des classiques les plus remarquables de Venise, un motif qui se démarque immédiatement de mille autres. En arrière-plan, l’artiste utilise des couleurs d’huile fluides qui s’alignent ton par ton. Le premier plan est cool et grossier, presque comme un rapide croquis des gondoles qui se balancent dans les vagues. Toute personne qui se tient devant cette peinture à l’huile est magiquement entraînée dans le travail. Encore et encore, le regard se promène des gondoles au premier plan aux bâtiments de l’église dans la lumière du soir et puis le long des façades italiennes typiques le long de l’horizon. Un soupçon de peinture déchiquetée (cramoisi / rouge) donne à la peinture à l’huile sur la ligne d’horizon une profondeur presque infinie, dans laquelle le spectateur peut rêver. L’un semble se tenir sur le quai ou assis et regarder dans l’image. Venise dans toute sa dynamique, l’unicité – capturé dans une minute de silence absolu. Personne et aucun mouvement ne semble déranger cette idylle de Venise. Quiconque recherche des peintures à l’huile de Venise sur Internet ou à la recherche de maîtres anciens renommés découvrira cette peinture à l’huile encore et encore. Le “Santa Maria della Salute” est maintenant également repeint dans le Moyen Empire et est à côté de Van Gogh et Monet aux œuvres standard de célèbres peintures de Venise.

Santa Maria della Salute: uno dei più famosi dipinti ad olio di Venezia

La pittura a olio impressionista di Venezia “Santa Maria della Salute” è uno dei motivi di Venezia più conosciuti e più popolari su Internet. Il lavoro è l’ingresso del Canal Grande con la chiesa votiva barocca di Santa Maria della Salute nel centro di arance incredibilmente brillanti e colori ocra che si riflettono nelle acque del Canal Grande. Sia la parte superiore dell’immagine, sia la parte inferiore dell’immagine si trasformano in un ricco colore blu e irradiano così la calma dell’umore della sera. Gli ultimi minuti del giorno sono messi in scena a colori. E ‘questa breve e fugace momento, che è questo incredibile tensione di questa scena di Venezia, dominata qui da un impressionistico led grossolana e tuttavia sempre tenera pennellata deliquescenti. Questo lavoro è uno dei grandi classici di Venezia, un motivo che immediatamente si distingue da migliaia di altri. Sullo sfondo, l’artista usa fluidi colori ad olio che si allineano tono su tono. Il primo piano è bello e ruvido, quasi come un rapido schizzo delle gondole che dondolano tra le onde. Chiunque si trova di fronte a questo dipinto ad olio è magicamente coinvolto nel lavoro. Ancora e ancora, lo sguardo vaga dalle gondole in primo piano agli edifici della chiesa nella luce della sera e poi lungo le tipiche facciate italiane lungo l’orizzonte. Un pizzico di vernice frastagliata (rosso / rosso) conferisce al dipinto ad olio sulla linea dell’orizzonte una profondità quasi infinita, in cui lo spettatore può sognare. Uno sembra stare in piedi sulla banchina o seduto e guardare nell’immagine. Venezia in tutte le sue dinamiche, unicità – catturata in un minuto di assoluto silenzio. Nessuno e nessun trambusto sembra disturbare questo idillio veneziano. Chiunque sia alla ricerca di dipinti a olio di Venezia su Internet o alla ricerca di vecchi maestri famosi scoprirà questo dipinto ad olio ancora e ancora. La “Santa Maria della Salute” è ora ridipinta anche nel Regno di Mezzo e si trova accanto a Van Gogh e Monet per le opere standard dei famosi dipinti di Venezia.

Santa Maria della Salute: uno de los óleos de Venecia más famosos

La pintura al óleo Impresionista de Venecia “Santa Maria della Salute” es uno de los motivos de Venecia más conocidos y más populares en Internet. En el centro de la imagen, la obra establece la entrada del Gran Canal con la iglesia votiva barroca de Santa Maria della Salute en colores naranja y ocre impresionantemente brillantes, reflejados en las olas del Canal Grandes. Tanto la parte superior de la imagen como la parte inferior de la imagen se vuelven de un azul intenso y, por lo tanto, irradian la calma del ambiente nocturno. Los últimos minutos del día se presentan en color. Es este breve y efímero momento que le da a esta escena de Venecia esta tensión increíble, que se caracteriza aquí por una pincelada tosca, delicadamente delicadamente delicuescente, impresionista y dirigida. Este trabajo es uno de los clásicos más destacados de Venecia, un motivo que se destaca inmediatamente de otros mil. En el fondo, el artista utiliza colores oleosos fluidos que se alinean tono por tono. El primer plano es frío y tosco, casi como un boceto rápido de las góndolas que se mecen en las olas. Cualquiera que se pare frente a esta pintura al óleo es atraído mágicamente al trabajo. Una y otra vez, la mirada vaga de las góndolas en primer plano a los edificios de la iglesia en la luz del atardecer y luego a lo largo de las típicas fachadas italianas a lo largo del horizonte. Un toque de pintura desigual (carmesí / rojo) presta a la pintura al óleo en la línea del horizonte una profundidad casi infinita, en la que el espectador puede soñar. Uno parece estar de pie en el muelle o sentado y mirando la imagen. Venecia en todas sus dinámicas, exclusividad, capturada en un minuto de absoluto silencio. Nadie y ningún bullicio parece perturbar este idilio de Venecia. Cualquiera que busque las pinturas al óleo de Venecia en Internet o busque a antiguos maestros bien conocidos descubrirá esta pintura al óleo una y otra vez. El “Santa Maria della Salute” ahora también se repinta en el Reino Medio y está al lado de Van Gogh y Monet en las obras estándar de las famosas pinturas de Venecia.

Санта-Мария делла Салют: одна из самых известных картин Венецианской живописи

Импрессионистская живопись в Венеции «Санта Мария делла Салют» является одним из самых известных и самых популярных мотивов Венеции в Интернете. В центре картины работают вход в Большой канал с барочной обеткой церкви Санта-Мария-делла-салют в удивительно ярких оранжевых и охристых тонах, отраженных в волнах канала Гранд. Как верхняя часть изображения, так и нижняя часть изображения превращаются в насыщенный синий цвет и таким образом излучают спокойствие вечернего настроения. Последние минуты дня устраиваются по цвету. Именно этот краткий и эфемерный момент дает этой Венецианской сцене невероятное напряжение, которое характеризуется здесь импрессионистически направленным грубым, но всегда деликатно размахивающим мазком. Эта работа является одной из выдающихся классиков в Венеции, мотив, который сразу выделяется из тысячи других. На заднем плане художник использует текущие масляные цвета, которые выстраивают тон в тон. На переднем плане круто и грубо, почти как быстрый набросок гондол, качающегося в волнах. Любой, кто стоит перед этой масляной живописи, волшебным образом вовлечен в работу. Снова и снова взгляд блуждает с гондолей на переднем плане к церковным зданиям в вечернем свете, а затем вдоль типичных итальянских фасадов вдоль горизонта. Подчеркивание рваной краски (малиновый / красный) придает масляной живописи на линии горизонта почти бесконечную глубину, в которую может мечтать зритель. Кажется, что кто-то стоит на набережной или сидит и смотрит в картину. Венеция во всей своей динамике, уникальности – захвачена в минуту абсолютной тишины. Никто, ни суета, кажется, не нарушают эту идиллию в Венеции. Любой, кто ищет картины в Венеции в Интернете или ищет известных старых мастеров, снова и снова откроет эту масляную живопись. «Santa Maria della Salute» теперь также перекрашивается в Поднебесной, а рядом с Ван Гогом и Моне – стандартные работы знаменитых картин Венеции.

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Here I have created a quick sketch in oil and now I do not know if I should color later, or if I leave it, just like that. Let’s see … Eight years have passed and I still like this sketch of Venice. I am still fascinated by the quick piseline, which expresses the church of Santa Maria della Salute imosant and powerful. I will leave it like this: unfinished and yet go as it is: an impressionistic work on Venice (title formerly mistakenly ‘San Marco oil painting’)

Impressionismus/ Ölgemälde: Eine Skizze von Venedig und der Kirche Santa Maria della Salute in Blau

Schnell skizziert, unvollendet und doch grandios. So könnte man das unfertige Werk „Skizze Santa Maria della Salute, Venedig in blau“ in wenigen Worten beschreiben. Keine Zeit, um das Kunstwerk zu vollenden? Gott sei Dank, denn so bleibt uns ein seltener und tiefer Einblick in die Schaffensphase einer weltbekannten Venedig-Motiv-Serie im impressionistischen Stil alter Meister. In der Skizze verwendet der Künstler Christian Seebauer Öl auf Leinwand, Preußisch Blau. Und schnell wird klar, dass bereits mit wenigen schnellen Pinselstrichen der Charakter eines Kunstwerkes vortrefflich getroffen und auf Leinwand verewigt ist. Eine einzige Farbe genügt hier, um den ganzen Charme Venedigs, des Canal Grande und der festgezurrten Gondeln im Wasser in unübertroffener Harmonie zu malen. Beeindruckend ist für den Betrachter die unglaubliche Tiefe der Venedig-Skizze. Bereits in der Entstehung verwischt der Künstler scharfe Linienführungen sofort wieder durch waagrechte angesetzte, leichte und trockene Pinselstriche ohne Farbe. Dadurch entstehen bereits in der Skizze räumliche Tiefe, Stille, Dynamik, Wellen, Spiegelungen und Bewegungen. Selbst fliegende Vögel sind über dem Canal Grande mit wenigen Strichen in purer Ästhetik in Szene gesetzt. Ob der Künstler (berechtigte) Zweifel daran hatte, ob das Werk jemals noch besser werden könnte, oder ob einfach Zeit fehlte und die Skizze in Vergessenheit geriet? Wer weiß schon? Denn es wäre zu befürchten, dass am Ende die künstlerische Spontanität und das Können einem penibel ausgearbeitetem Werk zu Opfer gefallen wäre. So jedenfalls zählt die Venedigskizze vom Canal Grande und der Santa Maria della Salute in Blau schon jetzt zu den bekanntesten Venedigskizzen in Öl auf Leinwand, die im Internet zu finden sind. Dass die Skizze neben Van Gogh und Claude Monet im Reich der Mitte als Kunstkopien der bekanntesten Meister angeboten werden, ist für den Künstler hoffentlich Aufruf genug, dass er dieses wunderschöne Werk niemals verenden möge. Wer sich auf die Suche nach einem typischen impressionistischen Venedigbild macht, findet in der Santa Maria della Salute in Blau das passende Ölgemälde. Bildbesprechung von Dr. Hannes Bergreiter. Im Folgenden übersetzt:

Impressionism / Oil Painting: A sketch of Venice and the Church of Santa Maria della Salute in blue

Quickly sketched, unfinished and yet terrific. So you could describe the unfinished work “sketch Santa Maria della Salute, Venice in blue” in a few words. No time to complete the artwork? Thank God, because it gives us a rare and deep insight into the creative phase of a world-famous Venice motif series in the impressionist style of old masters. In the sketch, the artist Christian Seebauer uses oil on canvas, Prussian blue. And it soon becomes clear that the character of a work of art has been excellently hit and immortalized on canvas with just a few swift brushstrokes. One single color suffices here to paint all the charm of Venice, the Grand Canal and the lashed gondolas in the water in unsurpassed harmony. Impressive to the viewer is the incredible depth of the Venice sketch. Already in the making, the artist immediately blurs sharp lines again with horizontally set, light and dry brushstrokes without color. This creates already in the sketch spatial depth, silence, dynamics, waves, reflections and movements. Even flying birds are staged over the Grand Canal with a few strokes of pure aesthetics. Whether the artist had (legitimate) doubts about whether the work could ever get better, or whether simply lacked time and the sketch was forgotten? Who knows? Because it would be feared that in the end the artistic spontaneity and the skill would have fallen prey to a meticulously elaborated work. In any case, the Venice sketch of the Grand Canal and the Santa Maria della Salute in blue is already one of the best-known sketches in oil on canvas in Venice, which can be found on the Internet. The fact that the sketch alongside Van Gogh and Claude Monet are offered in the Middle Kingdom as art prints of the most famous masters, is hopefully call enough for the artist, that he may never die this beautiful work. If you are looking for a typical Impressionist picture of Venice, you will find the perfect oil painting in the Santa Maria della Salute in blue.

Impressionnisme / Peinture à l’huile: Un croquis de Venise et de l’église de Santa Maria della Salute en bleu

Rapidement esquissé, inachevé et pourtant formidable. Ainsi, vous pouvez décrire en quelques mots le travail inachevé “croquis Santa Maria della Salute, Venise en bleu”. Pas le temps de terminer l’oeuvre? Dieu merci, car cela nous donne un aperçu rare et profond de la phase créative d’une série de motifs de Venise célèbre dans le style impressionniste des vieux maîtres. Dans le sketch, l’artiste Christian Seebauer utilise de l’huile sur toile, du bleu de Prusse. Et il devient vite clair que le personnage d’une œuvre d’art a été excellemment frappé et immortalisé sur une toile avec seulement quelques coups de pinceau rapides. Une seule couleur suffit ici pour peindre tout le charme de Venise, le Grand Canal et les gondoles fouettées dans l’eau dans une harmonie inégalée. Impressionnant pour le spectateur est l’incroyable profondeur du croquis de Venise. Déjà en cours de réalisation, l’artiste brouille immédiatement les lignes aiguisées avec des coups de pinceau horizontaux, légers et secs, sans couleur. Cela crée déjà dans l’esquisse la profondeur spatiale, le silence, la dynamique, les ondes, les réflexions et les mouvements. Même les oiseaux volants sont mis en scène sur le Grand Canal avec quelques traits d’esthétique pure. Si l’artiste avait des doutes (légitimes) quant à savoir si l’œuvre pourrait un jour s’améliorer, ou si le simple manque de temps et le croquis étaient oubliés? Qui sait? Car il serait à craindre qu’à la fin la spontanéité artistique et l’habileté soient devenues la proie d’une œuvre méticuleusement élaborée. En tout cas, le croquis de Venise du Grand Canal et de la Santa Maria della Salute en bleu est déjà l’un des croquis les plus connus de Venise en huile sur toile, que l’on peut trouver sur Internet. Le fait que l’esquisse aux côtés de Van Gogh et de Claude Monet soit offerte dans le Moyen Empire en tant qu’impressions d’art des maîtres les plus célèbres, nous l’espérons, suffira à l’artiste pour qu’il ne meure jamais ce beau travail. Si vous cherchez une image impressionniste typique de Venise, vous trouverez la peinture à l’huile parfaite dans la Santa Maria della Salute en bleu.

Impressionismo / Pittura a olio: uno schizzo di Venezia e la Chiesa di Santa Maria della Salute in blu

Rapidamente abbozzato, incompiuto e tuttavia terrificante. Quindi potresti descrivere l’opera incompiuta “schizzo Santa Maria della Salute, Venezia in blu” in poche parole. Non c’è tempo per completare l’opera d’arte? Grazie a Dio, perché ci offre una visione rara e profonda della fase creativa di una serie di motivi veneziani di fama mondiale nello stile impressionista dei vecchi maestri. Nello schizzo, l’artista Christian Seebauer utilizza olio su tela, blu di Prussia. E presto diventa chiaro che il personaggio di un’opera d’arte è stato ottimamente colpito e immortalato su tela con poche pennellate veloci. Un solo colore è sufficiente per dipingere tutto il fascino di Venezia, il Canal Grande e le gondole sferzate nell’acqua in un’armonia insuperabile. Impressionante per lo spettatore è l’incredibile profondità del disegno di Venezia. Già in divenire, l’artista sfuma subito le linee nitide con pennellate orizzontali, chiare e asciutte senza colore. Questo crea già nello schizzo profondità spaziale, silenzio, dinamica, onde, riflessi e movimenti. Anche gli uccelli volanti sono in scena sul Canal Grande con pochi tratti di pura estetica. Se l’artista avesse dubbi (legittimi) sul fatto che il lavoro potesse mai migliorare, o se semplicemente mancava il tempo e lo schizzo era stato dimenticato? Chi lo sa? Perché si temerebbe che alla fine la spontaneità e l’abilità artistica sarebbero state preda di un’opera meticolosamente elaborata. In ogni caso, lo schizzo di Venezia del Canal Grande e di Santa Maria della Salute in blu è già uno dei disegni più famosi di Venezia in olio su tela, che può essere trovato su Internet. Il fatto che lo sketch di Van Gogh e Claude Monet sia offerto nel Medio Regno come stampe d’arte dei più famosi maestri, si spera sia sufficiente per l’artista, che non possa mai morire in questo bellissimo lavoro. Se stai cercando una tipica immagine impressionista di Venezia, troverai il dipinto ad olio perfetto in Santa Maria della Salute in blu.

Impresionismo / Pintura al óleo: un boceto de Venecia y la Iglesia de Santa Maria della Salute en azul

Rápidamente esbozado, sin terminar y sin embargo excelente. Así que podrías describir el trabajo sin terminar “bosquejar Santa María della Salute, Venecia en azul” en pocas palabras. No hay tiempo para completar la obra de arte? Gracias a Dios, porque nos da una visión rara y profunda de la fase creativa de una serie de motivos de Venecia mundialmente famosa en el estilo impresionista de los viejos maestros. En el boceto, el artista Christian Seebauer usa óleo sobre lienzo, azul de Prusia. Y pronto queda claro que el personaje de una obra de arte ha sido excelentemente golpeado e inmortalizado sobre lienzo con solo unas pocas pinceladas rápidas. Un solo color es suficiente aquí para pintar todo el encanto de Venecia, el Gran Canal y las góndolas amarradas en el agua en una armonía sin igual. Impresionante para el espectador es la increíble profundidad del boceto de Venecia. Ya en proceso, el artista inmediatamente vuelve a difuminar líneas agudas con pinceladas horizontales, livianas y secas sin color. Esto crea ya en el boceto profundidad espacial, silencio, dinámica, ondas, reflejos y movimientos. Incluso las aves voladoras se organizan sobre el Gran Canal con unas pinceladas de pura estética. Si el artista tenía dudas (legítimas) sobre si el trabajo podría mejorar alguna vez, o si simplemente carecía de tiempo y el boceto fue olvidado? Quién sabe? Porque se temía que, al final, la espontaneidad y la capacidad artística hubieran sido presa de una obra meticulosamente elaborada. En cualquier caso, el boceto de Venecia del Gran Canal y la Santa Maria della Salute en azul ya es uno de los bocetos más conocidos en óleo sobre lienzo en Venecia, que se puede encontrar en Internet. El hecho de que el boceto junto a Van Gogh y Claude Monet se ofrezca en el Reino Medio como las obras de arte de los maestros más famosos, con suerte es suficiente para el artista, que nunca podrá morir en este hermoso trabajo. Si está buscando una imagen típica impresionista de Venecia, encontrará la pintura al óleo perfecta en el Santa Maria della Salute en azul.

Импрессионизм / масляная живопись: эскиз Венеции и церкви Санта-Мария делла Салют в синем

Быстро набросанная, незавершенная и все же потрясающая. Таким образом, вы можете описать незавершенную работу «Эскиз Санта-Мария-делла-салют, Венеция в синем» в нескольких словах. Нет времени для завершения работы? Слава Богу, потому что это дает нам редкое и глубокое понимание творческой фазы всемирно известной серии мотивов Венеции в стиле импрессионистов старых мастеров. В эскизе художник Кристиан Сибауэр использует холст маслом, прусский синий. И вскоре становится ясно, что характер произведения искусства отлично ударил и увековечил на холсте всего несколькими быстрыми мазками. Здесь достаточно одного цвета, чтобы нарисовать всю прелесть Венеции, Гранд-канала и перебитых гондол в воде в непревзойденной гармонии. Впечатляющим для зрителя является невероятная глубина Венецианского эскиза. Уже в процессе создания художник сразу же размывает острые линии с горизонтально установленными, легкими и сухими мазками без цвета. Это создает уже в эскизе пространственную глубину, тишину, динамику, волны, отражения и движения. Даже летающие птицы проходят по Гранд-каналу с несколькими штрихами чистой эстетики. Был ли у художника (законный) сомнение в том, что работа может когда-либо улучшиться, или просто не хватает времени, и эскиз был забыт? Кто знает? Потому что было бы опасно, что в конечном итоге художественная спонтанность и способность стали бы жертвой тщательно продуманной работы. В любом случае Венецианский эскиз Большого канала и Санта-Мария-делла-салют в синем уже является одним из самых известных эскизов Венеции в холсте на холсте, который можно найти в Интернете. Тот факт, что эскиз вместе с Ван Гогом и Клодом Моне предлагается в Поднебесной как художественные отпечатки самых известных мастеров, надеюсь, достаточно называет художника, что он никогда не сможет умереть этой прекрасной работой. Если вы ищете типичную импрессионистическую картину Венеции, вы найдете прекрасную масляную живопись в Санта-Мария-делла-салюте в синем цвете.

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Manarola, the third picture.

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A farm in Rettenbach.

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Many report a near-death experience. They saw the light. They do not tell of fear. They report a deep sleep. Of a transition. Flooded with light.

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A hovering angel in the night. Beneath him the sea. Is there a Catholic sea? Angels are not a Christian invention. They are found in many religions. Even in Judaism and Islam.

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Angel. And again, the ancient Egyptians are in the game! For even the most rare Egyptian winged creatures in stone. Isis and Osiris.

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An angel escorted me to Camino de Santiago. Were you really there? With this painting I want to express the feelings I had now and then on the pilgrimage.

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An angel raising towards the sunrays.

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Aud the island of Koh Samui (Wat Phra Yai) Big Buddha sits with his back to me.

Buddha in Samui Ölgemälde

Das Ölgemälde „Buddha in Samui“ ist in der Froschperspektive gehalten. Der Betrachter findet sich ganz unten vor unzähligen Treppenstufen stehend. Er schaut hoch, an beiden Seiten stehen rechts und links typisch buddhistische Tempel mit ihren Welldächern. Diese sollen den Göttern, sollten sie vom Himmel herabsteigen, eine angenehme Ankunft sichern. Schaut der Betrachter dann ganz hoch, so erblickt er eine übergroße, im Schneidersitz sitzende goldene Buddha-Statur. Die Statur erscheint friedlich und von Bäumen umgeben. Dem Künstler gelingt es auf diesem Gemälde unter ausschließlichem Einsatz von Gelb-, Rot- und Lilatönen die einzigartige Atmosphäre einer thailändischen Tempelanlage festzuhalten. Der Betrachter kann die Ruhe und meditative Stimmung nahezu spüren. Alles, was er nun noch tun muss, ist diesem einen Weg zu folgen. Die beschwerlichen Treppenstufen zu erklimmen, um dann im Angesicht mit Buddha und seinen Erkenntnissen zu stehen. Natürlich könnte der Betrachter auch auf den beschwerlichen Akt des Treppensteigens verzichten und einfach umdrehen. Aber will er das wirklich? Genre: Mystische Landschaften, Spirituelle Malerei Technik: Ölfarben auf Leinwand Stil: Realismus/ Impressionismus

Buddha in Samui oil painting

The oil painting “Buddha in Samui” is kept in a worm’s eye view. The viewer finds himself standing at the bottom in front of countless steps. He looks up, on both sides are typical Buddhist temples with their corrugated roofs right and left. These are to ensure the gods, if they descend from heaven, a pleasant arrival. If the viewer then looks very high, he sees an oversized, sitting cross-legged golden Buddha stature. The stature appears peaceful and surrounded by trees. The artist succeeds on this painting with the exclusive use of yellow, red and purple tones to capture the unique atmosphere of a Thai temple complex. The viewer can almost feel the peace and meditative mood. All he has to do now is follow this one way. Climbing the arduous stairs to face the Buddha and his findings. Of course, the viewer could do without the cumbersome act of climbing stairs and just turn around. But does he really want that? Genre: Mystic Landscapes, Spiritual Painting Technique: oil paints on canvas Style: Realism / Impressionism

Bouddha à Samui peinture à l’huile

La peinture à l’huile “Bouddha à Samui” est conservée dans une vue d’un ver. Le spectateur se retrouve debout en bas devant d’innombrables étapes. Il lève les yeux, des deux côtés sont des temples bouddhistes typiques avec leurs toits ondulés à droite et à gauche. Ce sont pour assurer les dieux, s’ils descendent du ciel, une arrivée agréable. Si le spectateur semble alors très haut, il voit une taille de Bouddha dorée surdimensionnée, assise et à jambes croisées. La stature semble paisible et entourée d’arbres. L’artiste réussit sur cette peinture avec l’utilisation exclusive des tons jaunes, rouges et violets pour capturer l’atmosphère unique d’un complexe de temple thaïlandais. Le spectateur peut presque sentir la paix et l’humeur méditative. Tout ce qu’il a à faire maintenant est de suivre cette voie. Grimper les escaliers pénibles pour faire face au Bouddha et à ses découvertes. Bien sûr, le téléspectateur pourrait également se passer de l’acte ardu de monter les escaliers et de simplement faire demi-tour. Mais veut-il vraiment ça? Genre: Paysages mystiques, Peinture spirituelle Technique: peintures à l’huile sur toile Style: Réalisme / Impressionnisme

Buddha nella pittura ad olio di Samui

Il dipinto ad olio “Buddha in Samui” è conservato in una visione a chiocciola. Lo spettatore si trova in fondo davanti a innumerevoli gradini. Alza lo sguardo, su entrambi i lati sono tipici templi buddisti con i loro tetti corrugati a destra ea sinistra. Questi sono per assicurare agli dei, se discendono dal cielo, un arrivo piacevole. Se l’osservatore sembra molto in alto, vede una statura di Buddha dorato a gambe incrociate di grandi dimensioni. La statura appare pacifica e circondata da alberi. L’artista riesce su questo dipinto con l’uso esclusivo di toni gialli, rossi e viola per catturare l’atmosfera unica di un complesso di templi thailandesi. Lo spettatore può quasi sentire la pace e l’umore meditativo. Tutto quello che deve fare ora è seguire questa strada. Salendo le scale ardue per affrontare il Buddha e le sue scoperte. Ovviamente, lo spettatore potrebbe fare a meno dell’ingombrante gesto di salire le scale e semplicemente girarsi. Ma lo vuole davvero? Genere: Mystic Landscapes, Spiritual Painting Tecnica: colori ad olio su tela Stile: Realismo / Impressionismo

Buda en la pintura al óleo de Samui

La pintura al óleo “Buda en Samui” se mantiene a la vista de un gusano. El espectador se encuentra parado en la parte inferior frente a innumerables pasos. Él mira hacia arriba, en ambos lados son típicos templos budistas con sus techos corrugados a derecha e izquierda. Estos son para asegurar que los dioses, si descienden del cielo, tengan una llegada agradable. Si el espectador se ve muy alto, ve una gran estatura de Buda dorado sentado con las piernas cruzadas. La estatura parece pacífica y rodeada de árboles. El artista tiene éxito en esta pintura con el uso exclusivo de tonos amarillos, rojos y morados para capturar la atmósfera única de un complejo de templos tailandés. El espectador casi puede sentir la paz y el estado de ánimo meditativo. Todo lo que tiene que hacer ahora es seguir esto de una manera. Subiendo las arduas escaleras para enfrentar al Buda y sus hallazgos. Por supuesto, el espectador también podría prescindir del arduo acto de subir escaleras y simplemente darse la vuelta. Pero, ¿realmente él quiere eso? Género: paisajes místicos, pintura espiritual Técnica: pinturas al óleo sobre lienzo Estilo: Realismo / Impresionismo

Будда в масляной живописи Самуи

Масляная картина «Будда на Самуи» хранится в черном взгляде. Зритель оказывается стоящим внизу перед бесчисленными ступенями. Он смотрит вверх, с обеих сторон – типичные буддийские храмы с гофрированными крышами справа и слева. Они должны обеспечить богам, если они спускаются с небес, приятное прибытие. Если зритель тогда выглядит очень высоко, он видит крупный, сидящий крест-ногами золотой статуя Будды. Рост выглядит мирным и окружен деревьями. Художник преуспевает в этой картине с исключительным использованием желтых, красных и фиолетовых тонов, чтобы захватить неповторимую атмосферу тайского храмового комплекса. Зритель может почти почувствовать мир и медитативное настроение. Все, что он должен сделать, это следовать этому пути. Восхождение на трудную лестницу, чтобы встретиться с Буддой и его результатами. Конечно, зритель мог обойтись без громоздкого акта подъема по лестнице и просто развернуться. Но действительно ли он этого хочет? Жанр: Мистические пейзажи, Духовная живопись Техника: масляные краски на холсте Стиль: Реализм / Импрессионизм

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It does not matter if the sea level rises a few feet. After all, there are other destinations than the Maldives … With this oil painting on canvas I want to show the melting glaciers on the poles and the threatened islands in one work. It’s about the rise of the sea level and it’s all something for us!

Ice Ölgemälde

Auf dem Ölgemälde „Ice“ kann der Betrachter ganz vorne eine tropische Palmeninsel erkennen. Sofort fällt jedoch auf, dass die Insel über unverhältnismäßig wenig Land verfügt und auch das Meer erscheint ungewöhnlich rau. Wandert der Blick weiter in die rechte Bildmitte, so ist eine kleine, ebenso überschwemmte Insel in der Ferne zu erkennen. Sie wird scheinbar abgetrieben. Aber warum? Im Hintergrund offenbart sich dem Betrachter dann die Lösung: Von hinten links aus schiebt sich ein gigantischer Eisblock in das Meer. Seine Kanten scheinen zu schmelzen, Brocken in das Meer zu fallen und ursächlich für die Überschwemmung dieser wunderschönen Inseln zu sein. Eine Frage, die sich beim Ansehen sofort auftut, ist: Wo sind die Menschen auf diesem Bild? Haben sie diese schönen Inseln, wohl ahnend, was passieren wird, verlassen? Vielleicht haben sie sich einen sichereren Ort gesucht. Aber wer weiß, welche Wege der Eisblock nehmen wird. Vielleicht ist er auch bald bei uns? Der Künstler macht an dieser Stelle auf drastische Weise auf das Schmelzen der Pole und den Einfluss dieses Phänomens auf uns aufmerksam. Es ist Zeit zu handeln! Genre: Umweltkritische Malerie/ sozialkritische Malerei/ Klimawandel Technik: Ölfarben auf Leinwand Stil: Impressionismus

Ice Oil Painting

On the oil painting “Ice”, the viewer can see the front of a tropical palm island. Immediately, however, it is noticeable that the island has disproportionately little land and also the sea appears unusually rough. If the view wanders further into the center of the picture, a small, equally flooded island can be seen in the distance. She seems to be aborted. But why? In the background, the viewer then reveals the solution: From the back left, a gigantic block of ice slides into the sea. Its edges seem to melt, chunks fall into the sea and cause the floods of these beautiful islands. One of the questions that immediately arises when you look at it is: where are the people in this picture? Have you left these beautiful islands, well suspecting what is going to happen? Maybe they were looking for a safer place. But who knows which way the ice block will take. Maybe he will be with us soon? At this point, the artist draws attention drastically to the melting of the poles and the influence of this phenomenon on us. It’s time to act! Genre: Environmental Critical Painting / Sociocritical Painting / Climate Change Technique: oil paints on canvas Style: Impressionism

Peinture à l’huile sur glace

Sur la peinture à l’huile “Ice”, le spectateur peut voir le front d’une île de palmiers tropicaux. Immédiatement, cependant, il est à noter que l’île a disproportionnellement peu de terres et aussi la mer semble inhabituellement rugueuse. Si la vue se prolonge au centre de l’image, on aperçoit au loin une petite île également inondée. Elle semble être avortée. Mais pourquoi? En arrière-plan, le spectateur révèle alors la solution: De l’arrière gauche, un gigantesque bloc de glace glisse dans la mer. Ses bords semblent fondre, les morceaux tombent dans la mer et provoquent les inondations de ces belles îles. L’une des questions qui se pose immédiatement lorsque vous le regardez est la suivante: où sont les gens sur cette photo? Avez-vous quitté ces belles îles, vous vous doutez bien de ce qui va se passer? Peut-être qu’ils cherchaient un endroit plus sûr. Mais qui sait de quelle manière le bloc de glace va prendre. Peut-être qu’il sera avec nous bientôt? À ce stade, l’artiste attire l’attention sur la fonte des pôles et l’influence de ce phénomène sur nous. Il est temps d’agir! Genre: Peinture critique d’environnement / Peinture sociocritique / Changement climatique Technique: peintures à l’huile sur toile Style: Impressionnisme

Pittura ad olio di ghiaccio

Sul dipinto ad olio “Ghiaccio”, lo spettatore può vedere la parte anteriore di un’isola tropicale di palme. Immediatamente, tuttavia, è evidente che l’isola ha una terra sproporzionatamente piccola e anche il mare appare insolitamente ruvido. Se la vista vaga ulteriormente nel centro dell’immagine, una piccola isola ugualmente allagata può essere vista in lontananza. Sembra essere abortita. Ma perché? Sullo sfondo, lo spettatore rivela la soluzione: dal retro a sinistra, un gigantesco blocco di ghiaccio scivola nel mare. I suoi bordi sembrano sciogliersi, i pezzi cadono in mare e causano le inondazioni di queste splendide isole. Una delle domande che si presentano immediatamente quando la si guarda è: dove sono le persone in questa immagine? Hai lasciato queste splendide isole, ben sospettando cosa accadrà? Forse stavano cercando un posto più sicuro. Ma chissà da che parte prenderà il blocco di ghiaccio. Forse sarà con noi presto? A questo punto, l’artista attira drasticamente l’attenzione sullo scioglimento dei poli e sull’influenza di questo fenomeno su di noi. È tempo di agire! Genere: Pittura critica ambientale / Pittura sociocritica / Cambiamenti climatici Tecnica: colori ad olio su tela Stile: impressionismo

Pintura al óleo sobre hielo

En la pintura al óleo “Hielo”, el espectador puede ver el frente de una isla de palmeras tropicales. Inmediatamente, sin embargo, es notorio que la isla tiene una tierra desproporcionadamente pequeña y también el mar parece inusualmente áspero. Si la vista va más allá en el centro de la imagen, una pequeña isla igualmente inundada se puede ver en la distancia. Ella parece ser abortada. Pero por qué? En el fondo, el espectador revela la solución: desde la parte posterior izquierda, un gigantesco bloque de hielo se desliza hacia el mar. Sus bordes parecen derretirse, los trozos caen al mar y causan las inundaciones de estas hermosas islas. Una de las preguntas que surge inmediatamente cuando lo miras es: ¿dónde están las personas en esta imagen? ¿Has dejado estas hermosas islas, sospechando lo que va a pasar? Tal vez estaban buscando un lugar más seguro. Pero quién sabe qué camino tomará el bloque de hielo. ¿Tal vez estará con nosotros pronto? En este punto, el artista llama la atención drásticamente sobre el derretimiento de los polos y la influencia de este fenómeno sobre nosotros. ¡Es hora de actuar! Género: Pintura crítica ambiental / Pintura sociocrítica / Cambio climático Técnica: pinturas al óleo sobre lienzo Estilo: Impresionismo

Картина маслом для льда

На масляной живописи «Лед» зритель может увидеть фронт тропического пальмового острова. Сразу же, однако, заметно, что остров имеет непропорционально мало земли, а море кажется необычайно грубым. Если вид заглянет дальше в центр картины, на расстоянии можно увидеть небольшой, одинаково затопленный остров. Кажется, она прервана. Но почему? На заднем плане зритель затем раскрывает решение: с задней левой стороны в море скользит гигантский блок льда. Его края, кажется, тают, куски падают в море и вызывают потоки этих прекрасных островов. Один из вопросов, который сразу возникает, когда вы смотрите на него: где люди на этой картинке? Вы покинули эти прекрасные острова, хорошо подозревая, что произойдет? Возможно, они искали более безопасное место. Но кто знает, как будет ледяной блок. Может быть, он скоро с нами? На этом этапе художник резко обращает внимание на таяние полюсов и влияние этого явления на нас. Пришло время действовать! Жанр: Экологическая критическая живопись / Социокритическая живопись / Изменение климата Техника: масляные краски на холсте Стиль: Импрессионизм

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I can change the world as an individual but not … or maybe it is? The whole time was the solution – my own solution – right before my eyes and I did not see them. If my pictures would hang one day where the decision makers sit, then I could achieve so much more than me that would be possible as a consumer.

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Everything comes back -.. And the radioactive waste is because uranium is one of the hardest substances in existence and so it makes sense to dispose of uranium is not easy, but as a shoot with inexpensive ammunition to the people a million times happen. and employ now? half-lives, the thousands of generations to come, our children’s children. We do not? An optimal solution to the disposal. Everything comes back. To really move with my pictures and themes a bit, I need people who can move something in the world ! There, where it is seen, heard of this picture.

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The war with night vision goggles. I still have the green images of night vision devices (night vision) in the head, went in 2003 around the world were. To date, the Iraq war, about 15,000 precision bombs , 8,000 unguided ordnance and 800 cruise missiles at 30,000 operations used (source Wikipedia). The number of civilians killed, depending on the study 89000-194000. Everything precision? making night vision goggles, head-displays and drones killing easier? Can thus win liberate a people , Friends and reputation ? As an artist, I was bringing a concern, the horrors in the dim light of night vision devices on canvas. But I’m sure the idea does not suffice here.

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What we have actually experienced in recent years about this war? Were sent mainly sterile, censored pictures. But amid these green night-vision images is LIFE. There were people, civilians, families. With my oil paintings I want to paint a realistic picture and not worth it. I put quite a few colors with just one question: How was it the middle of it? And here we have a request: Comment out these pictures, you choose to link and support this site on Facebook and elsewhere, if you want. So you make your contribution, that these images are seen.

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At the beginning of the Iraq War, Italy was a sea of flags. PACE hung on virtually every home and still sees you hang a flag or other out the window. Slightly yellowed, but still there. Here I am in Muslone on Lake Garda, overlooking the Monte Baldo.

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Caught without rights (Lost in Guantanamo): After the invasion of Afghanistan in 2002 brought more than 1,000 people from more than 40 countries to Guantanamo, where they remained their rights denied as a war prisoner torture, brutal interrogation tactics, and orange jumpsuits, the public. . Apparently shocked but not everyone …Zitat Wolfgang Schäuble (Youtube): Those who say Guantanamo is not the right solution must be prepared to think about what is the better solution. Obama campaigned on a promise to resolve Guantanamo.

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In order to get energy, you try to control a chain reaction on a knife edge. The system is so stable you can imagine how trying to juggle a marble permanently on a toothpick. Anything else leads to the Gau (maximum credible accident). As an artist I take the liberty today to speak out loud what I had during my studies electrical engineering (including nuclear research reactor in Garching at the Society for Nuclear Safety) could not.

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Out from the perspective of life as it is clear: A Fukushima I can not be sure. (Fukushima means happiness in Japanese island). Built on earth trembling in trusting sea level, it was a miracle that only now happening. Very small in the background you can see the desperation of the heroic firefighters. One can only pray that the decay heat inflicts no greater calamity more.

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The price for ivory on the black market exploded within five years from $ 200 to $ 1,500. (Source FOCUS). Perverse: the lower the stock, the higher the price and the danger. The colors are based red-yellow-green – similar to various African flags.

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He sees us with fear. Because the habitat of wild animals is shrinking every day. Urban sprawl, approaching border villages and urban fringes push back threatening wildlife far. But us humans the space shrinks every day for a quiet retreat. Peace and security, a secret place and their own social warmth are getting harder to find. One can travel thousands of miles and yet this place is still not available. Retreat, silence and security: how it may look, if we look out from behind the curtain? How do we then evaluate our hectic world and our recklessness?

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No way back. Today there are only about 20,000 polar bears in the Arctic region. With a mixture of cool and warm colors I wanted to capture the loneliness and hopelessness of this polar bear. Once started, there is no turning back. New passages are navigable, very profitable for our politicians and economic leaders. But this bear will never return. Preserving our environment requires much more effort from all of us.

Oil Painting Polar Bear,

Vor sattes warmes Gelb setzt der Künstler den einsam und verloren wirkenden Eisbären, der gleichsam auf einer Eisscholle in die beklemmend wirkende Unendlichkeit abdriften zu scheint. Das Farbspiel zwischen den kühlen und für ein arktisches Motiv zu erwartenden Blautönen im Übergang mit warmen Ocker/ Gelbtönen erscheint ungewohnt und doch ist es eine direkte Anspielung auf die Erderwärmung, die drastischer nicht ausgedrückt werden kann. Auf den ersten Blick erscheint das Motiv “Eisbär” friedlich und völlig harmonisch. Doch schon nach wenigen Blicken erschliest sich dem Betrachter die todbringende Unausweichlichkeit des Motivs: Ein Eisbär, der keinen Weg mehr zurückfinden wird. Eine Speizies, die vom Aussterben bedroht ist. Keine Welle durchbricht diese unheimliche Stille des Werks. Das Schelfeis wird in weiter Ferne nur noch als weisser Strich am Horizont angedeutet. Das wäre sie, die Heimat des Eisbären. Der “Polar Bear” von 2010 ist eine künstlerische Auseinandersetzung mit den Folgen des Klimawandels. Öl auf Leinwand. Oder: Schrecken auf Leinwand. Seebauers umwelt- und sozialkritische Werke sind nichts für schwache Nerven. ⁷⁾Bildbesprechung: Margit von Hohenstein

Oil Painting Polar Bear,

The artist sets the lonely and lost-looking polar bear in front of a rich, warm yellow, which seems to drift off into the oppressive seeming infinity on an ice floe. The play of colors between the cool and expected for an Arctic motif blue tones in transition with warm ocher / yellow tones seems unusual and yet it is a direct allusion to global warming, which can not be expressed more drastically. At first glance, the motif “polar bear” appears peaceful and completely harmonious. But after only a few glimpses, the viewer becomes aware of the deadly inevitability of the motif: a polar bear who will not find his way back. A Speizies that is threatened with extinction. No wave breaks through this eerie silence of the work. The ice shelf is hinted at in the distance only as a white line on the horizon. That would be her, the home of the polar bear. The “Polar Bear” of 2010 is an artistic exploration of the consequences of climate change. Oil on canvas. Or: horror on canvas. Seebauer’s environmentally and socially critical works are not for the faint-hearted. ⁸⁾Picture discussion: Margit von Hohenstein

Ours polaire à l’huile,

L’artiste pose l’ours polaire solitaire et perdu devant un jaune riche et chaud, qui semble s’évanouir dans l’infini oppressant qui semble s’abattre sur une banquise. Le jeu de couleurs entre le froid et l’attendu pour un motif arctique aux tons bleus en transition avec des tons ocres / jaunes chauds semble inhabituel et pourtant c’est une allusion directe au réchauffement climatique, qui ne peut être exprimé de manière plus drastique. A première vue, le motif “ours polaire” semble paisible et complètement harmonieux. Mais après seulement quelques aperçus, le spectateur prend conscience de l’inévitabilité mortelle du motif: un ours polaire qui ne retrouvera pas son chemin. Un Speizies qui est menacé d’extinction. Aucune vague ne traverse ce silence étrange de l’œuvre. L’étagère de glace n’est indiquée qu’au loin comme une ligne blanche à l’horizon. Ce serait elle, la maison de l’ours polaire. L’Ours polaire de 2010 est une exploration artistique des conséquences du changement climatique. Huile sur toile. Ou: horreur sur toile. Les œuvres écologiquement et socialement critiques de Seebauer ne sont pas pour les âmes sensibles. ⁹⁾Photo: Margit von Hohenstein

Orso polare dipinto a olio,

L’artista pone l’orso polare solitario e dall’aspetto perso davanti a un giallo ricco e caldo, che sembra scivolare nell’apparente opprimente infinito su un lastrone di ghiaccio. Il gioco di colori tra il fresco e l’atteso per un motivo artico, toni blu in transizione con toni caldi ocra / giallo, sembra inusuale e tuttavia è un’allusione diretta al riscaldamento globale, che non può essere espresso in modo più drastico. A prima vista, il motivo “orso polare” appare pacifico e completamente armonioso. Ma dopo pochi scorci, lo spettatore si rende conto della mortale ineluttabilità del motivo: un orso polare che non troverà la via del ritorno. Un Speizies che è in pericolo di estinzione. Nessuna onda attraversa questo silenzio inquietante del lavoro. La piattaforma di ghiaccio è accennata in lontananza solo come una linea bianca all’orizzonte. Sarebbe lei, la casa dell’orso polare. L’Orso polare del 2010 è un’esplorazione artistica delle conseguenze dei cambiamenti climatici. Olio su tela Oppure: horror su tela. Le opere di Seebauer per l’ambiente e la società non sono per i deboli di cuore. ¹⁰⁾Discussione: Margit von Hohenstein

Oso polar de pintura al óleo,

Antes rica amarillo cálido, el artista establece el oso polar solitario y triste a parecer como si la deriva en un témpano de hielo en el infinito actuación opresivo. El juego de colores entre el frío y para un tema ártico azules esperados en transición con ocre caliente / tonos amarillos parece poco familiar y sin embargo es una referencia directa al calentamiento global que no se puede expresar de manera más drástica. A primera vista, el motivo “oso polar” parece pacífico y completamente armonioso. Pero después de unas cuantas miradas al espectador erschliest la inevitabilidad mortal del sujeto: Un oso polar es volver a encontrar ninguna manera. Un Speizies que está en peligro de extinción. Ninguna ola rompe este misterioso silencio del trabajo. La plataforma de hielo sólo se indica como una línea blanca en el horizonte en la distancia. Esa sería ella, la casa del oso polar. El “oso polar” de 2010 es una exploración artística de las consecuencias del cambio climático. Óleo sobre lienzo. O bien: horror sobre lienzo. Las obras de Seebauer, ambiental y socialmente críticas, no son para los pusilánimes. ¹¹⁾Discusión de la imagen: Margit von Hohenstein

Малярная окраска белого медведя,

Художник устраивает одинокого и потерянного вида белого медведя перед богатым, теплым желтым, который, кажется, дрейфует в гнетущую кажущуюся бесконечность на льдине. Игра цветов между прохладным и ожидаемым для арктических мотивов синими тонами при переходе с теплыми охристыми / желтыми тонами кажется необычной, и все же это прямой намек на глобальное потепление, которое нельзя выразить более резко. На первый взгляд мотив «белый медведь» выглядит мирным и полностью гармоничным. Но лишь немногие проблески, зритель осознает смертельную неизбежность мотивов: белого медведя, который не найдет пути назад. Специи, которым угрожает исчезновение. Никакая волна не прорывается сквозь эту жуткую тишину работы. Ледяной шельф намекает на расстоянии только как белая линия на горизонте. Это она, дом белого медведя. «Белый медведь» 2010 года представляет собой художественное исследование последствий изменения климата. Холст, масло. Или: ужас на холсте. Экологические и социально-критические работы Зеебауэра не для слабонервных. ¹²⁾Обсуждение изображения: Маргит фон Хоэнштейн

Polar Bear Ölgemälde

Auf den ersten Blick erscheint das Ölgemälde „Polar Bear“ doch sehr friedvoll: Vorn ist das helle, eiskalte Polarmeer und am Horizont der charakteristische graublaue Polarhimmel zu sehen. Sieht der Betrachter jedoch genau hin, erkennt er in der rechten Bildmitte, in ganz leichten Farben, fast nicht zu sehen, einen Eisbären auf einer Eisplatte stehend. Er streckt das rechte Vorderbein aus und versucht scheinbar auf die sich vor ihm schwimmende kleine Eisscholle zu bewegen. Die Scholle wird den schweren Eisbären jedoch mit Sicherheit nicht tragen können. Der Betrachter weiß, was als nächstes passieren wird: Der Eisbär wird feststellen, dass er auf seiner Eisscholle gefangen ist. Er wird sich umblicken und erkennen, dass weit und breit kein arktisches Land und damit auch kein Lebensraum mehr für ihn vorhanden ist. Bald wird auch seine Scholle weggeschmolzen sein, er wird sich im Meer befinden und dies wird sein Ende sein. Dieses zunächst idyllisch wirkende Gemälde entfaltet also erst bei genauerem Hinsehen seine grausame Realität. Eine Realität, die wir alle zu verantworten haben. Der Künstler ruft mit seinem Werk zum Nachdenken und zum Handeln auf. Wir dürfen die Zerstörung unserer Flora und Fauna nicht zulassen! Genre: Umweltkritische Malerie/ sozialkritische Malerei Technik: Ölfarben auf Leinwand Stil: Realismus/ Impressionismus

Polar Bear Oil Painting

At first glance, the oil painting “Polar Bear” appears very peaceful: on the front is the bright, ice-cold polar sea and on the horizon the characteristic gray-blue polar sky can be seen. However, if the observer looks closely, he sees in the center of the picture, in very light colors, almost invisible, a polar bear standing on an ice plate. He reaches out his right front leg and seems to be trying to move to the small ice floe floating in front of him. The plaice will certainly not be able to carry the heavy polar bear. The viewer knows what will happen next: The polar bear will find himself trapped on his ice floe. He will look around and realize that there is no Arctic country and therefore no living space for him. Soon his plaice will be melted away, he will be in the sea and this will be his end. This initially idyllic-looking painting thus unfolds its cruel reality only on closer inspection. A reality that we all have to answer for. The artist calls to thinking and acting with his work. We must not allow the destruction of our flora and fauna! Genre: Environmental Critical Painting / Sociocritical Painting Technique: oil paints on canvas Style: Realism / Impressionism

Polar Bear Oil Painting

At first glance, the oil painting “Polar Bear” appears very peaceful: on the front is the bright, ice-cold polar sea and on the horizon the characteristic gray-blue polar sky can be seen. However, if the observer looks closely, he sees in the center of the picture, in very light colors, almost invisible, a polar bear standing on an ice plate. He reaches out his right front leg and seems to be trying to move to the small ice floe floating in front of him. The plaice will certainly not be able to carry the heavy polar bear. The viewer knows what will happen next: The polar bear will find himself trapped on his ice floe. He will look around and realize that there is no Arctic country and therefore no living space for him. Soon his plaice will be melted away, he will be in the sea and this will be his end. This initially idyllic-looking painting thus unfolds its cruel reality only on closer inspection. A reality that we all have to answer for. The artist calls to thinking and acting with his work. We must not allow the destruction of our flora and fauna! Genre: Environmental Critical Painting / Sociocritical Painting Technique: oil paints on canvas Style: Realism / Impressionism

Pittura a olio su orso polare

A prima vista, il dipinto ad olio “Orso polare” appare molto tranquillo: sul fronte è il mare polare luminoso e ghiacciato e all’orizzonte si può vedere il caratteristico cielo polare grigio-blu. Tuttavia, se l’osservatore guarda da vicino, vede al centro dell’immagine, in colori molto chiari, quasi invisibili, un orso polare in piedi su una lastra di ghiaccio. Allunga la gamba anteriore destra e sembra stia tentando di spostarsi sul piccolo banco di ghiaccio che fluttua davanti a lui. La platessa non sarà certamente in grado di trasportare l’orso polare pesante. Lo spettatore sa cosa succederà dopo: l’orso polare si ritroverà intrappolato nel suo ghiaccio. Si guarderà intorno e si renderà conto che non esiste un paese artico e quindi non c’è spazio per lui. Presto la sua platessa si scioglierà, sarà nel mare e questa sarà la sua fine. Questa pittura inizialmente idilliaca rivela così la sua realtà crudele solo a un esame più attento. Una realtà a cui tutti dobbiamo rispondere. L’artista chiama a pensare e recitare con il suo lavoro. Non dobbiamo permettere la distruzione della nostra flora e fauna! Genere: Pittura critica ambientale / Pittura sociocritica Tecnica: colori ad olio su tela Stile: Realismo / Impressionismo

Pintura al óleo de oso polar

A primera vista, la pintura al óleo “Oso Polar” parece muy pacífica: en el frente está el mar polar brillante y helado, y en el horizonte se puede ver el característico cielo polar azul grisáceo. Sin embargo, si el observador mira de cerca, ve en el centro de la imagen, en colores muy claros, casi invisibles, un oso polar parado en un plato de hielo. Extiende su pata delantera derecha y parece estar tratando de moverse hacia el pequeño témpano de hielo que flota frente a él. La solla no podrá llevar el pesado oso polar. El espectador sabe lo que sucederá a continuación: el oso polar se encontrará atrapado en su témpano de hielo. Él mirará alrededor y se dará cuenta de que no hay un país ártico y, por lo tanto, no hay espacio vital para él. Pronto su solla se derretirá, él estará en el mar y este será su fin. Esta pintura inicialmente de aspecto idílico despliega su cruel realidad solo en una inspección más cercana. Una realidad por la que todos tenemos que responder. El artista llama a pensar y actuar con su trabajo. ¡No debemos permitir la destrucción de nuestra flora y fauna! Género: Pintura crítica ambiental / Pintura sociocrítica Técnica: pinturas al óleo sobre lienzo Estilo: Realismo / Impresionismo

Картина маслом белого медведя

На первый взгляд картина маслом «Белый медведь» выглядит очень мирной: на фронте светлое ледяное полярное море, а на горизонте видно характерное серо-голубое полярное небо. Однако, если наблюдатель пристально смотрит, он видит в центре картины очень светлые цвета, почти невидимые, полярный медведь, стоящий на ледяной тарелке. Он протягивает правую переднюю ногу и, кажется, пытается двигаться к маленькой льдине, плавающей перед ним. Камбала, безусловно, не сможет нести тяжелого белого медведя. Зритель знает, что будет дальше: полярный медведь окажется в ловушке на своей льдине. Он будет оглядываться и понимать, что нет арктической страны и, следовательно, нет жизненного пространства для него. Вскоре его камбала растает, он будет в море, и это будет его конец. Эта оригинальная идиллическая картина, таким образом, раскрывает свою жестокую реальность только при ближайшем рассмотрении. Реальность, на которую мы все должны ответить. Художник призывает думать и действовать со своей работой. Мы не должны допустить разрушения нашей флоры и фауны! Жанр: Экологическая критическая живопись / Социокритическая живопись Техника: масляные краски на холсте Стиль: Реализм / Импрессионизм

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What is happening in the Middle East? We still do not know. I´m holding the impression on canvas, curious of what shall come ….

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March 18th 2011. The people of Benghazi celebrate the UN resolution to enforce a no-fly zone by waving flags of freedom. They are risking a lot. Muammar al-Gaddafis army ist still fighting against the rebels, bombing targets in and around Benghazi. Not only as an artist, I’m shocked and curious to see how this develops.

The Reputation of Benghazi Oil Painting in high resolution

The Reputation of Benghazi Oil Painting, Posts

“La ilusionante Primavera Árabe tal parecería que se ha estancado en un largo otoño en Siria. Todo empezó hace años en Túnez, donde la muerte de un simple vendedor callejero desató la mayor revolución no armada en la milenaria historia del Islam….” Padre Tomas Del Valle-Reyes:

Le blog de Mohamed Belaali

Les manifestations contre la dynastie des Al Saoud notamment dans les provinces orientales se poursuivent et se ressemblent. Chaque manifestation se termine par une répression sanglante. Cette violence exercée sur des manifestants pacifiques se fait à huis clos. Le silence des États-Unis, de l’Europe …

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Here I am painting in a Thai National Park Ao Phang Nga. Khao Phing can be known as James Bond Island.

Khao Phing Kan (Thai: เขาพิงกัน, wörtlich schiefer Felsen) ist eine Insel in der Bucht von Phang-nga im Süden Thailands. Bekannt geworden ist Khao Phing Kan als „James-Bond-Insel“ und durch die vorgelagerte Felsnadel Khao Ta-Pu. Die Insel liegt im Landkreis (Amphoe) Takua Thung der Provinz Phang-nga. Sie bestand ursprünglich aus einem großen Felsen, der dann in zwei Teile zerborsten ist. Der kleinere Teil ist heruntergerutscht, der größere Teil scheint sich auf die Seite zu lehnen. Die Insel mit grün bewachsenen, bis zu 300 Meter senkrecht aufsteigenden, von Höhlen und Grotten durchlöcherten Felsen gehört zum Nationalpark Ao Phang-nga (Thai: อุทยานแห่งชาติอ่าวพังงา). Die Insel wie auch die restliche Phang-nga-Bucht mit ihren bizarren Kalksteinfelsen und smaragdgrüner See ist durch Wind, Wetter, Meeresströmungen und Erdverschiebungen der letzten 100 Millionen Jahre geformt worden. https://de.wikipedia.org/wiki/Khao_Phing_Kan Khao Phing Kan (Thai: เขาพิงกัน, pronounced [kʰǎw pʰīŋ kān]) or Ko Khao Phing Kan (เกาะเขาพิงกัน, [kɔ̀ʔ kʰǎw pʰīŋ kān]) is an island in Thailand, in Phang Nga Bay northeast of Phuket. The islands are limestone tower karsts … and are a part of Ao Phang Nga National Park. About 40 metres (130 ft) from the shores of Khao Phing Kan lies a 20-metre (66 ft) tall islet called Ko Ta Pu (เกาะตาปู, [kɔ̀ʔ tāː pūː]) or Ko Tapu (เกาะตะปู, [kɔ̀ʔ tā.pūː]). Since 1974, when they were featured in the James Bond movie The Man with the Golden Gun, Khao Phing Kan and Ko Ta Pu have been popularly called James Bond Island. source https://en.wikipedia.org/wiki/Khao_Phing_Kan

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The construction of the Taj Mahal was begun soon after the death of Mumtaz Mahal in 1631. And completed to 1648. It involved over 20,000 craftsmen. From all over Asia.

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The Crown Palace is surely one of the most impressive buildings I have ever seen. What really fascinated me was dripping wet oil paint, outlining all previously drawn – melting into each other.

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Taj Mahal

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What reason did the people have to create Stonehenge 5000 years ago? There are countless myths, legends and speculations about it. The prehistoric stone circle in the evening sun.Title: Stonehenge

Ölgemälde: Stonehenge

Dieses Stonehenge-Ölgemälde ging für einen hohen Betrag an eine Münchner Kunstliebhaberin. Es war als Leihgabe auf mehreren Vernissagen und Ausstellungen. Das Ölgemälde „Stonehenge 1“ zählt zu den bekanntesten und beliebtesten Treffern im Internet und ist Gegenstand zahlreicher Repliken, zum Beispiel aus Fernost, welche zum Teil neben Claude Monet und van Gogh angeboten werden. Das Werk bleibt von seiner Machart, seinem impulsiven bis impressionistischen Stil und seiner einzigartigen Farbgebung unerreicht. Heute dürfte dieses Werk einen Wert im oberen fünfstelligen Bereich haben. Tags: Stonehenge, Ölmalerei, Ölgemälde, Impressionismus, Realismus, mystische Landschaftsmalerei, Steinkreise, Prä-Astronautik, Paläo-SETI, Tempelanlage, Kunstwerk,

Oil painting: Stonehenge

This Stonehenge oil painting went to a Munich art lover for a large amount. It was on loan at several vernissages and exhibitions. The oil painting “Stonehenge 1” is one of the most famous and popular hits on the Internet and is the subject of numerous replicas, for example from the Far East, which are offered in part alongside Claude Monet and van Gogh. The work remains unmatched in its style, its impulsive to impressionistic style and its unique color scheme. Today, this plant should have a value in the upper five-digit range. Tags: Stonehenge, Oil Painting, Oil Painting, Impressionism, Realism, Mystical Landscape Painting, Stone Circles, Pre-Astronautics, Paleo-SETI, Temple Complex, Artwork,

Peinture à l’huile: Stonehenge

Cette peinture à l’huile Stonehenge est allé à un amateur d’art de Munich pour une grande quantité. Il était prêté à plusieurs vernissages et expositions. La peinture à l’huile “Stonehenge 1” est l’un des succès les plus célèbres et les plus populaires sur Internet et fait l’objet de nombreuses répliques, par exemple d’Extrême-Orient, qui sont proposées en partie aux côtés de Claude Monet et van Gogh. Le travail reste inégalé dans son style, son style impulsif au style impressionniste et son schéma de couleurs unique. Aujourd’hui, cette usine devrait avoir une valeur dans la gamme supérieure à cinq chiffres. Tags: Stonehenge, Peinture à l’huile, Peinture à l’huile, Impressionnisme, Réalisme, Peinture de paysage mystique, Cercles de pierre, Pré-astronautique, Paléo-SETI, Temple Complex, Oeuvre,

Pittura a olio: Stonehenge

Questo dipinto ad olio di Stonehenge è andato a un appassionato d’arte di Monaco per una grande quantità. Era in prestito in diversi vernissage e mostre. Il dipinto ad olio “Stonehenge 1” è uno dei più famosi e popolari successi su Internet ed è oggetto di numerose repliche, ad esempio dall’Estremo Oriente, che vengono offerte in parte a fianco di Claude Monet e van Gogh. Il lavoro rimane impareggiabile nel suo stile, il suo impulsivo stile impressionista e il suo schema cromatico unico. Oggi, questa pianta dovrebbe avere un valore nell’intervallo superiore di cinque cifre. Tag: Stonehenge, Pittura ad olio, Pittura ad olio, Impressionismo, Realismo, Pittura mistica del paesaggio, Cerchi di pietra, Pre-astronautica, Paleo-SETI, Complesso templare, Opera d’arte,

Pintura al óleo: Stonehenge

Esta pintura al óleo de Stonehenge fue para un amante del arte de Munich por una gran cantidad. Fue en préstamo en varios vernissages y exposiciones. La pintura al óleo “Stonehenge 1” es uno de los éxitos más famosos y populares en Internet y es objeto de numerosas réplicas, por ejemplo, del Lejano Oriente, que se ofrecen en parte junto a Claude Monet y Van Gogh. El trabajo sigue siendo incomparable en su estilo, su estilo impulsivo a impresionista y su esquema de color único. Hoy, esta planta debería tener un valor en el rango superior de cinco dígitos. Etiquetas: Stonehenge, Pintura al óleo, Pintura al óleo, Impresionismo, Realismo, Pintura mística del paisaje, Círculos de piedra, Pre-astronáutica, Paleo-SETI, Complejo del templo, Obra de arte,

Картина маслом: Стоунхендж

Эта картина маслом Стоунхенджа досталась мюнхенскому любителю искусства за большую сумму. Это было взаймы на нескольких вернисажах и выставках. Картина маслом «Стоунхендж 1» является одним из самых известных и популярных хитов в Интернете и является предметом многочисленных реплик, например, с Дальнего Востока, которые предлагаются частично вместе с Клодом Моне и ван Гогом. Работа остается непревзойденной по своему стилю, ее импульсивному к импрессионистическому стилю и уникальной цветовой гамме. Сегодня этот завод должен иметь значение в верхнем пятизначном диапазоне. Теги: Стоунхендж, Картина маслом, Картина маслом, Импрессионизм, Реализм, Мистическая пейзажная живопись, Каменные круги, Предастронавтика, Палео-SETI, Храмовый комплекс, Произведение искусства,

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Sunset. I love it! In the background you can see some wild animals from the setting sun.

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With their acrobatic leaps I have enchanted dolphins in Turkey.

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The Easter Island Rapa Nui lies in the South-East Pacific, more than 3,500 km off the Chilean coast. Because of the Moai cult (638 stone figures) the people destroyed their own livelihood. They needed so many logs to transport the heavy sculptures to the coast, so that finally, the last tree was cut down. To this day, the writing Rongorongo (top) is not deciphered.

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The Easter Island in the South Pacific (not the ‘Easter Island’ off the West Australian coast).The guards (moai) are looking over the ocean in this full-moon night. The Isla de Pascua (Rapa Nui) is completely isolated in the southeast Pacific.

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Bagan. King city in Myanmar.

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Here again, the pagodas of Bagan. A dream to paint!

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Bagan is a historic royal city in the Mandalay region in the heart of Myanmar.

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Here I paint the ancient Mayan ruins at Xel Ha (Tulum / Mexico).

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In 2008 I was in Chichen Itza, Mexico. No visitors, no men! The paint I have to! To the 30-meter-high Pyramid of Kukulkan is shrouded in many myths. In the foreground: The Templo de los Guerrero.

Pinned by SpringHill Suites/ Marriott Hotel Group

But there is only one original oil painting.

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In the holidays I was at the Meteora monasteries. Meteorizo ??means to live in the highest! Spectacular is the monastery Rousanou. From 1288. It is inhabited. The facilities were world-famous Meteora. As a film set for James Bond. In Deadly Mission. Background: Agía-Triáda Monastery.

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The legendary Machu Picchu is located in the Peruvian Andes. In 2360 meters altitude. My sketch shows the ruins of the Incas. Look at the 2,700-meter Huayna Picchu.

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For a long time Machu Picchu was undiscovered. There are many mysteries. And a lot of myths. Reason enough to stimulate the senses of a painter!

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Lavender high above the Ligurian coast. A look across to the coast of Cinque Terre.

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Dear Website visitors,
my world exists of images and colors. Vivacious oil paintings (eg mystical landscapes), but also environmental and social-critical works. As an artist. I would like to lead you through my world and hope you enjoy it
Christian Seebauer

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This painting of poppies was established in January 2010. In the middle of winter. As it was dull and gray outside, I wanted to see some color on the canvas.

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At home in four churches.

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The Jang Tse Kiang is 6380 km long. After the Nile and the Amazon, the third longest river.

Jang Tse Ölgemälde

Aus der Vogelperspektive ist auf dem Ölgemälde „Jang Tse“ ganz vorn links ein karger Baum zu sehen, hinter dem sich in der Bildmitte ein in das Licht der Abendsonne getränkter Fluss zwischen Bergen langschlängelt. Auf dem Fluss erkennt der Betrachter aus der Entfernung einen Dampfer. Im Hintergrund verliert sich dieser Fluss dann in den Bergen. Wie aus dem Bildtitel zu entnehmen ist, hat der Künstler den Jangtse Fluss, den längsten Fluss der Welt, dargestellt. Er verläuft von Tibet bis ins Ostchinesische Meer und ist auch bei Touristen sehr beliebt. Möglicherweise befinden sich gerade Besucher aus China und der Welt auf dem Schiff in der Bildmitte. Vielleicht stehen sie an Deck, genießen die Abendsonne und betrachten die vorbeiziehenden Berge und Landschaften. Wo sie wohl anlegen werden? Das Gemälde ist nahezu romantisch und lädt zum Verweilen und Träumen ein. Bekommt da nicht jeder ein wenig Fernweh? Genre: Landschaftsmalerei Technik: Ölfarben auf Leinwand Stil: Realismus/ Impressionismus

Jang Tse Oil Painting

From the bird’s-eye view, on the oil painting “Jang Tse” at the front left, a barren tree can be seen, behind which, in the middle of the picture, a river between mountains, steeped in the light of the evening sun, winds its way. On the river, the viewer recognizes a steamer from a distance. In the background, this river then loses itself in the mountains. As can be seen from the title, the artist depicted the Yangtze River, the longest river in the world. It runs from Tibet to the East China Sea and is also popular with tourists. It is possible that visitors from China and the world are currently in the middle of the ship. Perhaps they are on deck, enjoying the evening sun and looking at the passing mountains and landscapes. Where you will probably invest? The painting is almost romantic and invites you to linger and dream. Does not everyone get a little wanderlust? Genre: landscape painting Technique: oil paints on canvas Style: Realism / Impressionism

Jang Tse Peinture à l’huile

De la vue plongeante, sur la peinture à l’huile “Jang Tse” à l’avant gauche, on voit un arbre stérile, derrière lequel, au centre de l’image, une rivière entre les montagnes, baignée par le soleil du soir, serpente. Sur la rivière, le spectateur reconnaît un bateau à vapeur à distance. Au fond, cette rivière se perd ensuite dans les montagnes. Comme on peut le voir sur le titre, l’artiste a représenté le fleuve Yangtze, le plus long fleuve du monde. Il va du Tibet à la mer de Chine orientale et est également populaire auprès des touristes. Il est possible que des visiteurs de Chine et du monde se trouvent actuellement au milieu du navire. Peut-être sont-ils sur le pont, profitant du soleil du soir et regardant les montagnes et les paysages qui passent. Où vous allez probablement investir? La peinture est presque romantique et vous invite à vous attarder et à rêver. Tout le monde n’obtient-il pas un peu d’envie de voyager? Genre: peinture de paysage Technique: peintures à l’huile sur toile Style: Réalisme / Impressionnisme

Jang Tse Oil Painting

Una vista a volo d’uccello del dipinto ad olio “Jang Tse” nella parte anteriore sinistra mostra un albero sterile dietro il quale, al centro dell’immagine, un fiume tra le montagne bagnate dalla luce del sole della sera si snoda. Sul fiume, l’osservatore riconosce un piroscafo da una certa distanza. Sullo sfondo questo fiume si perde poi sulle montagne. Come si può vedere dal titolo, l’artista ha raffigurato il fiume Yangtze, il fiume più lungo del mondo. Funziona dal Tibet al Mar Cinese orientale ed è anche popolare tra i turisti. È possibile che i visitatori dalla Cina e dal mondo siano attualmente nel mezzo della nave. Forse sono sul ponte, godendosi il sole della sera e guardando le montagne e i paesaggi che passano. Dove probabilmente investirai? Il dipinto è quasi romantico e ti invita a soffermarti e sognare. Non tutti hanno un po ‘di voglia di viaggiare? Genere: pittura di paesaggio Tecnica: colori ad olio su tela Stile: Realismo / Impressionismo

Pintura al óleo Jang Tse

Desde la vista de pájaro, en la pintura al óleo “Jang Tse” en la parte delantera izquierda, se puede ver un árbol estéril, detrás del cual, en el centro de la imagen, un río entre montañas, empapado a la luz del sol de la tarde, serpientes. En el río, el espectador reconoce un barco de vapor desde la distancia. Al fondo, este río se pierde en las montañas. Como se puede ver en el título, el artista representó el río Yangtze, el río más largo del mundo. Funciona desde el Tíbet hasta el Mar Oriental de China y también es popular entre los turistas. Es posible que los visitantes de China y del mundo se encuentren actualmente en el medio del barco. Tal vez están en cubierta, disfrutando del sol de la tarde y mirando las montañas y paisajes que pasan. ¿Dónde probablemente invertirás? La pintura es casi romántica y te invita a quedarse y soñar. ¿No todos tienen un poco de pasión por los viajes? Género: pintura de paisaje Técnica: pinturas al óleo sobre lienzo Estilo: Realismo / Impresionismo

Pintura al óleo Jang Tse

Desde la vista de pájaro, en la pintura al óleo “Jang Tse” en la parte delantera izquierda, se puede ver un árbol estéril, detrás del cual, en el centro de la imagen, un río entre montañas, empapado a la luz del sol de la tarde, serpientes. En el río, el espectador reconoce un barco de vapor desde la distancia. Al fondo, este río se pierde en las montañas. Como se puede ver en el título, el artista representó el río Yangtze, el río más largo del mundo. Funciona desde el Tíbet hasta el Mar Oriental de China y también es popular entre los turistas. Es posible que los visitantes de China y del mundo se encuentren actualmente en el medio del barco. Tal vez están en cubierta, disfrutando del sol de la tarde y mirando las montañas y paisajes que pasan. ¿Dónde probablemente invertirás? La pintura es casi romántica y te invita a quedarse y soñar. ¿No todos tienen un poco de pasión por los viajes? Género: pintura de paisaje Técnica: pinturas al óleo sobre lienzo Estilo: Realismo / Impresionismo…

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A gondola ride must have made everyone once in your life! Not in Las Vegas. But in Venice!

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Venice was once more stress for me. Today I paint! And I need some rest. Tip: leave the car in Desenzano. Relaxed travel by train to Venice. Right in the center. It could not be better!

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Here I am painting in Umbria. The landscape is similar to that of Tuscany.

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As soon as I have painted the lavender field, it was already sold. Actually, I would like to hang themselves.

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Be a student. That was great!. No money. However, lots of time! Time to paint. And time to learn a language.

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Perugia is the capital of Umbria. Here I once studied at the university. Recommended: Trips to Assisi to Gubbio, Lake Trasimeno or after.

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Try it once again in red colour, my friends told me. Well- that´s it!Why actually not! And now it´s a totally different picture ….

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Inspired by a sensational photograph of Uwe Schrader I tried to catch the evening setting as an oil painting – knowing,that I couldn´t reach the quality of this pictures.But despite it gave me fun to give a try on this.
header: Toscana Night
Photographs Uwe Schrader

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Gardone on the western side of Lake Garda. The eight communities in Limone sul Garda, Malcesine, Tignale, Gargnano, Toscolano-Maderno, Magasa, Gardone and Salo are the ‘Riviera dei limoni “. The Vittoriale degli Italiani is absolutely worth seeing.

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The harbor. Another image. Here it is just beautiful!

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The port of Maderno. Lake Garda.

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Background: Torri del Benaco

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Gargnano is located on the western shore of Lake Garda. It consists of three parts. Bogliaco, Villa and Gargnano. Especially recommended: Eating at the Lido (by Adriano).

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The hotel Zanzanu. Large olive trees, large brush strokes, no small stuff! In the background of Monte Baldo.

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The Zanzanù hotel (mountain spirit, Fam Collini), high above the lake and sometimes even above the clouds. Perfect for those seeking relaxation with a breathtaking 180-degree view. In the background Monte Baldo in June with snow.

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From Oldesio you follow the Path 260th Towards Prato to the fork after about 5 minutes. Then it goes through the olive groves further down towards Aer.

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Since many years, Tonino defends the demolition of his pizzeria in Campione del Garda. It stands between construction cranes and new buildings. Lesen Sie in der ZEIT: Das verkaufte Dorf

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This was my first painting after 20 years break.

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A sketch from Oldesio. Shortly after the sun went down.

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From Oldesio you can hike to Prato della Fame. Or you can sit down. And paint! In the background is Toscolano / Maderno. Right leads up to Monte Rocchetta.

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The creek Presso. Tignale.

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From Gardola goes on foot to Monte Castello. From here it is on the back of Monte Castello on the path of Prabione up to Campione. Sturdy shoes and water recommended!

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A brief sketch. An old man said: It gets even better. He was right!

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Sanico. High above the harbor is the Church of Maclino. Background: Isola del Garda and Sirmione.

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Early in the morning and evening Sirmione’s beautiful!

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Sirmione is located on the south side of Lake Garda.

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View of the Port of Tignale. Rocks of the Val di Baes and the Val di Piovere.

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The Port of Tignale. A small sketch.

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Another picture of Al Pra. I will surely come here again.

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Al Pra Located on Lake Garda. Between lime and Gargnano. After working there for Laura the best food!

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View over the Val Piovere. Over a picturesque mountain village. Perfectly.

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Piovere means rain. Piovere is an idyllic mountain village in the region Tignale / Lake Garda. Here also, the trail starts to Muslone.

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Ideal for the whole family is the magnificent rocky trail No. 265 From Muslone to Piovere. On the west coast of Lake Garda. Far away from mass tourism. Super. Background: Monte Baldo.

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A Moriv Muslone in Lake Garda.

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Often wandered, and always nice: The stone path, and the Piovere Muslone.

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Here below the church is the trail going to Muslone. Left the road and up to Tignale Gardola. Far left is the monastery of Monte Castello. Here you can make beautiful walks to Campione.

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A yellow house in Pacengo on Lake Garda.

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Sunset at Nervi. Just shortly after on the Via Aurelia. Everything went so fast that to paint only the memory and imagination remained.

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Portofino in the middle of a thunderstorm? First it was raining from the clouds. For painting, it was not possible. But shortly afterwards pulled on the sky. Light rays can be seen!

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Afternoon in Portofino.

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Portofino, the Latin name is Portus Delphini (Dolphin), is part of the Ligurian coast Cinque Terre. Looking back from the path leading to the lighthouse you have this wonderful view of the secluded bay.

Hafen von Portofino – Impressionistisches Ölgemälde auf Leinwand

Bei der Suche nach impressionistischen Ölgemälden von Portofino stößt man unweigerlich auf den Künstler Christian Seebauer, der in der breiten Öffentlichkeit eher auf Grund seiner Umwelt- und sozialkritische Ölgemälde bekannt geworden ist. Seine Landschaftsmalerei steht dem allerdings in nichts nach und ist mittlerweile weltbekannt. So ist eines seiner Werke über das Taj Mahal in Inden das Hauptmotiv des Bollywood „Ho Gaya Hai Mera Dil Patanga“. Das Ölgemälde „Hafen von Portofino“ ist einer der Klassiker, was das Klischee impressionistischer Italienmotive betrifft und wir dementsprechend oft kopiert. Wie oft in seinen Werken fängt der Künstler in seiner Hommage auf Portofino die wenigen Minuten kurz nach dem Sonnenuntergang in seiner vollen Dramatik ein. Dabei greift der impressionistisch arbeitende Künstler tief in die Trickkiste der Malerei, um die Stimmung des Werks zu verstärken: Die Häuserfront Portofinos wird auf der rechten Seite gerade noch vom letzten Abendlicht beschienen. Trotzdem übernimmt der Künstler raffiniert die hellen und warmen Gelbtöne im Hintergrund am Abendhimmel, obwohl sie eigentlich so gar nicht da sein dürften. Dem Betrachter stellt sich eine unglaublich lebendige, einprägsame und einnehmende Kulisse, innerhalb derer der Hafen von Portofino wie ein zeitloses Idyll inszeniert wird. Keine der großen Jachten und Luxusschiffe finden Eingang in das Werk. Es bleibt zeitlos, weil sie am Ölgemälde fehlen, während die alten kleinen Fischerboote und Segelboote zum Markenzeichen Portofinos stilisiert werden. Darf man in der Kunst weglassen, was man nicht sehen möchte und betonen, was man sehen möchte? Seebauer scheint auf derlei Fragen keine Rücksicht zu nehmen und Italien mit so viel Herz zu malen, dass das Ölgemälde längst die Internetcharts erobert hat. Es ist eines der Ölgemälde, die alle Klischees einer heilen Welt und alle Sehnsüchte zu erfüllen schient, die man sich von dem einsamen Hafen am Mittelmeer erträumen möchte. Auch wenn dies auf Portofino in der heutigen Zeit längst nicht mehr bedingungslos so zutrifft. Italienische Architektur alter Steinhäuser am Hafen. Die Ruhe einzelner weniger Personen, die am Kai entlangwandern. Das türkisblaue Wasser, dessen Oberfläche gleichzeitig aufgewühlt zu sein scheint und doch diesen tiefen Frieden ausstrahlt. Seebauer vereint in diesem Werk wie in vielen anderen die vielen Widersprüche einer schönen und verletzlichen Kulisse. Das Werk zeigt Licht und Schatten. Es lebt aber auch vom Einsatz der Komplementärfarben. Es versperrt die Sicht durch die Hügel Portofinos und bietet doch dem Blick des Betrachters eine unglaubliche Weite und Offenheit. Als Ölgemälde auf Leinwand besticht der „Hafen von Portofino“ mit seiner ungeheuren Leuchtkraft und Farbvielfalt ganz im Sinne alter Meister des Impressionismus. Eine Bildbeschreibung von Hanna Dahlmann. Im Folgenden übersetzt:

Portofino Port – Impressionist Oil Painting on Canvas

When looking for impressionist oil paintings by Portofino, one inevitably encounters the artist Christian Seebauer, who has become known to the general public more due to his environmental and sociocritical oil paintings. His landscape painting is, however, in no way inferior and is now world famous. One of his works about the Taj Mahal in Inden is the main motive of the Bollywood “Ho Gaya Hai Mera Dil Patanga”. The oil painting “Port of Portofino” is one of the classics, as far as the cliché of Italian Impressionist motifs is concerned and we copy accordingly. As is often the case in his works, the artist, in his homage to Portofino, captures the few minutes shortly after sunset in his full drama. At the same time, the impressionist artist takes a deep breath in the trick box of painting in order to enhance the mood of the work: on the right side, the Portofinos house front is just lit up by the last evening light. Nevertheless, the artist cleverly takes over the bright and warm yellows in the background in the evening sky, even though they are not supposed to be there. The viewer is presented with an incredibly lively, memorable and engaging setting, within which the port of Portofino is staged like a timeless idyll. None of the big yachts and luxury ships enter the factory. It remains timeless because they lack the oil painting, while the old small fishing boats and sailboats are stylized to the Portofinos brand. Can one leave out in art what one does not want to see and emphasize what one wants to see? Seebauer seems to take no account of such questions and to paint Italy with so much heart that the oil painting has long since conquered the Internet charts. It is one of the oil paintings that seem to fulfill all the clichés of a perfect world and all the yearnings one would want to dream of from the lonely harbor on the Mediterranean. Even though this is no longer unconditionally true on Portofino today. Italian architecture of old stone houses at the harbor. The peace of a few people walking along the quay. The turquoise-blue waters, whose surface seems at the same time to be agitated, yet radiates this deep peace. Seebauer unites in this work as in many others the many contradictions of a beautiful and vulnerable scenery. The work shows light and shadow. But it also lives from the use of complementary colors. It obstructs the view through the hills Portofinos and yet offers the viewer’s view an incredible width and openness. As an oil painting on canvas, the “port of Portofino” captivates with its tremendous luminosity and variety of colors in the spirit of old masters of impressionism. Eine Bildbeschreibung von Hanna Dahlmann. Im Folgenden übersetzt:

Portofino Port – Peinture à l’huile impressionniste sur toile

Lorsque vous cherchez peintures à l’huile de Portofino impressionistes vous venez inévitablement à travers l’artiste Christian Seebauer, qui est plus connu du grand public en raison de ses peintures à l’huile et l’environnement socio-critiques. Sa peinture de paysage n’est cependant pas inférieure et est maintenant mondialement connue. Une de ses œuvres sur le Taj Mahal à Inden est le motif principal du Bollywood “Ho Gaya Hai Mera Dil Patanga”. La peinture à l’huile “Port de Portofino” est l’un des classiques, en ce qui concerne le cliché des motifs impressionnistes italiens et nous copions en conséquence. Comme c’est souvent le cas dans ses œuvres, l’artiste, dans son hommage à Portofino, capture les quelques minutes peu après le coucher du soleil dans son drame complet. Ici, les artistes impressionnistes de travail atteint profondément dans leur sac à malices de la peinture pour améliorer l’humeur du travail: La façade de la maison Portofino est juste rayonnait sur le côté droit de la dernière lumière du soir. Néanmoins, l’artiste reprend intelligemment les jaunes brillants et chaleureux dans le fond du ciel du soir, même s’ils ne sont pas supposés être là. Le spectateur est présenté avec une toile de fond incroyablement animée, mémorable et engageante, dans laquelle le port de Portofino est mis en scène comme une idylle intemporelle. Aucun des grands yachts et des navires de luxe n’entrent dans l’usine. Il reste intemporel car il leur manque la peinture à l’huile, tandis que les anciens petits bateaux de pêche et voiliers sont stylisés à la marque Portofinos. Peut-on omettre dans l’art ce qu’on ne veut pas voir et souligner ce qu’on veut voir? Seebauer semble ne pas tenir compte de telles questions et peindre l’Italie avec tant de coeur, que la peinture à l’huile a depuis longtemps conquis les cartes Internet. Il est l’une des peintures à l’huile, les attelles pour répondre à tous les stéréotypes d’un monde idéal et toutes les aspirations que vous voulez rêver du port solitaire sur la Méditerranée. Même si ce n’est plus inconditionnellement vrai sur Portofino aujourd’hui. Architecture italienne de vieilles maisons en pierre au port. La paix de quelques personnes marchant le long du quai. Les eaux bleu turquoise, dont la surface semble en même temps être agitée, rayonnent pourtant cette paix profonde. Seebauer réunit dans ce travail comme dans beaucoup d’autres les nombreuses contradictions d’un paysage beau et vulnérable. Le travail montre la lumière et l’ombre. Mais il vit aussi de l’utilisation de couleurs complémentaires. Il obstrue la vue à travers les collines de Portofinos et offre pourtant à la vue du spectateur une largeur et une ouverture incroyables. Comme une peinture à l’huile sur toile, le «port de Portofino» captive avec sa luminosité énorme et la variété des couleurs dans l’esprit des vieux maîtres de l’impressionnisme.

Porto di Portofino – Impressionista Dipinto ad olio su tela

Quando si cercano dipinti a olio impressionisti di Portofino, si incontra inevitabilmente l’artista Christian Seebauer, che è diventato noto al grande pubblico più per i suoi dipinti a olio ambientali e sociocri- tici. La sua pittura di paesaggio non è, tuttavia, in alcun modo inferiore e ora è famosa nel mondo. Uno dei suoi lavori sul Taj Mahal di Inden è il motivo principale del film “Ho Gaya Hai Mera Dil Patanga” di Bollywood. Il dipinto ad olio “Porto di Portofino” è uno dei classici, per quanto riguarda il cliché dei motivi impressionisti italiani e ne ricopiamo di conseguenza. Come spesso accade nelle sue opere, l’artista, nel suo omaggio a Portofino, coglie i pochi minuti poco dopo il tramonto nel suo pieno dramma. Allo stesso tempo, l’artista impressionista si interessa molto al trucco della pittura per migliorare l’atmosfera dell’opera: sul lato destro, la facciata di Portofino è appena illuminata dall’ultima luce della sera. Tuttavia, l’artista prende abilmente i gialli luminosi e caldi sullo sfondo nel cielo della sera, anche se non dovrebbero essere lì. Lo spettatore è presentato con uno sfondo incredibilmente vivace, memorabile e coinvolgente, all’interno del quale il porto di Portofino è messo in scena come un idillio senza tempo. Nessuno dei grandi yacht e navi di lusso entrano nella fabbrica. Rimane senza tempo perché manca la pittura ad olio mentre le vecchie piccole barche da pesca e le barche a vela sono stilizzate per il marchio Portofinos. Si può lasciare nell’arte ciò che non si vuole vedere e sottolineare ciò che si vuole vedere? Seebauer sembra non tenere conto di tali domande e dipingere l’Italia con così tanto cuore, che la pittura ad olio ha da tempo conquistato le classifiche di Internet. È uno dei dipinti ad olio che sembrano soddisfare tutti i cliché di un mondo perfetto e tutti i desideri che si vorrebbe sognare dal porto solitario del Mediterraneo. Anche se oggi non è più vero incondizionatamente su Portofino. Architettura italiana di vecchie case di pietra al porto. La pace di alcune persone che camminano lungo la banchina. Le acque turchesi, la cui superficie sembra allo stesso tempo agitata, irradia tuttavia questa profonda pace. Seebauer unisce in questo lavoro come in molti altri le molte contraddizioni di uno scenario bello e vulnerabile. Il lavoro mostra luce e ombra. Ma vive anche dell’uso di colori complementari. Ostacola la vista attraverso le colline di Portofino e offre allo spettatore un’incredibile larghezza e apertura. Come un dipinto ad olio su tela, il “porto di Portofino” affascina con la sua straordinaria luminosità e varietà di colori nello spirito dei vecchi maestri dell’impressionismo.

Portofino Port – Pintura al óleo impresionista sobre lienzo

Al buscar pinturas al óleo impresionistas de Portofino, inevitablemente se encuentra con el artista Christian Seebauer, que se ha hecho más conocido por el público en general debido a sus pinturas al óleo ambientales y sociocríticas. Su pintura de paisaje, sin embargo, no es de ninguna manera inferior y ahora es mundialmente famosa. Una de sus obras sobre el Taj Mahal en Inden es el motivo principal de Bollywood “Ho Gaya Hai Mera Dil Patanga”. La pintura al óleo “Port of Portofino” es uno de los clásicos, en lo que respecta al cliché de los motivos impresionistas italianos y copiamos en consecuencia. Como suele ser el caso en sus obras, el artista, en su homenaje a Portofino, captura los pocos minutos poco después del atardecer en su drama completo. Al mismo tiempo, el artista impresionista respira profundamente en la caja de truco de la pintura para realzar el estado de ánimo de la obra: en el lado derecho, el frente de la casa Portofinos se ilumina con la última luz del atardecer. Sin embargo, el artista hábilmente se adueña de los amarillos brillantes y cálidos en el fondo en el cielo de la tarde, a pesar de que se supone que no deben estar allí. El espectador se presenta con un telón de fondo increíblemente animado, memorable y atractivo, dentro del cual el puerto de Portofino se escenifica como un idilio atemporal. Ninguno de los grandes yates y barcos de lujo entran a la fábrica. Sigue siendo atemporal porque carecen de la pintura al óleo, mientras que los antiguos pequeños barcos de pesca y veleros están estilizados para la marca Portofinos. ¿Se puede dejar afuera en el arte lo que no se quiere ver y enfatizar lo que uno quiere ver? Seebauer parece no tomar en cuenta tales preguntas y pintar a Italia con tanto corazón que la pintura al óleo ha conquistado desde hace tiempo las listas de Internet. Es una de las pinturas al óleo que parecen cumplir todos los clichés de un mundo perfecto y todos los anhelos que uno desearía soñar desde el solitario puerto del Mediterráneo. A pesar de que esto ya no es incondicionalmente cierto en Portofino hoy. Arquitectura italiana de viejas casas de piedra en el puerto. La paz de unas pocas personas caminando por el muelle. Las aguas azul turquesa, cuya superficie parece a la vez agitada, aún irradia esta profunda paz. Seebauer une en este trabajo como en muchos otros las muchas contradicciones de un paisaje hermoso y vulnerable. El trabajo muestra luz y sombra. Pero también vive del uso de colores complementarios. Obstruye la vista a través de las colinas de Portofinos y, sin embargo, ofrece a la vista del espectador un ancho y una apertura increíbles. Como una pintura al óleo sobre lienzo, el “puerto de Portofino” cautiva con su tremenda luminosidad y variedad de colores en el espíritu de los viejos maestros del impresionismo.

Порт Портофино – Импрессионистская живопись маслом на холсте

Когда вы ищете картины импрессионистского живописи Портофино, неизбежно встречается художник Кристиан Сибауэр, который стал известен широкой публике в связи с его экологическими и социоактивными масляными картинками. Его пейзажная живопись, однако, никоим образом не уступает и теперь всемирно известна. Одна из его работ о Тадж-Махале в Индене является основным мотивом Болливуда «Хо Гайа Хай Мера Дил Патанга». Масляная картина «Порт Портофино» – одна из классиков, в том, что касается клише итальянских импрессионистских мотивов, и мы копируем соответственно. Как это часто бывает в его работах, в его честь Портофино, художник захватывает несколько минут вскоре после заката в своей полной драме. В то же время художник-импрессионист проявляет глубокий интерес к трюмной коробке живописи, чтобы улучшить настроение произведения: с правой стороны фронт Портофиноса просто освещен последним вечерним светом. Тем не менее, художник ловко берет яркие и теплые желтые цвета на заднем плане в вечернем небе, хотя они и не должны быть там. Зритель представлен невероятно оживленным, запоминающимся и привлекательным фоном, в котором порт Портофино устроен как вечная идиллия. Ни одна из больших яхт и роскошных судов не входит в завод. Он остается вне времени, потому что им не хватает масляной живописи, в то время как старые маленькие рыболовные лодки и парусники стилизованы для бренда Portofinos. Можно ли оставить в искусстве то, что никто не хочет видеть и подчеркивать то, что хочется увидеть? Сибауэр, похоже, не учитывает такие вопросы и нарисовал Италию с таким большим сердцем, что картина маслом уже давно завоевала интернет-графики. Это одна из картин маслом, которые, похоже, выполняют все клише совершенного мира и все тоски, о которых хотелось бы мечтать из одинокой гавани на Средиземном море. Хотя это уже не безоговорочно верно для Портофино сегодня. Итальянская архитектура старых каменных домов в гавани. Покой нескольких людей шел по набережной. Бирюзово-голубые воды, поверхность которых в то же время взволнована, все же излучают этот глубокий мир. Сибауэр объединяет в этой работе, как и во многих других, множество противоречий красивого и уязвимого пейзажа. Работа показывает свет и тень. Но он также живет от использования дополнительных цветов. Это препятствует представлению через холмы Портофиноса, и, тем не менее, открывает зрителям невероятную ширину и открытость. В качестве картины маслом на холсте «Порт Портофино» очаровывает своей огромной яркостью и разнообразием цветов в духе старых мастеров импрессионизма.

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Manarola is a lovely village in Cinque Terres, always worth visiting.

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This picture I have paid my Italian friend Giovanni. He died. Ti ricordiamo per semper!

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The Ligurian coast of Genoa from Nervi, Cinque Terre to La Spezia. A beautiful landscape, especially at sunset!

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Here we are in Cinque Terre. The Sea View (Rapallo, Manarola) is huge. High up in the cool mountains there are old stone houses.

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Camogli is a picturesque village on the west side of the peninsula of Portofino. Lungomare overlooking the Sagra del Pesce. In the background the village Recco.

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On the shore near Inzenham (Prutting) one has this view to Riedering and Kampenwand. At the end of winter, nature is still sleeping, just waiting to burst into life.

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Climatic Change – Climatic chance: No computer model can predict the effects of climate change. The Sahara was not always dry. Rock paintings witness flourishing landscapes. Paradoxical as it may sound: If the Gulf Stream should dry out, it could rain again and crops could grow. The question is: What will our country look like?

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Hammerhead sharks have become an endangered species on the planet. They are available in 60 million years ago. We need to get it!

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Oceans cover 71% of our earth. And yet we are only just beginning to understand this fascinating habitat better. Protection starts by developing an awareness of the incredible beauty. I can do that the best by painting. Links indicated below: The viscous oil glued the feathers of a seabird, which has lost the fight.

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The danger of the oil rig Deepwater Horizon lurked much further out at sea. Where one no longer sees them. The Deepwater Horizon was an oil drilling platform of BP, which would encourage oil in 1500 meters water depth. On special security measures such as check valves had been abandoned for cost reasons. On 20 April 2010, it was a blowout, and thus to the worst environmental disaster in the Gulf of Mexico. In the foreground a mother flamingo, which attempts to clean her small on oil.

Rezension Flamingo und Ölpest

Das Werk „Flamingomutter und Junges in der Ölpest“ von Christian Seebauer sticht allein schon aufgrund seiner Größe und seiner extremen Leuchtkraft heraus. Auf den ersten Blick wirkt das Ölgemälde wie ein malerisch verträumtes Werk, welches man sich gerne in sein Wohnzimmer hängen würde. Auch die Bohrinsel hat auf den ersten Blick nichts Bedrohliches an sich. Die kräftigen Farben der untergehenden Sonne in tiefen orangerot setzen den Flamingo in seiner puren Ästhetik gekonnt in das Oevre. Erst nach und nach erschließt sich dem Betrachter dieses umwelt- und sozialkritischen Ölgemäldes die volle Dramatik des Motivs. Die Flamingo-Mutter zupft mit ihrem Schnabel verzweifelt das pechschwarze Öl aus dem Gefieder ihres, am Rücken liegenden Flamingoküken. Wer sich in dieses Werk hineinversetzt, nimmt an einem Spiel zwischen Leben und Tod teil und nimmt plötzlich die trügerische Idylle als todbringende Gefahr war. Seebauer gelingt es, den Betrachter ganz ohne erhobenen Zeigefinger mit einem – eigentlich schönen Werk – zum Nachdenken anzuregen. Man kann sich dem Thema Umweltschutz und der Bedrohung durch Ölteppiche und Ölkatastrophen in aller Ruhe stellen. Ob das Werk eine konkrete Anspielung auf die Bohrplattform Deepwater Horizon ist, die im Jahr 2010 eine Ölpest (Blowout) verursacht hat, lässt sich nicht erkennen. Dieses Umwelt- und sozialkritische Ölgemälde zählt schon heute zu den bekanntesten Werken des Genres.

Siehe auche

Review flamingo and oil spill

The work “Flamingomutter and Young in the Oil Spill” by Christian Seebauer stands out due to its size and its extreme luminosity. At first glance, the oil painting looks like a painterly dreamy work, which one would like to hang in his living room. Even the oil rig has nothing threatening at first glance. The powerful colors of the setting sun in deep orange red skillfully put the flamingo into the oeuvre in its pure aesthetics. Only gradually does the observer of this environmentally and socially critical oil painting discover the full drama of the motif. The flamingo mother desperately plucks the jet-black oil from the plumage of her flamingo chick on her back. Anyone who puts himself into this work, takes part in a game between life and death and suddenly takes the deceptive idyll as a deadly danger was. Seebauer succeeds in stimulating the viewer to think with a – actually beautiful work – without a raised forefinger. One can calmly face the topic of environmental protection and the threat of oil spills and oil spills. Whether the work is a concrete allusion to the Deepwater Horizon drilling platform, which caused an oil spill (blowout) in 2010, can not be seen. This environmentally and socially critical oil painting is already one of the best-known works of the genre.

See also

Recensione di fenicottero e fuoriuscita di petrolio

L’opera “madre Flamingo e cucciolo nella fuoriuscita di petrolio” da Christian Seebauer si trova solo a causa delle sue dimensioni e la sua estrema luminosità. A prima vista, il dipinto ad olio sembra un lavoro pittorico da sogno, che si vorrebbe appendere nel suo salotto. Anche la piattaforma petrolifera non ha nulla di minaccioso a prima vista. I forti colori del sole al tramonto in profonda arancione impostare il Flamingo nella sua estetica pura abilmente in opera. Solo gradualmente l’osservatore di questa pittura ad olio, critica dal punto di vista ambientale e sociale, scopre l’intero dramma del motivo. La madre fenicottero disperatamente coglie l’olio nero jet dal piumaggio della sua ragazza di fenicottero sulla schiena. Chi pone se stessi in questo lavoro, partecipa a un gioco tra la vita e la morte e assume improvvisamente l’idillio ingannevole come un pericolo mortale. Seebauer riesce a stimolare lo spettatore a pensare con un lavoro – davvero bello – senza un indice alzato. Si può tranquillamente affrontare il tema della protezione ambientale e la minaccia di sversamenti di petrolio e fuoriuscite di petrolio. Se il lavoro è un’allusione concreta alla Deepwater Horizon che ha causato una fuoriuscita di petrolio (scoppio) nel 2010, non può essere riconosciuta. Questa pittura ad olio critico per l’ambiente e il sociale è già una delle opere più note del genere.

Vedi anche

Dr. Petra Begelmeier, 2017

Original Oil Painting: Original-Image-URL highres: http://www.seebauers-world.com/wallpaper/flamingo.jpg

My former home mountain. The Kampenwand. District of Rosenheim.

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The Latin word gladiolus means small sword.

Original Oil Painting: Original-Image-URL highres: http://www.seebauers-world.com/wallpaper/gladiolen.jpg

The valley Along the trail to the hut Prien, Geigelstein. Near Rosenheim.

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Monte Salta

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Mount Croc

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Early morning in the woods. Sun and backlight are an experience!

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Forest in Freising.

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The water tower of four churches.

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The elder was the seat of the goddess Holder, the life of plants and animals protected.

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Wiue in the past. Farm in four churches.

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Forest in four churches. Here you can walk and nice paint

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A small chapel in four churches.

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Winter in Pasenbach.

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Behind the town hall of four churches: St. James Church.

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The old oak tree is determined over 100 years old. On the outskirts of Rettenbach after Kollbach.

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The Fisherman is still as it was a hundred years. An ideal subject for painting!

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Four churches – Fisherman 2

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The lighthouse on the island of Sylt Hörnum. It is 34 meters high and a great subject.

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Here I made a sketch of a lily pond.

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Quietly the creek flows through the autumn landscape. The ideal scenario for a small oil painting.

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Sailing on the outlook hotel to Malcesine. Here is a yellow villa, in the background you can see the rocky coast of Tignale.

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The Meteora Monastery Roussanou in different colors. The sky changed from blue to pink and purple.

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This image I have outlined as a small picture. In the studio, it became larger.

The Red House Oil Painting is also etablished as a Design

The Red House Venice Oil Painting in high resolution

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dfgfdg

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Was that my first oil painting? Here I was 16 years old.

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The creek Muhlbach near Prien am Chiemsee.

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The River Isar near Freising.Beautiful to paint.

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An autumn landscape near Ampermoching.

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A small pond in four churches.

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The weather was bad. So I painted this picture at home.

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Larkspur

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